BLACK DEATH De Christopher Smith

LA MUERTE NEGRA

El señor Smith se ha especializado hacia el cine de horror en su corta carrera, debuto con CREEP que si bien no traía nada nuevo al genero la crudeza y contundencia de la trama de un asesino deforme producto de experimentos científicos que vivía en los obscuros y desolados parajes de los túneles del metro llamo la atención de los amantes del terror, su segunda propuesta SEVERANCE  lo pondría en el ojo de la comunidad cinéfila trayendo una comedia de horror que criticaba el armamentismo a través del asesinato de un grupo de empleados de una poderosa fabrica de armas en manos de un grupo lunático y el terror sobrenatural y psicológico de TRIANGLE excelente pieza en la tradición de Sexto Sentido evidentemente con una trama diferente y un final abierto e interpretativo, este trió de películas nos dicen que hay que estar atentos al trabajo de este notable director el cual reafirma su calidad como cineasta independiente con su nueva obra BLACK DEATH.   

Muerte Negra difiere mucho de sus anteriores obras sin embargo el director mantiene su crudeza intacta en una historia que se desarrolla en la edad media donde el gore esta a la orden del día con una puesta en escena gótica, fotografía baja en color donde lo predominante es el gris apoyado en un elenco sólidamente dirigido y un guión cuya temática es mas profunda y critica en comparación con sus anteriores cintas, aunque la película no supera a las clásicas Severance y Triangle si se nota una evolución del realizador en su búsqueda de nuevos senderos fílmicos.

Una terrible plaga azota a Europa, la iglesia declara que es un castigo de dios pero llegan noticias de que un remoto pueblo no hay nadie que padezca la enfermedad así que un grupo de soldados del "señor" y un joven monje son enviados a averiguar esos extraños hechos en lo que se presume un acto de brujería, la empresa viaja con una carroza de torturas con miras a capturar y castigar a los posibles herejes pero al llegar al sitio el grupo supersticioso conseguirá algo radical  que volteara totalmente las circunstancias poniendo a prueba su fe en el cristianismo, Smith mediante este marco expone lo irrazonable del fanatismo religioso donde quiera que se posicione ya sea en la causa o en el efecto utilizando principalmente la figura del monje como eje central del conflicto, la correcta atmósfera lograda por el realizador unida a la violencia plenamente justificada para desnudar una vez mas el obscuro periodo de la inquisición hacen de esta una obra que no debe descartarse de manera de entender un poco mas los niveles de intolerancia religiosa que hoy en día aun persisten. 

       

   PUNTUACIÓN 7.5/10

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HANNA DE JOE WRIGHT

Joe Wright salto a la palestra con dos excelentes cintas de época, ORGULLO y PREJUICIO, la ganadora del Globo de Oro a la Mejor Película y competidora en el mismo renglón en los Oscars EXPIACIÓN para luego pasar a un drama contemporáneo EL SOLISTA, ahora nos trae su ultima propuesta la cual es un drama de acción HANNA encarnado por la misma niña revelación de Expiación SAOIRSE RONAN.

Hanna es la historia de una adolescente la cual toda su vida ha vivido aislada en lo mas recóndito de las montañas, criada y entrenada como un arma letal por su padre Erik (Eric Bana), cuando ya Hanna se siente preparada su padre le entrega un artefacto que emite una señal satelital que al ella activarlo revela la localización de ambos dirigida especialmente a una agente de la C.I.A  Marissa (Cate Blanchett) la cual ha estado largos años tras la caza de estos, a partir de ese momento padre e hija se separan y Hanna que ha sido entrenada por años para llevar a cabo la misión se lanza a conocer un mundo que nunca ha visto, que solo conoce por boca de Eric y de libros, ni siquiera Hanna jamas ha escuchado música solo conoce su definición.

En este juego del gato y el ratón es donde se irán revelando una serie de elementos sobre todo el porque de las anormales facultades de Hanna que es capaz de abatirse con cualquier tipo de asesino, manejar armas con alta precisión y poseer una inteligencia digna de un James Bond pero paralelamente se nos muestra a una joven asombrada por el mundo que va conociendo y que se ha perdido, que entabla una amistad muy sutilmente dual con otra chica y su familia haciendo que la obra afortunadamente no se convierta en una propuesta mas de acción descerebrada ya que en ningún momento esta opaca la trama, los elementos de drama, suspenso y acción están en su justa medida.

Lo mejor de la cinta es los personajes de Saoirse Ronan en su correcto rol de Hanna la cual combina dureza, malicia e inocencia de forma admirable, sin duda es un actriz con un gran potencial y futuro, encontraparte su rival una ya veterana Cate Blanchett como Marissa, esta de mas decir que todo papel que le es encomendado lo interpreta de manera impecable, aquí luce sobria como la elegante villana de la historia.

Wright incursiona con Hanna convincentemente en el cine de acción sin llegar a ser una joya dentro del genero pero es una propuesta fresca que se agradece en contraste con la invasión de películas comerciales Hollywodenses de esta temporada.

PUNTUACIÓN: 7/10

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CRITICA DE REVERÒN, LA PELICULA

REVERÒN De Diego Risquez

Hacer cine histórico es sumamente difícil ya que siempre el punto de vista del director se impondrá, en algunos casos por encima de los hechos verídicos, quien busque un traslado 100% fiel de un relato biográfico en una cinta tal vez termine como Reveròn, aislado en un mundo delirante de un genio incomprendido por el resto de los mortales de aquella Venezuela a la cual el pintor le llevaba años luz de ventaja y que por no ser una oveja mas del rebaño pago el precio de pasar el resto de su existencia en un manicomio, como no soy historiador no voy a entrar en polémicas típicas del genero, si esto no fue así o fue de tal manera, simplemente me limitare a dar mi punto de vista  enmarcado estrictamente en el aspecto cinematográfico de la cinta de Risquez y el efecto causado en mi con la intención como he dicho en otros artículos de contribuir con un pequeño grano de arena específicamente en la pequeña comunidad de lectores que me siguen viendo los pro y contra de nuestro cine, ser mas exigentes  como espectadores y si hay algún cineasta o novel realizador que se tope con mis artículos que de su punto de vista a favor o en contra de lo aquí expuesto y de esa manera se habrá un fructífero debate con miras a elevar los estándares de nuestro cine.   

Conocí a Risquez en un foro que dio organizado por  la escuela de cine y televisión a propósito del estreno de Miranda, algunos de los estudiantes que le hicieron preguntas sobre todo uno en particular que después para alivio de los escuchas fue callado por sus mismos compañeros se avasallaron contra el cineasta no en una aptitud sana y constructiva, de aprender de el incluyendo de sus errores si no simplemente por el placer de poder tenerlo al frente y destruirlo, yo estuve entre los pocos que nos limitamos a preguntar ¿por que hizo esto o aquello? y el mismo en sus propias respuestas reconocía sus errores, pero debo confesar que Diego  contribuyo en parte a la atmósfera que se dio al iniciar el foro no con un "buenas tardes, gracias por invitarme" si no con un ¡ya estamos listos, bueno disparen! y eso fue lo que obtuvo, también vi un programa piloto que pretendía hacer entrevistas a personajes del cine nacional y el primer invitado fue Risquez, lamentablemente parece que el programa no vera luz debido al error del moderador, un apreciado profesor mio que puso por encima su descontento por Miranda armándose casi una batalla entre entrevistador y entrevistado, así que el cineasta esta acostumbrado a la polémica cosa que parece funcionarle ya que a Miranda le fue bien en la taquilla y el mismo camino lo esta recorriendo Reveròn. Me parece que la gran virtud de Diego es querer mostrarnos nuestra historia, nuestros personajes algo que nos hace muchísima falta en una nación con problemas de identidad, de amor a lo propio y que la gente responda al llamado del realizador cada vez que presenta una propuesta es algo de digno respeto. 

Ya entrando en materia la primera media hora de la cinta no me convenció así como la utilización de canciones románticas que a mi modo de ver contrastan con la personalidad y la vida del reconocido artista dentro de la atmósfera en la cual se desenvuelve la historia  pero el metraje va ganando terreno en la medida  de que el personaje de Reveròn se posiciona de manera solida en la historia situándose entre ceja y ceja del espectador, aquí esta la gran virtud de la cinta Luigi Sciamanna, su actuación es impresionante, impecable, dotada de un realismo y naturalidad muy poco visto en nuestro cine, no tengo dudas de que este gran actor arrasara con los premios nacionales y coleccionara muchos internacionales, al estar este personaje que es en quien gira toda la trama bien dibujado y provisto de unos excelentes diálogos llenos de mucho humor la obra esta 70% ganada, además se debe resaltar el trabajo de dirección de arte y fotografía al recrear el interior del rancho específicamente el taller de Reveròn, algunos críticos han sido escépticos con el tratamiento sensual de Risquez en las escenas de retratos femeninos, a mi en lo personal no me molestaron a pesar de que obviamente no existían los senos con siliconas en aquella época, las interpreto como un homenaje a la belleza mestiza de nuestro país, donde si hay una gran falla en este apartado es en la inconsistencia en la iluminacion en algunos cambios de escena los cuales me pegaron fuerte sacandome del entorno de la cinta, recordemos que este tipo de errores van en contra del realismo que se pretende mostrar y nos ponen en conciencia que estamos ante una película, afortunadamente allí estaba Luigi quien magníficamente nos volvía a insertar en el marco de la cinta, para reflejar el periodo blanco de Reveròn se abusa del recurso de fundido al color mencionado, esto hace que el efecto que se quiere transmitir  vaya perdiendo fuerza en la audiencia .

ELENCO PRINCIPAL:

Luigi Sciamanna como Reveròn: Sencillamente espectacular.
Sheila Monterola como Juanita de los Rios: Hay escenas donde convence en otras luce algo sobreactuada.
Luis fernàndez como Nicolàs Ferdinandov: Con fallas de dirección, su interpretación es acartonada y estereotipada.
Antonio Delli como Alfredo Buolton: Se logro un buen matiz, se pudo haber tentado por su estatus social a llevarlo en otra dirección, afortunadamente su caracterización es equilibrada .
Adriàn Delgado como Vicente gerbasi: Cumple con lo encomendado.

Prakriti Maduro como Luisa Phelps: Ya se lucio en Havana Eva, aquí en su breve aparición de nuevo luce exquisita, actriz con gran futuro por devenir.    

En conclusión Diego Risquez se reivindica con una película muy superior a Miranda, mas osada, rebelde y directa a nivel de guión en un especie de reencuentro con sus obras de los ochenta y noventa, esperamos que no baje la guardia y siga creciendo sobre todo a nivel técnico. 

PUNTUACION: 7.5 / 10  
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LAS 10 PELICULAS DE TERROR MAS INFLUYENTES 1era PARTE

 10- RING (1988)
De Hideo Nakata

A finales de los noventa el popular cine de terror sobre todo el Hollywodense se encontraba encasillado, pobre en creatividad y en una merecida temible caída sostenida, afortunadamente la luz no aparecería por los lares del tío Sam, tímidamente la gran salvación anhelada  vendría desde Asía específicamente desde Japon con la cinta El Aro, esta obra reinventaría el genero llenándolo de vitalidad e impulsando a una serie de directores a explorar nuevas formas y profundizar la bases impuestas por la cinta, en toda Asia se desato una ola de extraordinarias películas muchas de ellas ya clásicas que pondrían a temblar la supremacía de Hollywood en los mercados internacionales a lo cual solo pudieron responder a través de los remakes y así en el 2002 se hizo la respetada versión Estadounidense del Aro la cual tuvo un extraordinario éxito, en parte se debió a que esta fue mas cruda y no tan sugerente como la original pero lo básico fue ser estrictamente fiel a la esencia de la obra primaria, aunque ya a estas alturas la explotación de las historias de fantasmas esta mas que saturada no se puede negar el legado de la inusual obra Japonesa.            

 9- EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR (1999)
De Daniel Myrick y Eduardo Sanchez

El documental falso del dúo de debutantes cineastas se convirtió en todo un suceso llegándose a convertir en la cinta mas rentable de la historia comparando costos-ganancias, de un aproximado de 30.000 dolares con los cuales se realizo la película se obtuvo una ganancia nada mal de 140.000.000 dolares solo en suelo Estadounidense, la forma inusual de promocionar la cinta básicamente por Internet y colocar carteles en los distintos festivales en donde se pedía si alguien sabia del paradero de los tres jóvenes  novatos documentalistas desaparecidos en los bosques de Maryland sirvió para atraer masivamente a publico que creyeron que lo que estaban presenciando era cierto, ya hoy en día este tipo de recurso del documental falso y filmar con cámaras de vídeo para reducir costos es extremadamente popular a pesar de que en su momento algunos críticos arremetieron contra la cinta en una postura conservadora sin percatarse de que el dúo realizador abrió una brecha para nuevas formas cinematográficas de hacer cine.    

 8- SUSPIRIA (1977)
De Dario Argento

El director maestro del Gallio Italiano llegaría a la cúspide con Suspiria su obra maestra, fue una obra mucho mas osada, cruda y explicita que sus anteriores realizaciones y logro combinar su estilo con el naciente gore agregándole elementos sobrenaturales a la trama, el resultado fue la creación de un estilo imitado hasta hoy en día hasta la saciedad pero hay que recordar que en aquel momento no era común ver la cantidad de mutilaciones y sangre tan explicitas de forma osada como lo hizo Argento, cabe destacar que el director cuido en todo momento la estética y el trabajo de cámara así como la dirección de actores de tal manera que la propuesta en su conjunto fuera uniforme, después del éxito de Suspiria Dario Argento  se repitió en sus siguientes trabajos algunos mediocres otros aceptables pero nunca volvió a lograr el impacto y el pico alto creativo alcanzado en Suspiria, aun así el director sigue siendo considerado como uno de los grandes arquitectos del cine de terror contemporáneo.               

7- FRANKENSTEIN  (1931)
De James Whale

La primera adaptacion de la obra de Mary Shelley se convirtió en una de las cintas de terror mas famosas de todos los tiempos y fue la que termino de establecer el genero en Hollywood, la figura del monstruo de cabeza cuadrada con tornillos laterales, traje negro y enormes zapatos con plataformas se quedo grabado como uno de los grandes iconos de la gran pantalla, a pesar del tiempo transcurrido la cinta todavía es admirada por su estupenda atmósfera gótica, secuencias memorables entre ellas la creación de la criatura, la excelente interpretación de Colin Clive como el Dr. Frankenstein y por supuesto un temible Boris Karloff  como el monstruo, sin el empujón que dio la cinta gracias a su instantáneo éxito es posible que el genero del terror hubiese tardado mas tiempo en dar su despegue definitivo   

6- LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968)
De George A. Romero

Los ultra populares Zombies tendrian su plataforma de lanzamiento en la cinta del 68 de George A. Romero, rodada en blanco y negro, se narra como un grupo de personas quedan atrapadas en un casa cercana a un cementerio a merced de muertos que han resucitado los cuales buscan alimentarse de carne humana, el director nos describe un mundo apocalíptico, desolador y sin un rayo de esperanza, este entorno le permitio al realizador a través de las victimas poner en la palestra temas como el racismo, la disfunción familiar y el fanatismo entre otros los cuales estaban en plena boga en la sociedad estadounidense de entonces y que curiosamente todavía hoy tienen enorme vigencia. Romero dedico toda su carrera al genero del terror y realizo numerosas cintas con sus creaciones favoritas, los zombies. 

LAS 10 PELICULAS MAS INFLUYENTES DE TERROR 2da PARTE

 5- HALLOWEEN 1978
De John Carpenter

Las muy populares y sobresaturadas cintas de asesinos en serie que descuartizan a grupos de jóvenes están en total deuda con el que alguna vez fue un prometedor realizador: John Carpenter (La Niebla, La Cosa, Escape de New York). Halloween ha sido una de las cintas independientes mas populares y rentables en la historia del cine, evidentemente influida por el Gallio italiano pero diferenciandose irónicamente en que practicamente no se ve ni una gota de sangre en todo el metraje, las andanzas de Mike Mayers con su rostro tapado con una mascara del Capitan Kirk (Willian Shatner) tratando de matar a toda costa a su hermana (Jamie Lee Curtis) mientras elimina a todos aquellos que se interponen a su paso sembró las bases en suelo estadounidense para la jauría de cintas que vendrían, entre ellas Martes 13, todas fueron de pésima calidad y copiando la formula impuesta por Carpenter, aunque la película no impresione ya a las nuevas generaciones, no se puede negar su legado a la cultura pop cinematográfica mundial.

 4- LA MASACRE DE TEXAS 1974
De Tobe Hooper

Basada en hechos reales esta cinta de culto es tal vez la primera propuesta gore, fue filmada rudimentariamente dando la sensacion de documental, de allí su gran impacto, a pesar de su crudeza no se muestran ni vísceras o sangre, el horror lo determina la excelente puesta en escena, una intimidante y desquiciada familia mas el acertado manejo del suspenso asfixiante sobre todo en las apariciones del legendario Leatherface quien con su sierra eléctrica en mano y su horripilante mascara hecha con la piel de sus victimas se dedica a acechar al grupo de jóvenes incautos.

Su legado se nota marcadamente en el cine de terror contemporáneo tan es así que en el 2003 tuvo un respetable remake el cual por la lógica de los tiempos era mas explicito en las escenas de asesinatos. Lo que hace única a La Masacre De Texas es que todavía impresiona a nuevas generaciones y sigue siendo fuente de inspiración para aquellos que quieren especializarse dentro del genero. 

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 3- ALIEN 1979
De Ridley Scott

Si de monstruos se trata ninguna criatura vista en el cine supera a la "mostrada" por Ridley Scott en Alien, si a esto se le suma el nivel de tensión y suspenso logrado con creces por el afamado director no es de extrañar que la cinta se convirtiera en un clásico instantáneo de culto. Dos elementos importantes hicieron de la cinta algo innovador fuera de su imponente estética obscuro futurista y claustrofobica, por un lado el alien practicamente no se ve lo que hace que el terror se incremente al dejarlo sugerido y quedar en manos de la inmaginacion del espectador, y por otro se introduce sorpresivamente como figura heroica a una mujer Ripley (Sigourney Weaver) hecho que aprovecho al máximo James Cameron en la excelente secuela Aliens pero inclinada mas hacia el cine de acción.

La fiebre desatada por Aliens por películas de monstruos todavía aun persiste pero son contadas con los dedos las que han logrado el nivel de esta imprescindible obra magna. 

 2- NOSFERATU 1922
De F.W Murnau

La primera adaptacion de las andanzas del conde Dracula vino desde Alemania, ubicándonos en la época la cinta fue un gran suceso y causo impacto en el publico principalmente por la figura terrorífica del vampiro encarnado por Max Schrek, una acertada puesta en escena expresionista, la magistral utilizacion de contrastes de luz en donde las sombras jugaban un papel importante para infundir miedo y unas interpretaciones que posiblemente pudieran causar hoy risas pero que ubicándonos en el contexto los actores lograron transmitir las emociones pertinentes con gran efectividad, recordemos que estamos hablando de cine mudo, Nosferatu es la primera cinta de terror que abrio el sendero para el futuro genero  que hoy en día conocemos.    

1- EL EXORCISTA 1973
De William Friedkin

Que mas se puede decir de la obra cumbre de terror de todos los tiempos, ninguna cinta ni antes ni después causo una marca tan profunda en el colectivo cinéfilo, se habla de personas que tuvieron que asistir a terapia después de haber visto la película, el realismo y la crudeza alcanzado por Friedkin en este relato basado en hechos reales reto a los realizadores por venir a superarlo, si lo hicieron o no es otro tema, lo que si es cierto es que no han podido despojarla de su sitial de honor, su relanzamiento con escenas inéditas también fue todo un suceso debido a lo contundente de esas imagenes nunca mostradas dejando evidenciado una vez mas lo atemporal de la película y su poder de seguir  cautivando a las nuevas generaciones, si usted es de los pocos que no han visto la  posesión demoniaca de la pobre adolescente Linda Blair y es fan del cine de terror ¿Que esta esperando?.    

LAS 10 INTELECTO-ROMANTICAS 1era PARTE

 10- MATADOR (1985) ESPAÑA
De Pedro Almodovar

La cinta que dio a conocer a Almodovar se centra en un torero y una mujer que encuentran placer asesinando a la pareja de turno en pleno acto sexual y alcanzar el orgasmo sobre ellos ya muertos, cuando se conocen y descubren su afinidad el amor los invade de manera sublime al punto que planifican tener un solo encuentro sexual en donde ambos dejaran constancia de que son el uno para el otro matándose respectivamente al llegar el clímax, mientras un grupo de personas les va siguiendo la pista para averiguar quienes están detrás de la pila de cadáveres que van dejando a su paso.

Almodovar combina como solo el lo sabe hacer el drama pasional y  la comedia con mucha chispa e ironía sin en ningún momento alejarse de la atmósfera obscura de la trama con unos actores que brillan en sus interpretaciones y en donde vemos a un joven Antonio Banderas  en sus inicios como actor de soporte antes de saltar a la fama de la mano del mismísimo venerado director Español.    

9- CUANDO HARRY ENCONTRO A SALLY (1989) U.S.A.
De Rob Reiner

Una de las comedias románticas mas inteligentes salidas desde la meca del cine y convertida en todo un clásico referencial  para las cintas del genero que vinieron después, la historia retrata la amistad entre Harry (Billy Crystal) y la encantadora Sally (Meg Ryan), la relación se va profundizando a medida que los años avanzan en donde ambos se convierten en confidentes tratando de analizar y comprender lo difícil de las relaciones humanas sobre todo las de hombre-mujer en base a sus experiencias y fracasos, no faltaran los desacuerdos y las discusiones entre ambos defendiendo sus puntos de vista en torno a su sexo ejemplo la memorable escena en donde en pleno restaurante Sally hace todo un perfomance fingiendo un orgasmo para demostrarle a Harry que ellos pueden caer fácil en el  engaño, lo que no se da cuenta el simpático dúo es que se han estado    enamorando mientras la audiencia espera el preciado  momento en que se percaten de ello.

 8- BAD GUY (2001) COREA
De Kim Ki-duk

Un hombre va por la calle, ve a una hermosa mujer, se le acerca, la acecha fijamente con la mirada para luego besarla atrevidamente en los labios, esta reacciona, grita, llega la policía la cual a la fuerza trata de obligar al hombre a disculparse, al este negarse ella lo escupirá en la cara humillándolo ante toda la gente que presencia el acontecimiento, este hecho hará que el extraño sujeto posteriormente planifique su venganza, le tiende una trampa a ella en la cual termina debiendole dinero a un mafioso y como forma de pago se vera obligada a trabajar en uno de sus prostíbulos en donde el sujeto finge como brazo fuerte velador de las chicas de la mala vida. El gran Kim Ki-duk una vez mas presenta una cinta controversial, perversa y amoral de un hombre perdidamente enamorado pero incapaz (por traumas o complejos que el director se reserva) de demostrar su amor que opta por el autocastigo y hacer sufrir al ser amado, ya habitual el director utiliza su personaje mudo que recae en el "mal tipo" y así acentuar su terrible aislamiento, no espere aquí nada correctamente esperanzador.  

 7- QUIEREME SI TE ATREVES (2004) FRANCIA
De Yann Samuell

La bellisima Marion Cotillard comparte créditos en esta colorida historia con una estética muy a lo Amelie de una pareja que desde niño inician un extraño juego en donde se retan unos a los otros a realizar las cosas mas increíbles incluyendo hasta dejarse de ver por años, ambos están enamorados pero el orgullo de superarse cada vez mas en los retos para ver quien vence al otro se interpone entre ambos, en un punto el espectador no sabe si cuando llega algún tipo de declaración de amor es sincera o es parte del desquiciante juego que parece no tener fin, sin duda la cinta da un enfoque novedoso y lleno de vitalidad al genero romántico lográndolo con creces, su poético, sublime y conmovedor cierre es de los mejores que se han visto, una ingeniosa forma de hacer una comedia de amor que puede ser apreciada por toda clase de publico.

6- ANNIE HALL (1977) U.S.A
De Woody Allen

El gran comediante y director que venia de hacer inolvidables comedias como Bananas y El Dormilón en 1977 dio un importante giro con Annie Hall al refinar su humor haciéndolo menos físico y mas intelectual, Woody Allen se reinventa en una trama aunque lo niegue sospechosamente autobiográfica, la historia se enmarca desde la perspectiva del personaje de  Allen quien interpreta a un cómico Alvy quien lleva acuestas un paranoico drama existencial y su relación disparatada e inmaduramente emocional con Annie Hall (Diane Keaton),el cineasta se vale de recursos como flashbacks en la infancia del personaje, dibujos animados, etc, siempre con el estando divertidamente omnipresente y así cómicamente retratar la psiquis del esquizofrenico Alvy, la cinta cúspide de Allen  fue ganadora de cuatro Oscars incluyendo a la Mejor Película y abrió el camino para contar de forma mas osada las conflictivas relaciones de parejas.  

LAS 10 INTELECTO-ROMANTICAS 2da PARTE

5- PIERROT EL LOCO  FRANCIA (1965)
De Jean Luc Godard 

El gran cineasta Francés nos trajo la cinta en donde desarrollaría su legendario estilo único e inconfundible, un hombre casado y con hijos decide escaparse con la niñera en un acto de rebeldía en contra del previsible y monótono estilo de vida que ha adoptado, en el camino ambos cometerán todo tipo de fechorías y son colocados en las mas absurdas situaciones típicas de Godard y así exponer sus ideales políticos al mismo tiempo que juega con los diferentes géneros cinematográficos que lo han influido, como siempre Godard expone su relación amor-odio con Hollywood e impregna a sus personajes principales con diálogos sin sentido pero que armonizan perfectamente con el desarrollo de la historia, este romance enloquecido es tratado sin ningún tipo de sentimentalismo, de hecho prácticamente ni se besan y deja en primer plano la excelente química entre el dúo protagonista. Un monstruoso clásico, eso si para cinéfilos super exigentes.   

4- ETERNO RESPLANDOR DE UNA MENTE SIN RECUERDOS (2004) U.S.A.
De Michel Gondry

La obra maestra de este director Francés quien se hiciera popular a través de vídeos musicales para grandes artistas y que da el gran salto al séptimo arte con un estilo muy particular. Eterno Resplandor es una historia de amor surrealista y fantástica en donde el personaje de Jim Carrey acude a una especie de clínica en donde se practica un método novedoso en el cual al paciente le es borrado cualquier recuerdo que desee, en este caso Jim quiere desaparecer el dolor producido por la ruptura con su ser amado: la excelente Kate Winslet, sin embargo mientras se le esta aplicando el proceso en estado inconsciente la parte subconsciente se resiste a que los recuerdos sean eliminados, Gondry se luce al darnos las sorprendentes imágenes provenientes de la mente de Jim y nos regala una forma muy innovadora de contar un romance.

3- HAROLD Y MAUDE  (1971) U.S.A
De Hal Ashby

El amor no esta sujeto a la edad, esta es la premisa que el director Hal Ashby desarrolla en la inolvidable comedia de culto Harold y Maude, una película fascinante que se crece mas y mas a medida que los años van pasando, Harold un joven que no consigue afecto por parte de su madre y que finge en vano diferentes formas de suicidio principalmente para llamar la atención de esta, encuentra su alma gemela en Maude una dama que perfectamente puede ser su abuela y que decide vivir el tiempo que le queda de manera intensa, Harold se convertirá en su compañero inseparable y complice de todos los caprichos que se le ocurren a Maude, a pesar de la gran diferencia de edad entre ambos el excelente guión, el perfecto dibujo de los personajes sumado a  la química y las excelentes interpretaciones del disparatado dúo hacen que el espectador se desprenda de juicios morales disfrutando a plenitud el romance inusual de estos dos seres. ¡ Imprescindible!     

2- CORAZON SALVAJE (1990) U.S.A
De David Lynch

Ganadora del festival de Cannes el gran David Lynch armo una historia de amor obscura, bizarra, surrealista y llena de personajes extravagantes, esta pieza clásica marcaría la nueva dirección de Lynch hacia un cine mas abstracto, retorcido y para algunos menos arriesgados incomprensible. La historia es un road movie de una pareja encabezada por un Nicolas Cage en un personaje con aires de Elvis Presley punk los cuales escapan de una retorcida madre que se opone visceralmente a la relación en donde Lynch asoma que la motivación es que ella esta enamorada de Cage y llega al punto de contratar a un asesino a sueldo para que lo saque de circulación , en su viaje la pareja sera expuesta a una serie de situaciones algunas traídas de los cabellos que pondrán a prueba su amor, Lynch incluye una aparición celestial y pone en un numero musical a Cage en donde por supuesto canta un tema de Elvis. Una de las mejores entregas de Lynch que no debe faltar su visionado para todo amante de este majestuoso director.   

1- PERDIDOS EN TOKYO (2003) 
U.S.A / JAPON
De Sofia Coppola

Desde mi punto de vista Sofia realizo la perfecta historia de amor de todos los tiempos sin caer en clichés, sentimentalismos baratos o algún tipo de recurso para conmover al espectador de manera fácil, un actor venido a menos con problemas matrimoniales esta filmando obligado para sobrevivir un comercial de Licor en la luminosa ciudad de Japón allí conocerá a una joven muchacha que se hospeda en el mismo hotel casada con un famoso fotógrafo el  cual por su trabajo la abandona todo el día dejándola a merced de una metrópolis con una cultura fascinante pero desconocida para ella, estos dos solitarios seres se conocerán y entablaran una hermosa amistad  que se ira transformando    

en amor, pero ojo Sofia nunca es explicita en este punto, la directora dota de una naturalidad y cotidianidad la trama que uno cree que no pasa nada cuando en realidad ocurre mucho, con miradas, gestos y algunas expresiones corporales Sofia nos da señas de la conexión que experimentan, a pesar del tratamiento frió para aquellos acostumbrados al amor efectista típico de las novelas y de la mayoría de las cintas románticas, Sofia se reserva una carta escondida que saca a ultimo minuto sacudiendo ingeniosamente al espectador al cual se les estuvo inconscientemente preparando durante todo el metraje para llegar a ese punto culminante y memorable.

La cinta fue nominada a los Oscar como Mejor Película ganando Sofia la estatuilla al Mejor Guión Original, sin lugar a dudas una gran muestra de cine en su estado puro, inteligente el cual no subestima al espectador.