Excelente y original comedia Argentina pero en el fondo muy seria conformada por dos parejas, por un lado el matrimonio interpretado por Diego (Alfredo Casero) y la hermosa Emilia (Julieta Diaz) y por el otro los cónyuges Richard (Juan Minujin) y Betina (Carla Peterson) los cuales son swingers ( intercambio de parejas), al estos revelarles a Diego y Emilia su exótica practica sexual no tardara mucho en ponerse a prueba su estabilidad matrimonial la cual ha caído en la monotonía típica de las parejas que llevan mucho tiempo en convivencia, Emilia es la que manifiesta mas curiosidad y deseo por experimentar y salir del circulo rutinario mientras Diego se resiste principalmente por el peso de los tabúes. La primera hora de la cinta es la mas graciosa ya que en ella vemos el calvario moralista que atraviesa Diego al ser inducido tanto por su esposa como por Richard y Betina a darle rienda suelta a sus fantasías y unirse al festín, finalmente es convencido pero cuando todo parece ser un cuento erótico la realidad llega a la puerta que es donde apunta su arma el director Diego Kaplan en el resto del metraje.
Finalmente sobre el sexo se impone el ego y el sentido de pertenencia, todo lo referente a la sexualidad es permitido pero enamorarse es otra cosa, el gran acierto de Dos Mas Dos es la ausencia de un mensaje moralista exponiendo de manera cínica la naturaleza humana, sus grandes contradicciones y temores los cuales son plasmados para que las audiencias se vean reflejadas en esos personajes temiblemente cotidianos que pueden ser usted, su vecino o yo, a la hora de juzgar a estos personajes y su historia tenemos que estar conscientes que posiblemente nos estemos juzgando a nosotros mismos.
El cuarteto de actores que denotan gran química entre ellos ( con un Alfredo Casero muy bien dotado para la comedia) brindan un trabajo solido de gran naturalidad al ejercer sus roles que a momentos pareciera un ejercicio de improvisación resultado de unos diálogos ágiles y punzantes mas la no pronunciación de las eses que van al final, recordemos que en latinoamerica tendemos a cortar las palabras que terminan en esa consonante, enfatizar la S en la mayoría de los casos produce el efecto de que los actores están recitando de memoria un guión, hecho que empaña en cierta medida el perfomance actoral.
No me canso de decir que Argentina es uno de los pilares de vanguardia del cine en latinoamerica por lo cual siempre debemos estar atento a las buenas nuevas de lo que sucede a nivel cinematográfico en la tierra del Che.
Ya cincuentón Bruce Willis ha estado muy activo estos últimos años en una serie de películas mediocres e intrascendentes pero de vez en cuando nos sorprende con algo que vale la pena como lo es LOOPER titulada por estos lares como ASESINOS DEL FUTURO, Joseph Gordon-Levitt (el Robin de Cristopher Nolan) es Joe un sicario que es contratado para asesinar a blancos capturados por la mafia y enviados desde el futuro hacia el presente (sitial en que transcurre la narración) en el cual todavía no existen los viajes en el tiempo, Joe nuestro protagonista en campo abierto y siempre en un horario especifico espera a que aparezcan las victimas encapuchadas las cuales son masacradas al instante con la temible escopeta de este villano, héroe o antiheroe, si por algún motivo la organización criminal desea prescindir de los servicios de los matones ellos mismos son enviados desde el futuro y luego de "auto-ejecutarse" encontraran una generosa cantidad de lingotes de oro en el cadáver con los cuales tendrán un acomodado retiro hasta que el destino les depare lo que ellos mismos saben ya que les toca, si un sicario no mata a su otro yo del futuro es asesinado por representantes de la mafia en el presente.
Los problemas comienzan cuando el viejo Joe del futuro (Bruce Willis) logra escapar de su versión joven con la intención de asesinar al quien se convertirá en el nuevo líder de la mafia y quien dará la orden de aniquilar a todos los sicarios, así el joven va a la caza de si mismo para preservar su vida en el presente mientras el viejo lucha por preservar su vida en el futuro.
Joseph Gordon-Levitt esta irreconocible con un maquillaje para asemejarlo lo mas posible a Willis sumado a una interpretación bastante creíble en la cual emula los gestos de la afamada estrella la cual aquí se limita a cumplir con su trabajo sin ofrecernos nada sorprendente, a mitad de camino hará su aparición la sensual Emily Blunt con un personaje clave para la trama y que le dará un vuelco, Emily siendo inglesa convence con su acento de chica sureña de los Estados Unidos.
Recomendable cinta para pasar un buen rato sin lamentaciones.
El genero del terror tan vapuleado en estos tiempos en donde ya nada asusta o sorprende de cierta manera se refresca un poco a los ojos de la tierra del tío Sam con este remake de la cinta chilena La Casa Muda, aunque se debe ver es la cinta original esta version es interesante por la solida interpretación de una desesperadamente aterrada Elizabeth Olsen hermana menor de las gemelas Olsen quien parece tener una filosofía acerca del séptimo arte bien distante de sus mercaderes hermanas, igual que la película chilena la cinta esta filmada en tiempo real en una sola toma y sin cortes con tal vez alguno que otro truquito que pasara desapercibido para ojos no bien entrenados.
Una chica que esta con su papa y tío en una casa en el bosque la cual han vendido y están terminando de hacerle la mudanza son victimas de unos intrusos que penetran en ella, el sitio el cual carece de electricidad mas una correcta ambientación le dan la obscuridad y tenebrosidad perfecta a esta trama inscrita mas hacia el suspenso que el terror, gracias a una dirección precisa los casi 90 minutos mantienen al espectador en vigilia en la travesía claustrofobica de Elizabeth para poder escapar con vida, aquellos que piensen que esta es una historia convencional de acechador y víctima están muy equivocados ya que la trama llega a un clímax inesperado y de vuelta de tuercas.
Ejemplo de como el silencio, lo que no se ve y los gestos son mas atemorizantes que gritos y mutilaciones en abundancia. VALORACIÓN: 7 / 10
Ethan Hawke encarna a un escritor de libros sobre celebres crímenes en una búsqueda desesperada de otro éxito que lo coloque de nuevo en el mapa, para ello se traslada con su familia a un remoto pueblo testigo de un horrible crimen que involucra toda una familia, el escritor se muda a la misma casa en donde ocurrieron los hechos como epicentro de sus investigaciones no tarda mucho en encontrar una caja con una serie de rollos de películas en formato super 8 que documentan no solo el asesinato de la familia que protagonizara sus escrituras si no también de otras mas y en diferentes años, a medida que va viendo las cintas no solo encontrara que hay conexión entre ellas si no que ocurrirán una serie de eventos de los cuales el escritor no sabe si son producto de su propia psiquis o reales manifestaciones paranormales.
Para nosotros amantes del cine de horror ya prácticamente queda muy poco con que asustarnos pero no podemos dejar de reconocer que la estética, la música y la acertada interpretación de Ethan Hawke como un escritor del cual vemos como el pánico se va apoderando progresivamente muy bien retratado en la historia hacen de Siniestro unapropuestadevisionado obligatorio para los seguidores del genero, lastima que no llega a la cúspide de miedo necesaria básicamente en su segunda mitad después de una primera bastante intrigante y de alta expectativa.
Esta debilidad se da ya que el factor fantástico, algunos clichés y poses típicas del genero se apoderan de la trama sobre todo en su cierre.
Al publico susceptible a los relatos de terror les espera sustos y brincos, el resto pasara un rato entretenido y se ira a la cama a dormir como un bebe.
El efecto e influencia del PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR todavía esta mas vivo que nunca, V/H/S se suma a la infinidad de películas que han copiado el formato de filmar en vídeo otorgando una atmósfera de documental haciendo el terror mas realista y creíble, en V/H/S unos delincuentes juveniles que filman todas sus gracias se les encomienda penetrar en una casa para robar una cinta de vídeo pero al llegar al sitio se consiguen con que hay muchas y al comenzar a verlas se nos presentan una serie de relatos que no tienen conexión entre si y menos con el relato principal, no le busque sentido a esto y tómelo como una serie de cortos de horror.
Lo particular de esta propuesta es la participación de 10 directores los cuales están al frente de los diferentes segmentos donde algunos funcionan y otros no tanto dando como resultado en su completo visionado una interesante y entretenida película que apuesta por los sentidos obviando el intelecto y que sale irónicamente a flote sin llegar al nivel de La Bruja De Blair o Actividad Paranormal.
Ali (Mathias Schoenaerts) es un aspirante a boxeador sumido en la mas absoluta pobreza, con un hijo de 5 años viven en la indigencia hasta que va a casa de su hermana la cual lo acoje, Ali logra conseguir trabajo como agente de seguridad y en un local nocturno conocerá a Stephanie (Marion Cotillard) hermosa fémina de clase media acomodada cuya profesión es domadora de ballenas orcas de un gran acuario, en uno de los espectáculos la vida de Stephanie da un giro inesperado sufriendo una horrible tragedia la cual la dejara discapacitada, es aquí cuando estos dos seres opuestos son unidos irónicamente por medio de sus particulares tragedias.
Jacques Audiard consagrado por su previa obra UN PROFETA nos trae la historia de dos almas en busca de la felicidad en medio de sus particulares realidades las cuales parecieran no tener luz al final del túnel, una vez mas la bellisima Marion Cotillard nos brinda una memorable actuación que no puede pasar desapercibida, se evidencia que el cine Francés si sabe sacarle provecho a esta fabulosa actriz que lamentablemente en suelo Hollywodense solo ha sido utilizada como interprete de decorado.
Pero Mathias Schoenaerts no se queda atrás presentándonos un retrato crudo de un hombre frió que en ocasiones maltrata a su hijo a pesar de amarlo, que en las peleas clandestinas busca una forma desesperada de redimirse y que se niega a entregarse al amor de una mujer siendo incapaz de apreciar lo que tiene delante de sus ojos, nuevamente la tragedia sera el factor que termine de abrir los ojos de Ali para valorar lo que la providencia ha puesto en su camino.
Jacques Audiard de nuevo se luce con una historia de gente común con acontecimientos parecidos que deben estar pasando miles de personas en este instante en un complicado y enigmático mundo, la naturalidad y la química que logra extraerle el realizador a este dúo de grandes actores hacen que sus padecimientos se incrusten en la piel del espectador si usted es de aquellos que buscan relatos con alma.
Una muestra mas del amenazante nivel del cine Francés que este año en lo que a numero de producciones de calidad parece lucirse mas que nunca, lo único criticable es la utilización de canciones pop en ingles incluida Kate Perry con su Fireworks que la única función que le veo es de expandir internacionalmente la obra y así de cierta manera competir con Hollywood.
50 años cumple la franquicia mas vieja con mayor numero de entregas (24) y de las mas exitosas en la historia del cine para celebrarlo sus productores decidieron botar la casa por la ventana y realizar una digna y de las mejores películas del agente 007: SKYFALL, para ello contrataron un director de renombre y oscarizado como Sam Mendes (Belleza Americana, Camino A La Perdición, Revolutionary Road) y darle el carácter dramático necesario sin por supuesto dejar a un lado de que se trata de una nueva incursión de James Bond en el mundo del espionaje.
El primero en encarnar al personaje de Ian Fleming fue Sean Connery el cual ha sido el mejor que lo ha representado, esto no tiene nada que ver con que halla sido el original se debe principalmente a que el actor escoces tenia todos los atributos físicos y escénicos descritos en las novelas de Ian Fleming, a el se le debe la gran popularidad que alcanzo 007 y el fenómeno cultural pop en que se convirtió hasta el sol de nuestros días.
En un total de 7 cintas apareció Connery de las cuales 5 son clásicos consagrados, luego seria sustituido por George Lazenby el cual haría solo una aparición en otro irónicamente clásico de 007: Al Servicio SecretoDe Su Majestad (1969), Connery volvería una vez mas en la fallida Los Diamantes Son Eternos (1971) y años después en la única cinta de Bond no realizada por sus habituales productores Harry Saltzman y Albert Broccoli, Nunca Digas Jamas (1983) fue otro fiasco creativo y seria la ultima aparición de Connery en el personaje.
Entre 1973 y 1985 Roger Moore fue el encargado de continuar la exitosa franquicia, si bien es cierto que el periodo Moore fue fructífero a nivel de taquilla también ha sido el mas pobre a nivel artístico en parte debido a que Moore era lo opuesto a Connery y era mas propenso a la comedia por lo que practicamente las cintas de ese periodo se convirtieron en parodias de 007, solamente dos entregas se salvan: La Espía Que Me Amo (1977) y Solo Para Sus Ojos (1981).
Lo peor que le pudo ocurrir a la franquicia fue la entrada de Thimoty Dalton en dos estruendos fracasos artísticos y de taquilla: Su Nombre Es Peligro (1987) y Licencia Para Matar (1989), el señor Dalton estaba años luz del carisma de sus antecesores no logrando convencer al publico como 007 y fue despedido, esta mala racha llevo a que la serie se estancara por 7 años hasta 1995 cuando Pierce Brosnan llega y salva la patria devolviéndole nuevamente el éxito y credibilidad a James Bond el cual no se veía desde Sean Connery , Brosnan apareció en cuatro super exitosas cintas hasta que por razones todavía no claras en plena cumbre salio de la franquicia, es aquí cuando entra en escena Daniel Craig.
Daniel Craig no tiene el aura carismática y cínica de un Connery, Moore o Brosnan pero es el mas atlético y mortifero de todos los Bond lo que hace que las secuencias de acción sean mucho mas creíbles y crudas encajando perfectamente en un 007 adaptado a nuestros tiempos es por ello que los productores hicieron un reinicio y comenzaron desde cero con la primera novela de Ian Fleming la cual no había sido adaptada para una entrega del famoso agente secreto.
Con Casino Royale se le dio un vuelco total a la manera en que se nos presentaba las aventuras de Bond, el mundo de los espías ahora era mas realista no tan estereotipado y las escenas de acción mas rápidas, vertiginosas con un 007 que luce mas como mercenario que como sofisticado espía, el éxito fue instantáneo las audiencias acogieron a este nuevo James Bond que hizo su segunda aparición con Quantum Of Solace igual de exitosa con mayor acción pero con un guión un tanto débil.
SKYFALL nos depara el mejor villano de las 24 cintas de 007, una vez mas Javier Bardem nos da una excelente interpretación de un personaje siniestro, ambiguo, de un humor tenebroso en la linea de un Hannibal Lecter y que es introducido en escena de forma magistral, lógicamente la interpretación de Bardem se le va por encima a todo el reparto (ojo con los Oscars) pero en contrapeso hay un guion solido el cual permite que los caracteres obtengan un convincente desarrollo ademas de estructurar las secuencias de acción en su justa medida sin caer en el saturamiento del cual peco Quantum Of Solace, otra nota relevante es el apartado de cinematografía que es lo mejor que se ha hecho en lo que a las series Bond se refiere principalmente en el combate final que se lleva a cabo en el inmenso lago congelado y sorpresas para los fanáticos de 007 como la utilización del auto icono de Sean Connery en la afamada Goldfinger, comienzan a ver destellos de humor típicos de las cintas que habían sido dejados de un lado desde la entrada de Daniel Craig y un final de banquete que nos indica que James Bond retorna a su formato original pero adaptado a este nuevo siglo.
VALORACIÓN: 9 / 10
LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE 007:
10- EL MUNDO NO ES SUFICIENTE (1999 con Pierce Brosnan)
9- AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD (1969 con George Lazenby) 8- SOLO SE VIVE DOS VECES (1967 con Sean Connery) 7- OTRO DÍA PARA MORIR (2002 con Pierce Brosnan)
6- CASINO ROYALE (2006 con Daniel Craig)
5- DE RUSIA CON AMOR (1963 con Sean Connery )
4- GOLDENEYE (1995 con Pierce Brosnan)
3- THUNDERBALL (1965 con Sean Connery ) 2- SKYFALL (2012 con Daniel Craig)
1-GOLDFINGER( 1964 con Sean Connery)
El estilo inconfundible y particular de Wes Anderson es facilmente identificable, su obsesión por toda la cultura pop de los 60's de allí su recurrente estética y utilizacion de los temas clásicos como banda sonora para ambientar ese peculiar periodo así la historia no se llevo a cabo en esa dorada década, hay que añadir la gran influencia del cine europeo aspecto que se nota sobre todo en el manejo de la cámara donde el zoom cobra gran importancia, ejemplo de esto son sus dos ya clásicos Academia Rushmore y The Royal Tenenbaums, MOONRISE KINGDOWN su nueva propuesta en un principio se muestra como un relato infantil en el mundo de los Boys Scouts pero que conforme avanza va perdiendo la inocencia desvelándose como una cinta adulta pero que puede ser disfrutada por toda la familia manteniendo en todo el metraje su tónica de comicidad, cinismo y sus personajes extraños que en el caso de los adultos pisan el terreno de lo imbécil.
La trama se centra en la inusual historia de amor de dos niños que deciden escapar hacia lo profundo de los bosques, practicamente todo el pueblo emprenderá la búsqueda de los muchachos encabezada por el comisario (Bruce Willis), el jefe de la escuadrilla de Scouts de donde el chico se fugo (Edward Norton) y los padres de la chica (Frances McDormand y el recurrente de Anderson: Bill Murray), para enfocar la incomunicación entre padres e hijos y la incomprensión de los adultos de la adolescencia a pesar de que alguna vez ellos lo vivieron Anderson crea una relación de dos jóvenes en busca de afecto que no saben como demostrárselo el uno al otro y que básicamente actúan por instinto lo que hace que la evolucion de la química entre ambos sea sumamente divertida ya que el comportamiento robotico de la pareja obedece a que son victimas de las circunstancias que les ha tocado vivir mientras irónicamente se revelan a ese entorno.
La forma de Anderson de recalcar la pacana estructura social del conservador pueblo es colocando a unos adultos que se comportan como verdaderos infantes, que en ocasiones no saben que hacer debido a una rígida estructura reglamentaria de allí ubicarla en el contexto de los Scouts, todos los niños son mostrados de una forma u otra temibles y peligrosos simbolicamente representando a la generación que esta por revelarse (atención a la escena de la iglesia donde están disfrazados).
Wes Anderson trae de nuevo una buena comedia muy efectiva impregnada de su estilo que como siempre se aparta del cine convencional al cual están acostumbrados las grandes masas.
Los directores de la sensacional LITTLE MISS SUNSHINE nos traen una nueva comedia que a pesar de lo fantástica o inverosímil que pueda parecer hay que tomársela muy en serio en lo que al tema de fondo se refiere: La eterna complejidad en la relación hombre-mujer en este caso direccionada hacia el punto de vista masculino a través de un joven genio de la escritura CALVIN (Paul Dano) autor de un best-seller a temprana edad y cuya próxima novela es esperada con altas expectativas, sin embargo Calvin quien acaba de tener una dolorosa ruptura amorosa no consigue la inspiración para su nueva obra y la musa vendrá de unos sueños recurrentes en torno a una chica imaginaria por lo que decide plasmarla en papel y así surgirá RUBY SPARKS.
Es tanto la devoción y amor que dedica a la elaboración de su amor ficticio impregnado solo en hojas con palabras que un día el solitario Calvin se encontrara con la sorpresa de que su creación se manifiesta en el mundo material en carne y hueso, pero para nada el señorito Calvin esta teniendo delirios o visiones Ruby Sparks esta allí, es un ser que padece, siente, come, ama y etc. y al igual que Calvin todo el mundo puede verla, interactuar con ella entre ellos su hermano y único amigo, su exótica madre (Anette Bening) y su esposo un barbudo Antonio Banderas. Hasta el momento todo parece el sueño ideal de cualquier hombre crear una chica justa a la medida y con el agregado de que Calvin puede cambiar a su antojo su personalidad con tan solo sentarse en su maquina escribir teclear y moldearla como todo un Dios mientras prosigue desarrollando la historia de Ruby Sparks la cual por razones obvias no tiene la mínima intención de darle fin.
Si en un principio Calvin decide darle libre albedrío a Ruby se ve amenazado ya que esta comienza a desarrollarse como ser individual, a tener amigos y salir con ellos lo que Calvin ve como una alarma de que en cualquier momento Ruby pudiera irse de su lado por lo que cae en la tentación de ir cambiando su psiquis conforme va escribiendo de manera de retenerla a su lado, Ruby Sparks (Zoe Kazan) totalmente ignorante de que solo es una creación de Calvin ira de un extremo a otro manifestando los diversos estados de ánimos impuestos por Calvin quien en vano no lograra la estabilidad emocional que busca ni mucho menos hacer feliz a Ruby.
La búsqueda de la felicidad no en si mismo si no construida en los cimientos de la subjetividad del otro aquí en forma de mujer fetiche como lo es Ruby Sparks es lo que llevara a Calvin a tratar de dominar y controlar una relación en donde el amor es lo menos importante si no proteger a toda costa el ego que es el único sitio que le queda a nuestro protagonista para refugiarse y así escapar de no confrontarse con si mismo y de la realidad que lo abraza, al final el verdadero amor no es aquel en donde dos seres se fusionan en uno si no aquel en el que ambos se aceptan tal cual sin condiciones y en donde existe el espacio para crecer individualmente.
De lo mejor del 2012 por donde quiera que se le mire.
Premiada en el prestigioso festival de Cannes esta cinta Estadounidense independiente nos relata la lucha contra sus propios temores y demonios de un hombre de la clase trabajadora interpretado a la perfección por Michael Shannon ya nominado al Oscar por su participación en Revolutionary Road acompañadode otra excelente actriz en ascenso Jessica Chastain en su mejor rol como la esposa a la que ya vimos en la extraordinaria Árbol De La Vida, ambos son padres de una hija sorda y este trió tendrá que lidiar con la paranoia de este padre de familia que va en constante aumento al punto de emprender la construcción de un refugio subterráneo en caso de tornados o desastres, el personaje de Shannon tiene el presagio, sueños y visiones aterradoras de que algo espantoso esta por suceder lo que lo llevara a sumergirse en una cápsula mental en la cual desesperadamente su esposa intentara penetrar, todo este muy bien manejado suspenso se llevara a cabo en una atmósfera muy apacible con unos paisajes hermosamente fotografiados donde la profundidad de campo adquiere gran importancia.
Esta propuesta que en cierta forma recuerda al Resplandor por su tensa y asfixiante calma a través de la psiquis de su protagonista y los problemas de comunicación en el entorno familiar se muestra como un trabajo impecable en la mano de su realizador Jeff Nichols el cual ya genera gran expectativa por su próximo trabajo a venir, la actuación de Shannon es soberbia anclada en su particular fisonomía enigmática en la linea de un Jack Nicholson o un Benicio Del Toro los cuales transmiten siempre una sensación de dualidad o específicamente de sospecha así estén interpretando caracteres ausentes de maldad, por otro lado la señorita Jessica Chastain se muestra con una naturalidad avasallante y de esta forma este dúo de actores nos enmarcan en un relato cotidiano y sencillo pero que dice mucho si leemos entre lineas.
Take Shelter nos depara un maravilloso final poético y de vuelta de tuercas digno de una pieza de gran embergadura que pareciera que solo se encuentran en las trincheras del cine independiente que se niega a someterse a los cánones impuestos por el imperio Hollywodense.
Tim Burton se ha caracterizado por el cine parodia que se nutre de las cintas de terror de los 40, 50, 60 y 70 primordialmente, lo de Burton no es asustar a nadie si no a través de la estética de esas legendarias películas crear su código y sello personal de allí que hoy en día el universo Burton es reconocido y premiado a nivel mundial, las obras de Tim Burton se han convertido en verdugos en los premios de la academia en el apartado de dirección de arte que es el área en donde el afamado realizador a decidido poner el foco, cintas como BATMAN, LA LEYENDA DEL JINETE SIN CABEZA, SWEENEY TODD y ALICIA se han llevado el Oscar llenado de prestigio el inmaginario de Burton, en cuanto a sus historias algunas ven disminuida su desarrollo en pro del espectáculo visual al cual nos tiene acostumbrados.
De nuevo Tim Burton trabaja por octava vez con su máximo colaborador y amigo Johnny Deep quien también ejerce funciones de productor para ofrecernos otra parodia esta vez de una serie de television (o telenovela ya que fue filmada en vídeo tape) Estadounidense popular en los 70 pero poco conocida en el resto del planeta, estamos hablando de Dark Shadows la cual tras una conversacion entre Burton y Deep fans de la serie surge la idea de hacer una adaptacion cinematográfica, el resultado es una propuesta donde nuevamente todo lo que tiene que ver con el empaque y presentación de la misma esta cuidado hasta el mas mínimo detalle, de nuevo Burton y su equipo se lucen estéticamente pero a nivel argumental una historia que iba por muy buen camino ya hacia su conclusión esta es machacada inexplicablemente.
A estas alturas nadie duda del talento actoral del gran Johnny Deep quien nuevamente nos brinda una interpretación memorable como Barnabas Collins un hombre condenado por los celos de una bruja despechada Angelique (Eva Green) a vivir en la eternidad como vampiro y que siglos después es despertado de su prisión-tumba en plena década de los 70 y se encuentra con su descendencia Collins una familia disfuncional encabezada por una correcta Michelle Pfeiffer como Elizabeth Collins, Barnabas tendrá que adaptarse a los nuevos tiempos que le toca vivir, convivir con una familia tan extraña como el y de nuevo enfrentarse a su archienemiga Angelique quien también goza de eterna juventud y amenaza con extender su maldición a la presente familia a cambio de conseguir el amor incondicional de Barnabas.
El humor de esta obscura comedia esta muy bien llevado así como las referencias cinéfilas siempre presentes en la filmografia de Burton, en esta ocasión el personaje de Barnabas es un cruce entre el Nosferatu de 1922 y el Dracula interpretado por Bela Lugosi, hecho significativo que se aprecia en la escena en que Barnabas hipnotiza a Christopher Lee (también antiguo Dracula) con el legendario movimiento de manos de Lugosi además de una especial aparición de Alice Cooper haciendo de si mismo e interpretando algunas de sus populares canciones de aquella década en donde uno de sus intros es utilizado por la hija de Elizabeth como un gracioso manifiesto en reproche a su madre.
En lineas generales todo el reparto se luce pero esta vez la que casi se lleva por los cachos a Deep es Eva Green y su exquisito rol de la bruja sexy Angelique, este es el mejor rol que la actriz ha encarnado desde su comentado debut con Bertolucci en LOS SOÑADORES.
Si no fuera por su abrupto final poco desarrollado hubiesemos presenciado una cinta redonda en toda su dimensión, esto no significa que la misma no sea disfrutable ya que de alguna u otra forma este consagrado autor siempre logra cautivarnos al sumergirnos en sus particulares mundos.
En lo que va del 2012 la cinta COMPLIANCE es la que mas comentarios y polémica ha generado fundamentalmente por su argumento extraído de sucesos ocurridos en una famosa cadena de comida rápida la cual a efectos de la película su nombre y estética han sido cambiados, el punto de controversia se genera debido a que la situación increíblemente inverosímil planteada cuesta ser digerida por algunas audiencias como algo acontecido en la vida real, hasta el momento no hay ningún indicio que desmienta lo planteado e inclusive se presentaron alrededor de 30 casos en los Estados Unidos similares a lo visionado en COMPLIANCE es por eso que su director al inicio del metraje coloca un aviso bien grande que ocupa todo el cuadro: BASADO EN HECHOS VERÍDICOS como para no dejar dudas de que así usted no pueda creer en lo que esta presenciando insolitamente si ocurrió.
La gerente de la franquicia en cuestión recibe una llamada de la policía en la cual se acusa a una de las empleadas de haber robado dinero del bolso de uno de los clientes mientras este hacia su pedido en la caja, se le ordena a la gerente informar a la empleada de la situación y retenerla hasta el arribo de las autoridades, contar mas es un verdadero crimen para aquellos que no han visionado la cinta, solo se puede decir que durante casi la hora y media del metraje usted estará expuesto a un suspenso desesperante como pocas veces se ha visto y cabe destacar que aquí no hay asesinatos, mutilaciones, torturas o algo parecido.
La angustia desmedida que genera COMPLIANCE en la audiencia viene del comportamiento desquiciante de sus personajes los cuales están sumergidos en la mas absoluta inocencia, ignorancia y temor llegando al limite de lo infantil, este dibujo de sus caracteres y presenciar hasta donde va a llegar su estupidez plantea una profunda reflexión cuando la propuesta finaliza y las luces se prenden en torno al grado de alienación de una parte de la sociedad Estadounidense la cual ha sido programada como robots de producción de capital a gran escala para las grandes corporaciones inhabilitados de pensar por si mismos con un miedo hacia la autoridad sin en ningún momento cuestionarla.
La dirección de Zobel es precisa y minuciosa llevándonos a la degradación intelectual de unos personajes que parecieran imposibles que existieran en estos tiempos interpretados por un elenco de oro todos desconocidos pero que con este trabajo posiblemente algunos alcen vuelo particularmente Dreama Walker como la víctima Becky pero sin duda la mas sobresaliente es Ann Dowd como la villana o idiota (ya juzgara usted) gerente Sandra a la cual veo como fuerte candidata a la serie de premios en el renglón actoral que se entregaran a comienzos del año entrante.
Craig Zobel entrega con su segundo largometraje la mejor película del 2012 aunque todavía no ha terminado el año y queda mucha tela por cortar.
El gran director del cine político y social Oliver Stone aclamado por obras como SALVADOR (1984), PELOTÓN (1986), WALL STREET (1987), NACIDO EL CUATRO DE JULIO (1989), THE DOORS (1991), J.F.K (1992), NIXON (1995), y algunas incursiones hacia el cine mas de entretenimiento ASESINOS POR NATURALEZA (1994), U TURN (1997), UN DOMINGO CUALQUIERA (2000) (eso si sin abandonar su sello de autor), se encontraba en un declive artístico con sus dos ultimas fallidas propuestas, por un lado W una radiografía de la administración de George Bush hijo lanzada cuando todavía estaba en la presidencia y tal vez por eso careció de la garra a la cual nos tenia acostumbrado el director colocando prácticamente a Bush como títere idiota manipulado por su padre y sus máximos colaboradores al colmo de reivindicarlo así no fuese la intención de Stone, pero lo peor vendría con la segunda parte de Wall Street una metida de pata a lo grande cuya secuela no tenia ninguna razón de ser, si bien en su primera mitad funciona como critica al sistema financiero Estadounidense causante de la crisis económica su posterior desarrollo es sumamente complaciente: pro-Obama, un final Happy Made In Hollywood ycon unos créditos de cierre dignos de la película mas zanahoria de Disney, por supuesto que los seguidores de Stone quedamos petrificados ante lo visionado ¿Acaso por fin Oliver Stone había sido domesticado por los grandes estudios? la repuesta solo vendría en su siguiente película y así llego SAVAGES (salvajes).
SALVAJES es la propuesta mas comercial presentada por Stone de hecho no participa en el guión cuando siempre ha sido reconocido como director-autor, posiblemente Stone como estamos ante una nueva era cae en cuenta que ya no tiene mucho que decir y cede ese renglón dedicándose de lleno a su tarea de contador de imágenes ¿Y cual es el resultado al final de cuentas? Gracias a Dios, satisfactorio.
Oliver Stone a estas alturas no se anda con experimentos y presenta una historia sencilla pero sumamente efectiva, pone de un lado a tres atractivos gringitos Taylor Kitsch (Battleship) como el agresivo Chon quien junto a Aaron Taylor -Johnson (Kick-ass) son los dueños de un prospero negocio de cultivo y venta de mariguana de alta calidad, completan el trió la sexy Blake Lively (Gossip Girl) como O amante abiertamente de los dos antes mencionados, estos pajaritos representan el sueño americano de una vida Hippie-Happy y son los encargados de atraer al publico adolescente a las salas, en la otra esquina están los veteranos Salma Hayek como Elena la capa de uno de los carteles mas importante de narcotrafico de Méjico, Benicio del Toro en una brillante caracterización de Lado mano ejecutora de Elena y John Travolta en su rol de agente corrupto de la D.E.A.
El núcleo de la acción se da cuando Elena secuestra a O a cambio de que los muchachos terminen con la independencia de su negocio y comercialicen la mariguana bajo las ordenes de la Madrina llamada así por sus subalternos, de allí en adelante Chon y Ben harán todo lo posible por rescatar a su amada y librarla de una factible muerte.
Como siempre Oliver Stone reúne a un gran elenco muy bien dirigido en donde una vez mas destaca BenicioDel Toro uno de los mejores interpretes contemporáneos a nivel mundial, Benicio posee un rostro y una mirada particular enigmática que le permiten transmitir mucho sin decir ni una palabra, es esa dualidad expresiva la cual le ha permitido abordar a lo largo de su carrera una serie de personajes difíciles de encasillar y que se debaten entre el bien y el mal aunque Lado en SAVAGES representa el mal puro y en su estado mas salvaje, es tanta la veracidad que le imprime Del Toro al implacable Lado que aunque estemos un tanto consientes de que es una actuación por momentos da la impresión de que el actor se representara así mismo, precisamente allí es donde radica la grandeza de los grandes actores, de mi parte Del Toro nos da el primer gran performance del 2012, solo por el ya es indispensable ver la cinta pero ojo no dejemos de un lado al resto del elenco y al trabajo de Oliver Stone, su narrativa personal sigue estando presente y en SAVAGES se muestra renovado y retorna a la crudeza de obras anteriores muy en la linea de U TURN o ASESINOS POR NATURALEZA.
Después del éxito comercial mas no creativo de Los Mercenarios era lógico la venida de su secuela, gracias a dios Stallone no dirige esta entrega luego de mostrar en la anterior que sus dotes como director dejan mucho que desear ahora Simon West ( Con Air, La Hija Del General, Tomb Raider, El Mecánico) es quien toma la batuta detrás de cámaras, West es un realizador meramente comercial todavía no ha hecho y posiblemente no hará nada del otro mundo pero por lo menos entrega un trabajo mas solido en comparación con lo anterior presentado por Stallone, si bien la cinta cumple su cometido de entretener continua teniendo graves problemas de guión (si es que lo tiene) ya que todavía Sylvester comparte créditos en la elaboración del mismo y el musculoso solo tuvo credibilidad en sus comienzos con la autoría de la legendaria Rocky, sus trabajos después en este apartado van de lo regular a lo mediocre.
Los Mercenarios 2 es un intento sin mucha inteligencia a disposición de traer de vuelta las descerebradas películas de acción de los 80's y como algunos de sus máximos interpretes están de capa caída es que es posible hacer esta reunión histórica de estrellas que en otro momento era inimaginable verlas juntas, en ambas cintas se ha tratado de presentarnos una especie de parodia de estas películas pero el resultado queda a medias posiblemente por que el grupo de "actores" todavía se toma mucho en serio de allí que algunos chistes funcionen y otros queden forzados y caigan en lo ridículo, de todos modos no se puede negar que resulta atractivo ver a Schwarzenegger y Bruce Willis quienes ahora tienen mayor participación junto a Statham, Stallone, Jet Li (que solo aparece en la secuencia inicial de acción de la secuela) y una aparición especial de Chuck Norris para mi un tanto desperdiciada.
La sorpresa y tal vez lo mejor del film se da en la caracterización de Van Damme quien siempre había demostrado pésimos dotes de actor y aquí su papel de villano le queda como anillo al dedo teniendo su personaje mas credibilidad sobre todo el resto del elenco.
Los Mercenarios 2 a diferencia de su antecesora posee mucho mas presupuesto por lo que las escenas de acción están mejor logradas así como crece en el apartado de puesta en escena, a nivel fotográfico luce mas estilizada obviamente sin llegar al nivel de un Tarantino o un Nolan, este intento de parodia de película tipo B hubiese sido mas inteligente y sagaz en manos de un Robert Rodriguez quien ha demostrado tener pulso en este genero cuidando los personajes, los diálogos y exponer una premisa solida en medio de una atmósfera aparentemente incoherente salpicada de gran ironía.
A los amantes del cine de acción se les garantiza su entretenimiento, aquellos que buscan algo mas allá del cine meramente cotufero pásenla de largo.
Nuevamente el cine Argentino demuestra su alta factura y como se encuentra en la vanguardia de las producciones latinoamericanas contemporáneas, el séptimo largometraje de Pablo Trapero (protagonizado por Ricardo Darin quien junto a Gabriel Garcia Bernal posiblemente sean los actores mas reconocidos del cine latino-hispano) se sustenta en hechos reales sucedidos en la década de los 70 cuya premisa sigue vigente hoy mas que nunca: La Lucha Contra el Monstruo de la Injusticia Social y la Miseria.
Darin interpreta a un sacerdote quien junto a un colega Francés y una trabajadora social emprenden una cruzada por elevar las condiciones de calidad de vida en una barriada castigada y hundida en la violencia por el trafico de drogas de bandas rivales, los objetivos son primordialmente dos lograr que se ejecute la terminacion del hospital llamado Elefante Blanco el cual lleva décadas en el mas absoluto abandono y la construcción de un complejo de viviendas dignas para las familias que habitan el barrio, como es usual estos héroes se enfrentaran a diversos obstáculos de orden burocráticos y políticos mas la problematica característica del empobrecido entorno que han elegido como bastión de lucha.
Lo que presenciamos es un callejón sin salida no estamos ante una propuesta optimista ni complaciente sino descarnadamente realista la cual deja en el espectador un amargo sabor y una sensación de impotencia, Trapero logra su objetivo de sensibilizar a la audiencia sin recurrir a escenas de violencia gráficas y se vale de una cámara inquietante con unos espectaculares planos secuencias que describen una zona laberintesca y llena de pasillos que parece infinita.
El elenco encabezado por Darin mas realista no podía ser por lo cual no descarto la utilización de habitantes de la comunidad para llegar al grado de veracidad que se respira en todo el metraje, su desenlace obscuro (no podía ser otro ya que bebe de sucesos verídicos) nos llama a la profunda reflexión en un mundo que se debate entre el individualismo y la solidaridad colectiva.
Felicitaciones al cine Argentino que continua marcando pauta y seguiremos atentos a lo que este nos siga ofreciendo.
Extraordinario drama francés inclinado hacia la comedia basado en hechos reales y de gran éxito tanto de taquilla como de publico en Europa, Philippe (Francois Cluzet) es un millonario que queda cuadraplejico por un accidente en parapente y que esta en busca de un asistente y cuidador, en el proceso se presenta Driss (Omar Sy) con la única intención de conseguir un certificado de rechazo y así poder seguir viviendo de la beneficencia del estado sin embargo Philippe de vida monótona y rutinaria es atraído por el carisma y espíritu rebelde de Driss y decide contratarlo. La trama se centra en la amistad que surge en dos seres totalmente opuestos uno proveniente de la pobreza "sin educación" y el otro de las altas esferas burguesas, los directores por medio de la comedia la cual es utilizada de manera inteligente desnudan a través del personaje de Driss el mundo frívolo y frió en el cual se desenvuelve Philippe, ambos caracteres se retroalimentan aprendiendo el uno del otro y forjan un lazo intocable a cualquier elemento externo de la peculiar relación.
Lo destacable de la historia es en primera linea las excelentes interpretaciones de sus dos protagonistas por otro lado el acertado manejo del argumento por parte de los directores sin en ningún momento llevarla por senderos de sentimentalismos o influir lastima en el espectador dada la condición de discapacidad de Philippe al contrario los dos caracteres son tratados de igual a igual borrando sus diferencias físicas y sociales y es el punto en donde descansa la premisa de la historia: todos somos iguales en lo que a ser humano se refiere sin importar el entorno económico o cultural, al final estamos conectados y tenemos el mismo anhelo la búsqueda de la felicidad.
INTOCABLES hasta el momento se alza como la mejor cinta en lo que va del año, imprescindible su visionado para los amantes del buen cine.
En 1979 el ingles Ridley Scott salta a la palestra con la mejor y mas influyente cinta de terror-ciencia ficción de todos los tiempos ALIEN, también al el le debemos otros clásicos de la talla de BLADE RUNNER, GLADIADOR, THELMA Y LOUSIE o AMERICAN GANSTER, Scott sin duda alguna es uno de los directores mas importantes y respetados en la meca del cine aunque de vez en cuando se ha lanzado sus resbalones pero no debemos negar que es un gran director de actores sabe sacar muy bien provecho de ellos aunque su cualidad mas admirada es la gran factoría a la hora de mostrarnos sus pinturas cinematográficas derivada de la estética de los comerciales imitada por su hermano Tony Scott y en otro subnivel por el caótico pero inexplicablemente exitoso realizador ultracomercial Michael Bay.
ALIEN origino en una primera etapa cuatro secuelas donde sin duda la mas acertada fue la de James Cameron quien la transformo en una cinta bélica, las otras dos propuestas incluyendo la del para entonces novel David Fincher no aportaron nada nuevo, lo peor vendría después cuando Hollywood se apodera del mitico mounstro para realizar una serie de ridiculaz cintas ALIEN VS. DEPREDADOR es debido a esto que no entiendo la razón fuera de lo estrictamente comercial que llevaron a Scott a realizar esta precuela de Alien algo que ha sido prostituido hasta mas no poder y que no causa ya impacto aunque se le agradece que el mounstro en cuestión solo aparece un par de minutos al termino de la cinta.
PROMETEO es la nave en donde se desplaza un grupo de científicos con la intención de encontrar por medio de una serie de jeroglíficos hallados en la tierra y que apuntan a un planeta especifico el origen de la raza humana o sea el encuentro con nuestro creador o creadores desde mi óptica esto era suficientemente interesante para desarollar la historia sin meter al fantasma del mounstrico por el medio de hecho esto es lo que se nos cuenta en la primera hora del metraje que es lo mas destacado de la propuesta, posteriormente cuando la trama se direcciona poco a poco hacia el alíen se va cayendo en lugares comunes y en escenas efectistas de horror que ya se vieron en la obra de 1979, sin embargo hay secuencias sensacionales y de gran impacto como cuando la heroína de la historia interpretada por Noomi Rapace se hace la cesaría despierta en la maquina quirúrgica.
El gran error de Scott es haber subestimado una historia que apartando el alien tenia fuerza por si sola, de hecho si usted saca los monstruos algunos exagerados e incongruentes con la misma lógica biológica de la trama no se altera para nada la premisa que es el nervio central principal de la propuesta, en pocas palabras Scott se doblega ante las formulas comerciales e inclusive en momentos utiliza música ¿heroica? la cual le resta suspenso y seriedad a lo planteado algo bien distante de lo perfectamente logrado en el clásico ALIEN.
Pero ojo estamos hablando de Ridley Scott por lo que hay que destacar en primera linea el excelente desempeño actoral de todo el elenco, la imponente puesta en escena y por supuesto el elegante y acertado manejo de la cámara donde cada plano esta perfecto y armoniosamente concebido que son cualidades y sello personal del director que hemos apreciado en todas sus cintas.
PROMETEO es una cinta entretenida de eso no hay duda pero para aquellos que hemos seguido la carrera del notable realizador esperábamos mas pero lo mas seguro es que usted quede conforme.
Segunda adaptación en lo que va del año de Blanca Nieves cuento infantil de los hermanos Grimm, la primera se estreno a principios del 2012 y fue protagonizada por Julia Roberts en una interpretación ineficaz de la malvada reina hechicera, la propuesta en tono de comedia dejo mucho que desear y ha sido posiblemente la peor película esteralizada por la afamada actriz, una vez desechada esta a la papelera del olvido se estrena la segunda versión de Blanca Nieves envestida en un enfoque totalmente diferente a la anterior, direccionada al drama, obscura y dirigida a un publico mas adulto pero sin perder el encanto de cuento de hadas de la afamada historia, una vez mas se nota la influencia del Batman de Christopher Nolan que llega para darle una vuelta de tornillo a este tipo de populares relatos.
Kristen Stewart da vida a Blanca Nieves, su interpretación no dista mucho de lo que hemos visto en la mayoría de sus trabajos sobre todo en la saga Twilight sin embargo se reconoce que la actriz tiene carisma y convence en su rol de princesa aparentemente frágil que ira adquiriendo confianza hasta el punto de asumir el liderazgo de la revuelta para destronar a la malvada reina usurpadora del trono Charlize Theron.
La ganadora del Oscar supera con creces el rol recientemente interpretado por la Roberts pero cabe señalar que en algunos pequeños momentos luce algo sobreactuada afortunadamente Charlize logra salir con bien pie del metraje en todo su conjunto.
Lo mejor de la cinta son los siete enanos interpretados por veteranos actores encabezados por Bob Hoskins insertando sus cabezas en los pequeños cuerpos mediante el mismo efecto que gano el Oscar por El Curioso Caso De Benjamin Button posiblemente aquí perfeccionado, de igual manera la dirección de arte cobra vital importancia ambientando acertadamente los diferentes entornos en donde se desarrolla la cruzada épica de Blanca Nieves por recuperas su despojado reino.
Ya se rumora fuertemente su respectiva secuela en vista del éxito obtenido por la misma, mientras esperamos que van a inventar para esta segunda parte BLANCA NIEVES Y EL CAZADOR es una buena opción para matar sin lamentaciones el ocio.
No es ninguna sorpresa después del asombroso éxito comercial y artístico de THE DARK KNIGHT que su respectiva secuela y cierre de la trilogía posiblemente la cinta mas esperada de todos los tiempos este generando criticas encontradas debido a la alta expectativa que existía en torno a ella, debemos recordar que aquellas películas que generan este tipo de alterado enfrentamiento y polémicas por lo general terminan convirtiéndose en clásicos, antes de ver el metraje en cuestión decidí dar un vistazo a otras paginas o blogs de criticas para tener una idea de las reacciones generadas por la pelicula y el calor fue tal que en FILM AFFINITY uno de sus columnistas decidió renunciar a escribir mas en esa pagina debido a las pobres criticas vacías en argumentos sólidos que denigraban la cinta, al leerlas le doy la razón, estamos ante un fenómeno para trazar cierto paralelismo similar al momento en que Bob Dylan ídolo de la música folk decide cambiar su guitarra acústica por la eléctrica y entrar de lleno en el mundo del rock, eso le valió todo tipo de vilipendios sobre todo en sus conciertos en donde parte de la audiencia lo abucheaba y le gritaba ¡traidor!, esa masa no entendía que el señor Dylan se les había adelantado y que no iba a aceptar ningún tipo de encasillamiento ni ideas preconcebidas en torno al arte que deseaba expresar.
Así aquellos que están esperando ver la segunda parte de la segunda parte que fue THE DARK KNIGHT están equivocados si creían que Chistopher Nolan iba a repetirse y ademas traer otro malvado similar al guason el mejor villano concebido el cual sabemos que es irrepetible.
El Sr Nolan nos brinda una propuesta totalmente diferente a su antecesora, este ultimo capitulo esta muchísimo mas entrelazado con la primera entrega BATMAN BEGINS al punto de que aquellos que no vieron la segunda y si la primera entenderán las conexiones mientras ironicamente los que no vieron la primera quedaran un tanto despistados, Nolan demuestra una vez mas sin duda alguna que es uno de los mas grandes directores contemporáneos y arquitecto del nuevo cine de acción y ficción (Memento, Inception) y cierra su visión del héroe encapuchado a lo grande con mucha inteligencia y elegancia dejando abierta una ventana para que tal vez otro director continué la historia aunque le sera sumamente difícil igualar o superar el legado dejado por el celebre realizador.
Para aquellos que les gustan las comparaciones evidentemente que THE DARK KNIGHT marco un hito en la historia del séptimo arte eso es prácticamente imposible de darse otra vez, Nolan consiente de ello y junto con su hermano armaron un guion redondo y solido mas obscuro y con una carga mucho mas dramática y lograr así un contrapeso en torno a la ausencia del villano de lujo que fue el guason esto no quiere decir que los nuevos no dan la talla, se nos ofrece un Bane atemorizante, bestialmente cruel, superior físicamente a Batman y con una voz que evoca a Darth Vader por otro lado Anne Hathaway nos da la mejor Gatubela que se ha presenciado logrando el registro preciso de vi-polaridad y cinismo sin dejar en todo momento de lado la enorme sensualidad típica del caracter.
En este cierre se nos presenta a un Batman (Bruce Wayne) mas vulnerable tanto en el plano psíquico y físico, ya los años y las lesiones ocasionadas por las incursiones del murciélago justiciero empiezan a pasar duras facturas dando pie a un retrato muchísimo mas humano de lo visto con anterioridad. Lo mejor de la cinta deviene en no fijar la atención solo en Batman si no repartir la acción en la serie de personajes "secundarios" encabezados por el comisionado Gordon, algunos de ellos poseen identidades escondidas y por medio de giros sorpresivos son reveladas ya hacia el desenlace de la historia conformando un cierre atípico dentro del genero de los héroes cómics.
Una vez mas se agradece la no proliferación de secuencias de acción con intenciones efectistas o de relleno, estas escenas así como los efectos visuales están totalmente subordinados a la trama en si y en ningún momento empañan la misma y por ultimo y no menos importante el sentido critico de Nolan al apuntar sus baterías al vergonzoso sistema financiero, la injusticia y desigualdad social como caldo de cultivo para el surgimiento de liderazgos desquiciados y lo mejor de todo que no solo Batman tiene un héroe por dentro, es algo que llevamos todos los seres humanos y que sale a relucir de diferentes maneras y formas.
Dejemos que los nostálgicos y fanáticos de oficio se den cabezazos y suelten su ira después nadie se acordara de ellos, de Chistopher Nolan si.
