OSCAR 2017

EL EFECTO DONALD TRUMP

Llego la hora de entregar el ultimo y mas importante premio de la noche Mejor Película, los encargados de hacerlo Warren Beatty y Faye Dunaway, Warren abre el sobre lo lee y vacila un tiempo en decir el nombre del ganador, busca a ver si hay otra tarjeta en el sobre pero se da cuenta que la única es la que tiene en la mano, se lo pasa a Faye para que lo lea y esta sin titubear exclama LA LA LAND, los productores y el elenco se paran y suben al escenario emocionados a recibir la séptima estatuilla que ha recibido la memorable cinta, mientras están arriba los productores dan su emocionado discurso pero en el lapso de un minuto se ve un movimiento extraño en el escenario, parte de los coordinadores del show hablan con la gente de LA LA LAND mientras uno de los productores sin darse cuenta sigue con su discurso, nos percatamos de la cara de molestia de la recién ganadora del Oscar Emma Stone y presentimos que nada bueno esta ocurriendo, es allí cuando el anfitrión de la noche Jimmy Kimmel interrumpe al emocionado productor y suelta la bomba: se ha cometido un terrible error, la ganadora no es LA LA LAND es MOONLIGHT, el publico asistente, el personal de LA LA LAND y sus productores con el Oscar en la mano mas los millones de personas que siguen por televisión la ceremonia no pueden creer lo que ven.

El productor de LA LA LAND que estaba hablando decide el mismo anunciar que el ganador es MOONLIGHT y se dirige a su director y le dice que esto no es una broma, y muestra a la cámara la tarjeta que debió haber estado en el sobre que dice claramente que MOONLIGHT es la ganadora, Warren Beatty se disculpa y admite que no supo que hacer cuando vio que en el sobre estaba de nuevo la tarjeta que indicaba quien era la ganadora a la mejor actriz o sea EMMA STONE, LA LA LAND, Jimmy Kimmel habla de nuevo y dice que el presentía que algo malo iba a pasar esa noche y que espera que esta sea la primera y ultima vez que hace de maestro de ceremonia de los Oscar, que de paso no lo hizo mal, por primera vez en toda la historia del Oscar sucede este catastrófico error y que ahora toda la prensa escrita y digital comentara hasta mas no poder y que colocara en segundo plano al triunfo forzado de MOONLIGHT.

 ¿Pero que fue lo que paso?, quienes son recurrentes lectores de mi blog saben que he venido comentando que los Oscar podría convertirse en una plataforma de manifestación política y no de manifestación artística, que habían dos razones para esto, el reclamo de los afroamericanos que en la ultima ceremonia de los máximos premios hollywoodenses no habían sido tomados en cuenta para nada y por lo tanto la etiqueta de tildar de racistas a los miembros de la academia cuando hay gente de piel oscura en sus filas, y lo otro el triunfo de Donald Trump, millonaria celebridad devenida en político paracaidista y ahora presidente de USA y que ha comenzado su gobierno con unas políticas duras cargadas de xenofobia, predije que si la orientación de la academia era lavarse la cara en torno a las acusaciones de racismo y convertir la ceremonia en un panfleto político el gran perjudicado iba a ser el séptimo arte estadounidense como expresión artística, y así fue.      

Bajo que punto de vista que no sea el politiquero se puede explicar que se coloque la imagen de en memoria de los fallecidos a la productora Jan Chapmam que esta vivita y coleando por la de Janet Patterson, se nomine al Oscar como Mejor Película a una cinta extremadamente aburrida como FENCES indistintamente de las excelentes actuaciones de la dupla Denzel Washington y la correcta ganadora de esa noche como “actriz de reparto” Viola Davis, cuando en realidad su papel es protagónico y fue movido a otra categoría para dejarle el campo libre a otra excelente actuación de la blanquísima Emma Stone y así pudiese llevarse la estatuilla sin controversia, y pregunto: ¿Precisamente de eso no era de lo que se estaba quejando parte de la comunidad artística afro descendiente?, o una cinta entretenida pero intrascendente y con fallas de guiòn como Hidden Figures, y por supuesto la ganadora a mi juicio forzada MOONLIGHT, cinta que de antemano sabemos que no va a tener ningún tipo de repercusión o legado fílmico, que no es mala hay que ser justos en eso, pero su escogencia es simplemente debido a la intención de callar las voces disidentes que tildan a los Oscar de racistas y excluyentes y dejar claro al mundo que la mayoría de la comunidad hollywoodense esta en contra de Trump.

Pero irónicamente el verdadero ganador de la noche es Donald Trump, aquí sucedió exactamente lo que paso en el concurso del Miss Universo del cual el era o es el dueño, la maldición se traslado a los Oscar, porque esta muy bien que el cine tenga contenido político pero esta muy mal que la política tenga contenido artístico, y eso fue exactamente el pecado que cometieron los organizadores del evento y la academia casi en pleno, parece que no saben que un error como este puede convertir a un verdugo en victima, porque el tema de la noche fue Trump y mas Trump, y los artistas no son políticos, se prepararon para ejercer el arte, no el arte de la política y por eso salen con las tablas en la cabeza, lo que hicieron no les lava la cara, si no que los hacen parecer mas racistas aunque no lo sean, si la academia cada vez que una etnia especifica pega un grito por que no la están tomando en cuenta y ese reclamo no esta sustentado en valores artísticos entonces tendremos ceremonias para premiar solo películas latinas, árabes, orientales, africanas y pare de contar, ¿Y esa escogencia amigos lectores acaso no es excluyente y racista?.

El único merito que debería prevalecer para la escogencia por optar a premios son los valores netamente artísticos de una obra cinematográfica, mas nada, si en un año determinado no hay películas blancas, negras, amarillas o verdes buenas, pues no hay, y si lo que hay es azul pues azul será, es tal vez por eso que a pesar de que yo no creo en cuentos de brujas parece que algo sobrenatural le coloco el sobre equivocado en la mano a Warren Beatty para que este mencionara la película que debía ganar y luego se abriera la caja de Pandora mostrando la decisión incorrectamente política y panfletaria que había escogido la academia. Donald Trump debe haber estado retorciéndose de la risa mientras esperemos que la comunidad hollywoodense entienda y acepte que los estados unidos si tiene todavía problemas raciales y el primer paso para su erradicación es aceptarlos a toda plenitud y no tratar de enmascararlos o apaciguarlos con paños calientes.         

alf.cols@gmail.com / @cinealfred       

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2016 1era Parte

15- MISS SLOANE

Thriller político que en una vista superficial pareciese que lo expuesto ya ha sido tratado en varias oportunidades pero que gracias al enfoque de su personaje principal y a la correcta interpretación de Jessica Chastain trae algo fresco y novedoso al genero, el relato muestra de manera convincente como operan los grupos de lobistas y la forma en que obtienen los apoyos de los senadores para aprobar leyes al servicio de los intereses de sus clientes, mientras que en el proceso la corrupción prevalece por encima de los valores democráticos que supuestamente estos grupos defienden.

14- TONI ERDMANN

Tony Erdmann es sin duda la gran película Alemana del 2016, nominada a mejor película de habla no inglesa tanto en los Golden Globes como en los Oscars, esta comedia dramática narra el reencuentro de un padre con su hija, la cual está abocada a su carrera profesional y se ha prácticamente desconectado de todo tipo de relación humanamente emocional, en cierta medida es la realidad laboral que viven muchos de los seres de este planeta, su padre quien intenta en vano lograr algún tipo de conexión con ella y establecer algo de la antigua relación que tenían sobre todo de cuando era niña, decide tomar una decisión drástica y algo descabellada en pos de restablecer la relación y lograr que ella de nuevo vuelva a ser feliz, es allí donde entra el alter ego Toni Erdmann creado por el sexagenario padre.

13- NOCTURNAL ANIMALS

Segunda película de Tom Ford después de su bien recibida A Single Man, Animales Nocturnos establece dos relatos: uno entre el lector y la obra escrita y el otro el del efecto que este produce en el personaje sumergido en la lectura de la novela por lo que el espectador presencia un relato de ficción dentro de otro relato de ficción, quedando este atrapado en ambos de ellos por lo contundentes y envolventes que son. Tom Ford con gran tino retrata una critica a la sociedad burguesa actual estancada y presa del consumismo, así como el cascaron vacio en el cual se ha convertido el arte al estar controlado y manejado caprichosamente por elites con fines meramente comerciales o de ocupar su excesivo tiempo de ocio en una actividad que les de algo de credibilidad. 

12- THE HANDMAIDEN

En tiempos de la colonización japonesa de Corea en los años 30, Sookee es contratada como empleada doméstica y personal de una burgués mujer japonesa de nombre Hideko, esta vive en condiciones casi de prisionera bajo el sometimiento de su tío viudo y que retorcidamente desea convertirla en su esposa. Sookee es realmente una infiltrada de un estafador quien profesa una falsa identidad de conde japonés y que guarda un plan oculto. The Handmaiden esta basada en la novela Fingersmith la cual se acopla perfectamente a los intereses del afamado director Park Chan-Wook quien continua en su línea de la venganza y el revanchismo y sus devastadores efectos ya expuestos en sus ya obras de culto como Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy of Lady Vengeance.

11- 20TH CENTURY WOMEN

Estamos ante una propuesta servida para el desempeño actoral, el trio de mujeres Bening-Gerwig-Fanning esta soberbio, y las tres dejando a un lado sus diferentes matices representan a unas mujeres en busca de ideales liberales y esto incluye a la madre Dorothea, a pesar de que en algunas situaciones de señas de posturas conservadoras. Por casi un año que es el tiempo en donde mayoritariamente transita la cinta se nos presenta un centro familiar atípico y dominado por la figura femenina, en algunos momentos los personajes en una especie de diario hablado se comunican con los espectadores por voz en off y pueden hacer referencias a lo que presenciamos como parte de un pasado e inclusive pueden hablar también del futuro prediciendo sus decesos y obviando la condicionante de mortalidad.     

10- ALLIED 

Aliados es una clásica pieza cinematográfica en todo el sentido de la palabra, esta trata de retomar los estándares de la narrativa del Hollywood en sus tiempos de oro, de hecho este thriller romántico se inicia en Casablanca, la misma localidad que sirvió de escenario para la ya mítica película del mismo nombre, allí dos agentes encubiertos Max Vatan (Brad Pitt) de origen canadiense y Marianne Beausejour (Marion Cotillard) de origen francés bajo la fachada de un falso matrimonio emprenden una misión para asesinar al embajador de esa localidad colocado por Hitler, la pareja luego se enamora, se casa y forman en Inglaterra una familia, la trama da un giro al ser prevenido Vatan de que su esposa posiblemente sea una espía alemana encubierta.

9- THE CHILDHOOD OF A LEADER

Sobresaliente primer largometraje del actor americano Brady Corbet en su debut como director, la trama se centra en una de las condicionantes que pueden determinar en el desarrollo de la infancia la orientación de un niño ya en la adultez hacia las ideas totalitaristas, en otras palabras presenciamos la niñez de un ser que se convertirá en un dictador, aunque Corbert ubica su historia entre la primera y segunda guerra mundial y utiliza imágenes de archivo históricas para contextualizarnos, el relato que presenciamos es ficticio aunque se alimenta lógicamente del nazismo y el fascismo europeo, inclusive ya en su final no utiliza el conocido símbolo del régimen alemán liderado por Hitler, este es sustituido por un tigre, de modo que Corbert deja sentado que estamos ante una historia que no ocurrió, mas si explora y utiliza muchos elementos históricos para asociarlos hábilmente a su relato.

8- ARRIVAL

La nueva película del canadiense Denis Villeneuve quien viene ganando acelerado prestigio gracias a cintas como Incendies, Enemy, Prisioneros y Sicario, se apunta como un relato puro de ciencia ficción en el mejor sentido del genero, aquí no hay aliens que matan gente, rayos laser, persecuciones, explosiones, el desafío va directamente al intelecto del espectador quien como también ocurrió en Enemy lucirá perdido y desconcertado y tendrá que hacer una segunda revisión de la misma para su mejor entendimiento, aunque de antemano se sabe que las primeras victimas en quedar fuera de sitio con lo que expone la cinta son las audiencias que están totalmente domesticadas e hipnotizadas por el cine simplista y meramente comercial, Villeneuve a pesar de contar con mas recursos a la hora de traernos este Arrival se niega a despojarse de su vena de realizador autor, esa independencia es lo que le ha dado la fama de ahora pertenecer a la elite de luminarios directores y tener mas autonomía y poder a la hora de escoger sus proyectos.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2016 2da Parte

7- SILENCE

Scorsese retorna con una cinta abismalmente opuesta a su ultima y celebre El Lobo De Wall Street, aparte de prescindir de Dicaprio, si aquella trataba del derrumbe colectivo de un grupo de gente entregada al hedonismo ahora en Silencio el relato se traslada al interior de los caracteres que transitan por la historia pero sobretodo al de un sacerdote Jesuita y su batalla interna por preservar su fe cristiana al punto de mantenerla para si mismo en total silencio mientras obligado por las circunstancias admite y practica ante sus adversarios otra creencia.

Silencio plantea el conflicto de dos mundos opuestos pero que se dan la mano por debajo de la mesa a través de sus prácticas totalitarias con tal de imponer un pensamiento o una forma de vida, por un lado los cristianos que aquí representados por los jesuitas pretenden colonizar religiosamente a un Japón entregado en su gran mayoría al budismo y por otro los feudos que combaten esta injerencia de manera implacable utilizando la tortura como instrumento.

6- QUE DIOS NOS PERDONE

Ganadora al mejor guion en el festival de San Sebastián Que Dios Nos Perdone se alza como un thriller policiaco en la tradición del clásico Seven de David Fincher, afortunadamente la película de Sorogoyen se va despegando de la influencia de Fincher y va cogiendo forma propia a medida que se desarrolla el relato, muy bien ambientada en Madrid la historia nos inserta en la caza de dos policías Alfaro y Velarde a un asesino en serie y violador de ancianas, lo interesante se sustenta en que los dos policías de personalidades opuestas, de hecho uno es tímido y tartamudo, comparten similitudes psicopáticas con el asesino que persiguen, aunque la de cada uno es de naturaleza diferente.

El as bajo la manga en Que Dios Nos Perdone es mostrar una cinta de suspenso policiaco en un entorno desprovisto del idealismo de la lucha entre el bien y el mal, unos diálogos cotidianos y directos que no se someten al formulismo del cine meramente comercial, lo que le da una tónica mucho mas realista y cruda a lo expuesto en el film.

5- HELL OR HIGH WATER 

Hell or High Water es un moderno western en donde la línea del bien y el mal es borrada, no existen malos ni buenos, los motivos de las acciones de los atracadores están bien argumentados haciendo difícil al espectador juzgarlos, inclusive las acciones de Tanner el hermano mayor busca pleitos son dadas en situaciones entre la espada y la pared siendo muy fácil condenarlo desde una posición ajena, al menos que se este en su lugar.

El dúo Toby y Marcus esta perfecto y lo que mas cala en el espectador es la solidaridad entre hermanos o familia y que ambos sin ninguna duda por el entorno que les toco vivir fueron a un sendero que la mayoría de nosotros no queremos transitar.   

4- AMERICAN HONEY

En la misma línea de su anterior trabajo Fish Tank (ganadora del Bafta) ahora Andrea Arnold traslada su análisis de la juventud pobre británica a suelo estadounidense, este es un road trip crudo y realista que presenta a una juventud norteamericana sin dirección, que vive por vivir y en donde el fin justifica los medios en pro de la supervivencia, aquí Star (Saha Lane) abandona a su disfuncional familia y se une a un grupo de jóvenes que van puerta en puerta vendiendo suscripciones para revistas, este grupo es liderado por una implacable patriarca igual de joven que ellos pero con un determinante liderazgo y inequívoco sentido de la malicia, su perrito faldero es Jake (Shia Labeouf) quien es el que anima a Star a formar parte del grupo y con la cual tendrá un peculiar romance.

American Honey ha sido  por algunos criticada por plantear un viaje sin destino, sin brújula, por no tener una resolución satisfactoria como encontramos en la mayoría de las cintas institucionales, esas voces disidentes tal vez no se han percatado de que esa era  la premisa que quería establecer la directora.

3- HACKSAW RIDGE

Hacksaw Ridge es la quinta película dirigida por Mel (debiendo haber mas), aquí como lo hizo con la Pasión De Cristo el señor Gibson se alza como posiblemente el director cristiano mas grande de todos los tiempos, afirmo esto debido al poder de convencimiento cinematográfico que posee Mel, no importa que usted no crea en Cristo pero todo el que vio La Pasión se conmovió por lo contundente de esta, igual pasa con Hacksaw Ridge, no importa si usted es ateo pero por dos horas se va a colocar en la piel de un ferviente creyente de dios y Cristo el cual logra una increíble hazaña por medio de su incondicional fe.

La presencia de Dios esta impregnada a lo largo de toda la película, lo cual es una extensión de las creencias del propio Gibson (recordemos que es un ferviente católico) y este deja claro que la fuerte voluntad de Desmond Doss esta cimentada es su inquebrantable fe religiosa, es por ello que tal vez Gibson y Doss se funden y indistintamente de que usted y yo no compartamos totalmente sus creencias, estos sobreviven y renacen impulsados por su respetable religión.                                               

2- THE NEON DEMON

En lo visual The Neon Demon toma inspiración de dos maestros tales como Dario Argento y David Lynch, el reconocimiento hacia Argento se da en lo colorido de la iluminación y fotografía, a tal punto de que el mundo en donde nos sumerge Nicolas esta impregnado de una irresistible irrealidad, la utilización marcada de los colores en especial el rojo produce un efecto angustiante y de que algo anda mal, abriendo la brecha  para el camino fatalista en donde se enrumba sin duda la trama, si a esto añadimos el tono oscuro, surrealista y la precisa inclinación hacia una atmosfera de terror y suspenso (sin llegar a posarse plenamente en alguno de los dos) podemos reconocer al Lynch mas enrarecido y enfermizo de sus mejores trabajos (Inland Empire por nombrar uno), de manera que Nicolas aquí realiza un digno homenaje a estas dos figuras icónicas, pero eso si, bajo sus propios términos y como ya es su costumbre con unas tomas muy bien planificadas y encuadradas aupadas con una excelente banda sonora cimentada en la música electrónica.

Una vez más el director Nicolas Winding Refn se muestra indomable, inclasificable y se mantiene fiel a su exploración de la violencia en sus distintas formas de manifestarse, tal vez el efecto ambiguo que tiene Jessie  sobre los mortales a su paso es el mismo paralelismo que se dio con Nicolas y sus detractores en Cannes, quienes no descartamos que tengan alguna inclinación caníbal alineándose con ese acto metafórico planteado en The Neon Demon.  

1- LA LA LAND 

Damien Chazelle ya demostró sus dotes como director con la impecable y nominada al Oscar Whiplash, ahora por tercera vez el jazz hace acto de presencia en este musical que homenajea a la edad de oro del cine Hollywoodense y que decreta que este tipo de cine ya no se hace, si vemos otra obra de la misma envergadura pudiera ser dentro de 10 o 15 años. Chazelle nos contagia su amor por el jazz y los musicales y lo hace a través de la parejita Gosling-Stone, la cual desprende una química espectacular que se apodera de la audiencia como un espíritu que toma posesión de un cuerpo, en este caso al poseído no le queda mas que rendirse y disfrutar a plenitud y sin reservas de esta mágica película que deseara que no se acabe, porque una vez que lo haga y vuelva a la realidad el sentimiento de añoranza sera incontrolable, las imágenes se quedaran por días grabadas en el consciente y subconsciente, de eso se trata el cine, del poder que tiene de hacernos viajar por otros mundos, otras realidades y creérnoslas, ese es el triunfo de toda obra cinematográfica y esta lo logra con creces.     

La gran estrella del film como dije antes es la nostalgia, Chazelle hace un manifiesto para todas las generaciones de lo que esta perdiendo el cine, su capacidad de innovar y sorprender pero sobre todo la llama de la magia que venia implícita en el llamado séptimo arte y que por momentos pareciera que esta apagándose, de pronto aparece Chazelle y nos dice que no todo esta perdido, a pesar que la gente ya no acuda a las salas de cine como lo hacia antes.
Aunque todavía hay gente como el que creen en el poder del cine, por ello se asegura de hacer una película que debe ser vista solo en la gran pantalla, en otro sitio no seria lo mismo, se asegura de indicarnos en su apertura que es una función en CinemaScope y nos amplia las imágenes que a continuación se apoderaran de nosotros y de las cuales los únicos que tendrán inmunidad frente a ellas son aquellos que no conocen el verdadero concepto de lo que es el cine y sobretodo el musical, para ellos mi mas sentido pésame, no tienen ni idea de lo que se pierden

alf.cols@gmail.com / @cinealfred

ASSASSIN'S CREED De Justin Kursel

Assassin’s Creed es una de las películas más incoherentes y de realización innecesaria de la historia del cine, la cinta se basa en la serie de videojuegos de superventas y que salió al mercado en el 2007, no soy aficionado a los videos juegos y de hecho no me gustan así que asumo que la mezcla de ciencia ficción e historia insertada en la temática de la película también está presente en el video juego, con el agregado de luchas de espadas y saltos desde edificios muy altos. Hasta el momento todas las adaptaciones de videojuegos a la gran pantalla en lo que a occidente se refiere han sido un verdadero fiasco, ahí tienen los Resident Evil y la reciente espantosa Warcraft, así que era previsible el destino de esta nueva adaptación, que además cuenta con una  mitología infantiloide y difícil de tomarse en serio al menos que sea dentro del universo de los propios juegos .

Para la gran mayoría que estuvimos perdidos y desconcertados con la historia inverosímil y pesimamente mal contada de Assassin’s Creed la cosa va más o menos así: hay dos bandos, unos son los caballeros templarios y los guerreros asesinos, ambos se enfrentan en diferentes periodos históricos por el libre albedrío, los Templarios están en contra y los Asesinos están a favor de él, y que aquí a través de una máquina que viaja mentalmente por el tiempo se pelean por una cosa tan ridícula como es la manzana del edén la cual Adam y Eva mordieron en contra de los designios del creador y que origino el primer pecado, que tiene un supuesto poder que en la cinta no pueden definir con precisión y que al final no era una manzana si no otra cosa que tampoco son capaces de explicar.

Mucho menos entendible es como el director Justin Kurzel después de haber realizado con gran acierto una obra seria como lo fue Macbeth se traiga al mismo dúo protagonista conformado por Michael Fassbender y Marion Cotillard y hagan esta comiquita vergonzosa en la cual pasan las siguientes cosas:

     

      La historia del videojuego es igual de mala que la de la película por lo tanto su realización era inviable.

El director y los actores desconocían totalmente todo lo que tiene que ver con el videojuego.

Un cheque con un determinado número y varios ceros al lado los persuadió de que hicieran esta grosería y que no se preocuparan, porque la mayoría de la gente que va al cine es descerebrada y van a pagar por cualquier cosa que provenga de un videojuego y que tenga mucha acción y peleas de espadas (me inclino por esta).

En lo que debiera de estar claro el señor Justin Kurzel es que debe cuidarse de ese grupito de productores de oficio que no saben nada de cine y que todo lo que quieren es concretar un acuerdo (Deal como ellos lo llaman) buscando pegar la lotería y hacerse con unos millones, en el proceso quien pierde credibilidad y posiblemente trabajo va a ser el director. 

Hay dos tipos de directores los que hacen cine como medio de expresión artística sin importar las retribuciones monetarias y los que hacen cine solo para producir dólares, si un realizador escoge la segunda opción y sus películas son fracasos de taquilla como lo fue Assassin’s Creed su carrera está terminada, ¿Ese es el destino que desea el señor Justin Kurzel?

Es patético ver a actores de la talla de Fassbender y Cotillard tratar de hacer lo humanamente posible en darle sentimiento y veracidad a un material sin inspiración y que su director lo trata  como si fuera Shakespeare, pero lo peor es que la propuesta ni siquiera entretiene, todas las secuencias de acción están mediocremente coreografiadas, el montaje es confuso e incoherente, además de unos efectos visuales de pacotilla en los cuales se aprecia descaradamente su elaboración por ordenador y una fotografía terriblemente opaca dada por el empeño de Kurzel de utilizar filtros cromáticos para pintar las imágenes hacia un tono gris o marrón. La gota que derrama el vaso es que Kurzel deja la cinta abierta para una supuesta continuación, ¿Es que acaso no asistió a la proyección del corte final?

En una escena Fassbender como Callum Lynch exclama: "¿Qué demonios está pasando?", mi inquietud es: ¿Su línea está en el contexto de la trama o se está dirigiendo al director profetizando el desastre de película que se iba a avecinar?

VALORACIÓN : ?

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HIDDEN FIGURES (Figuras Ocultas) De Theodore Melfi

De las 9 cintas nominadas a Mejor Película del 2016 Hidden Figures se ha convertido en la más exitosa a nivel de taquilla de todas ellas, es grato encontrarse una respuesta positiva sobre todo del público estadounidense hacia una película sobre la diversidad y la inclusión en tiempos donde a nivel político la xenofobia parece estar agarrando terreno, la película basada en hechos reales nos trae la historia de tres afroamericanas lumbreras que aprovecharon esos dotes para poder trabajar codo a codo al lado de los hombres en la industria espacial y en una época en donde sus aportes estaban ocultos mantenido por un bajo perfil producto de la segregación racial y de los prejuicios sociales.

Ahora bien Hidden Figures es una buena cinta de entretenimiento, eso es todo, su nominación al Oscar esta más relacionada por motivaciones políticas actuales y por la polémica desatada en la entrega del Oscar del 2016 en donde hubo ausencia de nominados de los llamados en Estados Unidos “Afroamericanos”, era totalmente previsible que en esta entrega los organizadores del celebrado premio iban a ir en la búsqueda de propuestas de temáticas afroamericanas y nominarlas por encima de otras con más valores artísticos en pos de callar las voces que los tildan de racistas, aquí es donde el arte paga un enorme precio derivado de un país con muchos atributos, eso no se puede negar, pero que por peculiaridades históricas se ha empeñado en catalogar a la gente en blancos, nativo americano, afroamericano, latino, árabe y pare usted de contar, creando una estructura social dividida pero que afortunadamente en muchos grandes momentos como se muestra en la película ha salido adelante gracias al aporte de todos sin las barreras sociales y culturales en pos de un bien común.  

La propuesta a pesar de tener un buen ritmo y contar con unas excelentes interpretaciones presenta varios reveses que la destinan a una película más del montón y que no tendrá repercusiones e influencias artísticas en el futuro. En primer término la historia se centra en tres mujeres y cada una de esas historias no se desarrolla efectivamente, de hecho la ingeniero es la que más sufre, su participación es mutilada en pos de las otras dos convirtiéndose en un personaje prescindible y de poca importancia para toda la trama en sí, solamente está allí como personaje referencial por ser la primera vanguardista mujer afroamericana en convertirse en Ingeniero, estas tres historias merecían un desarrollo más individual pero el guion esta más atento en reiterar una y otra vez el mismo mensaje de igualdad de tres mujeres que trabajaron para la NASA, llegando al borde del panfleto.

La cinta logra captar la atención cuando se mete de lleno en las escenas del programa espacial, posiblemente si el director hubiese escogido este único camino y a la par mostrar el valioso aporte de las brillantes mujeres el resultante narrativo hubiese sido más consistente o en su defecto enfilar sus baterías en torno a la discriminación racial, el realizador escoge ambos enfoques y a la final uno termina suprimiendo al otro, el apartado del programa para ganarle la carrera espacial a los rusos que es el que se sobrepone también cuenta con una excelente participación de Kevin Costner como el director Al Harrison, quien es el que se da cuenta de la destreza de Katherine la genio en los cálculos matemáticos y que su aporte puede ayudar a la NASA, Costner representa a la gran mayoría del pueblo estadounidense que ve inhumano, estúpido y obsoleto la división racial y en el caso del personaje como un gran obstáculo para su meta suprema de ganarle a los rusos, irónicamente Al Harrison trata a todos por igual blancos, negros, verdes o azules, no les importa su color y no da un trato especial a ninguno, solo reconoce el valor de sus subalternos de acuerdo al compromiso y cualidades, de nuevo irónicamente el personaje mejor construido y respaldado de la propuesta es el suyo, pero por los signos actuales de los tiempos nadie se lo reconoce.

Hidden Figures sucumbe ante los formalismos del cine comercial estadounidense, la historia en términos generales es rebosada con un aire de ingenuidad y luce en muchos aspectos muy artificial, le falto más realismo y naturalidad en las dinámicas e interacción del personal que labora en las instalaciones de la NASA, es una lástima que una historia con una temática tan  importante como lo tiene esta no posea una escena memorable y todas las situaciones que se presentan sean de más previsibles, sin embargo la cinta tiene mucho de rescatable en el plano actoral especialmente a Taraji P. Henson como Katherine Johnson la genio en matemáticas y a Octavia Spencer como Dorothy Vaughan (correctamente nominada al Oscar como actriz de reparto) y por supuesto el relegado Kevin Costner. Hidden Figures se queda a medio camino y hace su cierre con los típicos créditos del género biográfico mientras el espectador siente que no perdió su tiempo y que fue entretenido, así sea sin mucha sustancia.

VALORACIÓN 7/10

QUE DIOS NOS PERDONE De Rodrigo Sorogoyen

Ganadora al mejor guion en el festival de San Sebastián Que Dios Nos Perdone se alza como un thriller policiaco en la tradición del clásico Seven de David Fincher, afortunadamente la película de Sorogoyen se va despegando de la influencia de Fincher y va cogiendo forma propia a medida que se desarrolla el relato, muy bien ambientada en Madrid la historia nos inserta en la caza de dos policías Alfaro y Velarde a un asesino en serie y violador de ancianas, lo interesante se sustenta en que los dos policías de personalidades opuestas, de hecho uno es tímido y tartamudo, comparten similitudes psicopáticas con el asesino que persiguen, aunque la de cada uno es de naturaleza diferente.

La trama en su primera hora nos va describiendo a estos personajes mientras en un bien ubicado segundo plano coloca la investigación de los inusuales asesinatos, esto le sirve a su director para hacer un retrato de unos policías llenos de defectos y con graves problemas emocionales, incluyendo a los personajes de reparto como el amoral y engreído jefe de estos. En la pareja protagónica tenemos a un detective con graves problemas de control de ira y que resuelve sus problemas con la violencia como único método, mientras el otro es un acomplejado por su condición de tartamudez, incapaz de socializar, reprimido sexual y que en una escena casi le perpetua una violación a una vecina del edificio donde habita.

Una vez establecido este mundo dual, donde no existen los héroes convencionales de este tipo de thrillers y con una tensa calma provista de violencia, en su segundo tramo la historia se focaliza en el asesino, cuya primera aparición se es reservada ya hacia los tres cuartos del metraje visionado, el “villano” de la propuesta esta perfectamente delineado y su enfoque es mas próximo con los asesinos reales en series que conocemos, olvídense de una figura provista de algún vestigio demoniaco, estamos ante el vecino de al lado, el que pasaría desapercibido en cualquier tipo de reunión social pero calzado con una gran inteligencia y malicia, lo que lo convierte en una presa difícil de cazar.   

Otro punto acertado en donde Sorogoyen se aleja de los convencionalismos del thriller policiaco viene dado en como el dúo irregular de policías debe enfrentarse mas a las barreras burocráticas que les son impuestas y a los demonios que rondan por sus cabezas que a las pistas y evidencias que van encontrando a lo largo de la investigación, los actores  Roberto Álamo y  Antonio de la Torre brillan en sus interpretaciones del  dúo de inspectores contrapuestos, totalmente incompatibles y cuyo único camino para lidiar con el asesino pasa por exorcizar sus propios demonios personales.  

El as bajo la manga en Que Dios Nos Perdone es mostrar una cinta de suspenso policiaco en un entorno desprovisto del idealismo de la lucha entre el bien y el mal, unos diálogos cotidianos y directos que no se someten al formulismo del cine meramente comercial, lo que le da una tónica mucho mas realista y cruda a lo expuesto en el film. Al final se evidencia de que cada uno de los personajes involucrados en la dinámica policiaca tienen una conexión mucho mas fuerte con el  psicópata oficial sin tener ellos la más mínima sospecha.

VALORACION 8/10

alf.cols@gmail.com / @cinealfred