La mega-estrella Tom Cruise retorna con una cinta que en su presentación y promoción puede parecer estar en la linea de Mision Imposible o la fallida Knight And Day con Cameron Diaz, esto se debe a que el actor se ha inclinado últimamente hacia el cine de acción camino que puede desgastarlo. Tal vez por este factor Jack Reacher ha sido recibida tímidamente cuando siendo justos la propuesta difiere mucho de los últimos metrajes de acción del afamado actor aunque también esta inscrita dentro del genero. Jack Reacher es una adaptación del personaje creado por el británico Lee Child cuyo primer tomo lleva por nombre One Shot, estamos hablando de un total de 17 libros que nos sumergen en el mundo de la intriga y la conspiración a los cuales se enfrenta este especie de antiheroe.
Partiendo del asesinato de cinco personas al azar por manos de un francotirador enloquecido y cuyas evidencias apuntan a un soldado que estuvo en Irak, al ser capturado este solicita la presencia de Jack Reacher ex-policía militar retirado que ya había puesto tras las rejas al acusado por un incidente parecido pero en suelo Iraki. El señor Reacher es prácticamente un fantasma sin identidad, no tiene domicilio, amigos y al enterarse del suceso aparecerá en escena para asegurarse de que el hombre que una vez capturo no escape de la justicia, sin embargo la abogada defensora Helen Rodin (Rosamund Pike) le pedirá que le ayude en las investigaciones sin sospechar ambos que las cosas no son lo que aparentan ser en la superficie.
Con un ritmo que tiene sus cimientos en el cine policíaco de los 70's, en cierta forma Jack Reacher me recordó mucho a la excelente Contacto En Francia (1971) sobre todo en la secuencia de persecución en auto, en donde se demuestra que no es necesario hacer chocar 500 vehículos para darle vertiginosidad y adrenalina a escenas como estas. En Jack Reacher cada elemento dramático esta colocado en su justa medida, no hay efectismos ni excesos y se impone un argumento lleno de suspenso e intriga en donde el espectador no sabe que creer en un contexto donde todos son sospechosos. De nuevo Tom Cruise sale airoso metido en la piel de Jack Reacher secundado por un excelente reparto, mención aparte de la aparicion especial del cineasta Werner Herzog en uno de los roles mas siniestros que he visto.
Lo interesante de esta visión de Berger es su traslado a la idiosincrasia Española, Blancanieves es hija de un afamado torero quien queda incapacitado tras una corneada en una faena taurina y para colmo simultáneamente su esposa muere al dar a luz a la bella heroína, estos eventos son aprovechados por la enfermera que atiende al minusválido torero la cual logra esposarlo en interés de conseguir su fortuna. Una excelente Maribel Verdu sera la encargada de dar vida a la malvada madrastra en un rol que sin duda es el epicentro y el alma motora de la mayoría de los sucesos que se desencadenan en la trama, este aproximamiento posiblemente el mas sórdido que se halla hecho al personaje es el principal ingrediente que hace que esta propuesta marque un punto y aparte no solo de las dos cintas estadounidenses estrenadas el mismo año, si no también la ubica como uno de los mas logrados largometrajes basados en el cuento de los hermanos Grimm.
Otros elementos que hacen imperdible su visionado es su carácter melodramático, su alejamiento de cualquier atmósfera fantástica, la eliminación del príncipe azul y su final dual e inusual.
24- REBELLE (War Wicht) (Canada) Dirección: Kim Nguyen
Rebelle es una cinta despiadada que expone de manera muy realista los conflictos internos de los países Africanos específicamente en Komana donde a través de una niña de 14 años en off le va contando a su hijo que lleva en su vientre todas las vicisitudes que ha vivido a partir del momento en que con tan solo 12 años de edad es secuestrada por el ejercito rebelde para formar filas en el. Esta realidad pavorosa de los niños militarizados del África y que son inclusive obligados a asesinar a sus padres esta contada de una manera que conmueve pero al mismo tiempo trata con integridad y respeto a sus personajes librándolos de estereotipos, transformando la historia en un canto a la esperanza y a la capacidad de supervivencia del ser humano.
23- A ROYAL AFFAIR (Un Asunto Real) (Dinamarca) Dirección: Nikolaj Arcel
Caroline joven princesa inglesa es enviada a Dinamarca en un matrimonio arreglado con el rey Christian VII, aunque ambos personajes no se aman tienen dos cosas en común: la primera la soledad, Caroline se encuentra en una tierra extraña para ella obligada a cumplir un compromiso y dar descendencia real, Christian es un rey amante de las artes con problemas mentales y es visto como un fenómeno de circo tanto por su madre como por los miembros de la corte, lo segundo en común es la llegada como medico de la familia real del Doctor Struensse el cual es acogido como una figura paterna por Christian y se convierte en amante de Caroline. Struensse es un pensador y escritor anónimo de la llamada Ilustración, movimiento que busca la reivindicación del ser humano a través de la abolición de la esclavitud y la servidumbre, el derecho a la salud, educación y acceso sin restricciones a la cultura. Gracias a la influencia que posee sobre Christian logra que este se imponga ante la nobleza llevándose a cabo una serie de históricas reformas que irán en beneficio del pueblo, este hecho hará que Struensse gane enemigos principalmente por parte de la Iglesia y de la reina madre.
22- DECLARACIÓN DE GUERRA (Francia) Dirección: Valerie Donzelli
Estelarizada y dirigida por Valerie Donzelli esta peculiar propuesta cuenta la historia de una pareja que se enamora perdidamente en su primer encuentro, irónicamente el dúo se llama Romeo y Julieta para de cierta forma enunciar el aire de tragedia que tendrá la trama pero sin el final catastrófico muy a lo Shakespeare, a pesar de que el punto dramático se centra en el hijo de ambos el cual tiene un tumor cerebral maligno la directora-actriz se focaliza en la lucha de la pareja por salvar a la criatura, a pesar de lo emocional y conmovedor del argumento.
Valerie Donzelli no se va por el camino fácil efectista y lacrimógeno que posiblemente tomaría cualquier otro director, si no que inteligentemente presenta una historia esperanzadora y de perseverancia de unos padres que sacrifican todo con tal de salvar a su único hijo.
21- CORIOLANUS (Reino Unido) Dirección: Ralph Fiennes
Desde Romeo y Julieta (1996) con Leonardo Dicaprio no se veía una adaptación tan audaz y original de una obra del gran dramaturgo William Shakespeare, en esta ocasión el actor Ralph Fiennes se pone también detrás de la cámara y conservando al igual que su predecesora el texto y los parlamentos de Shakespeare trae una propuesta mucho mas cruda y con un gran contenido político que esta vigente hoy mas que nunca y creo que precisamente eso fue lo que el actor intuyo al llevar adelante esta empresa.
Ralph Fiennes nos regala una cinta bien dirigida, ágil y sumamente entretenida que logra captar hasta aquellos que no están familiarizados con Shakespeare y se sobrepone a los diálogos un poco difíciles del afamado escritor con unas imágenes imponentes, un Coriolanus que evoca al coronel Kurtz de Apocalypse Now e inclusive con escenas de acción y batallas muy bien logradas haciendo la propuesta muy digerible.
20- LOS VENGADORES (The Avengers) (USA) Dirección: Joss Whedon
Los Vengadores es un espectáculo visual y de efectos por ordenador a gran escala llena de acción constante durante su dos horas y media de duración, es cierto que hoy en día abundan las cintas con esa misma formula ejemplo las insoportables Transformers, ¿Cual fue el ingrediente que hizo que esta acertara donde las otras han caído vertiginosamente? como siempre lo he dicho: EL GUIÓN, aquí se da un ejemplar ejercicio de que una historia sola con una orgía de efectos y acción no es sustentable si no se trabaja sólidamente a sus personajes y se justifica y profundiza al argumento en general, con esto no estoy diciendo que el texto de Los Vengadores sea digno de un Oscar pero se muestra totalmente eficiente haciendo que este carnaval efectista sea plenamente disfrutable logrando contagiar al espectador de una efervescente adrenalina y que salga de la sala con una sonrisa de oreja a oreja sintiendo que invirtió bien su dinero. Es lo mínimo que se le exige a una propuesta netamente de entretenimiento y eso se agradece.
19- ELEFANTE BLANCO (Argentina) Dirección: Pablo Trapero
Nuevamente el cine Argentino demuestra su alta factura y como se encuentra en la vanguardia de las producciones latinoamericanas contemporáneas, el séptimo largometraje de Pablo Trapero (protagonizado por Ricardo Darin quien junto a Gabriel Garcia Bernal posiblemente sean los actores mas reconocidos del cine latino-hispano) se sustenta en hechos reales sucedidos en la década de los 70 cuya premisa sigue vigente hoy mas que nunca: La Lucha Contra el Monstruo de la Injusticia Social y la Miseria.
Darin interpreta a un sacerdote quien junto a un colega Francés y una trabajadora social emprenden una cruzada por elevar las condiciones de calidad de vida en una barriada castigada y hundida en la violencia por el trafico de drogas de bandas rivales, los objetivos son primordialmente dos: lograr que se ejecute la terminación del hospital llamado Elefante Blanco el cual lleva décadas en el mas absoluto abandono y la construcción de un complejo de viviendas dignas para las familias que habitan el barrio, como es usual estos héroes se enfrentaran a diversos obstáculos de orden burocráticos y políticos mas la problemática característica del empobrecido entorno que han elegido como bastión de lucha.
Holy Motors es un fuerte y completo homenaje al cine como expresión artística, los que están acostumbrados al cine institucional se quedaran totalmente perdidos ante una propuesta que huye de la narrativa convencional y aboga exclusivamente por el intelecto y los sentidos, lo emocional queda desterrado ante una obra provocadora que invita al espectador a reflexionar dentro de los parámetros del cine mismo. La secuencia inicial en donde un histrionico Denis Lavant se despierta en una habitación que al abandonarla se nos revela que esta dentro de un cine y llena de unos hipnóticos espectadores marca la pauta de todo lo que vendrá después, el personaje de Levant nos guiara por una odisea de cine reflexivo en donde esa audiencia en sus butacas somos nosotros, lo cual nos condiciona a estar en conciencia de que esto es una película y que en ningún momento saldrá de esos limites para pretender decirnos que lo que vemos es real, de lo cual si se esmera en hacernos creer el cine institucional.
17- DOS MAS DOS (Argentina) Dirección: Diego Kaplan
Excelente y original comedia Argentina pero en el fondo muy seria conformada por dos parejas, por un lado el matrimonio interpretado por Diego (Alfredo Casero) y la hermosa Emilia (Julieta Diaz) y por el otro los cónyuges Richard (Juan Minujin) y Betina (Carla Peterson) los cuales son swingers ( intercambio de parejas), al estos revelarles a Diego y Emilia su exótica practica sexual no tardara mucho en ponerse a prueba su estabilidad matrimonial la cual ha caído en la monotonía típica de las parejas que llevan mucho tiempo en convivencia, Emilia es la que manifiesta mas curiosidad y deseo por experimentar y salir del circulo rutinario mientras Diego se resiste principalmente por el peso de los tabúes. La primera hora de la cinta es la mas graciosa ya que en ella vemos el calvario moralista que atraviesa Diego al ser inducido tanto por su esposa como por Richard y Betina a darle rienda suelta a sus fantasías y unirse al festín, finalmente es convencido pero cuando todo parece ser un cuento erótico la realidad llega a la puerta que es donde apunta su arma el director Diego Kaplan en el resto del metraje.
SKYFALL nos depara el mejor villano de las 24 cintas de 007, una vez mas Javier Bardem nos da una excelente interpretación de un personaje siniestro, ambiguo, de un humor tenebroso en la linea de un Hannibal Lecter y que es introducido en escena de forma magistral, lógicamente la interpretación de Bardem se le va por encima a todo el reparto pero en contrapeso hay un guion solido el cual permite que los caracteres obtengan un convincente desarrollo ademas de estructurar las secuencias de acción en su justa medida sin caer en el saturamiento del cual peco Quantum Of Solace, otra nota relevante es el apartado de cinematografía que es lo mejor que se ha hecho en lo que a las series Bond se refiere principalmente en el combate final que se lleva a cabo en el inmenso lago congelado y sorpresas para los fanáticos de 007 como la utilización del auto icono de Sean Connery en la afamada Goldfinger, comienzan a ver destellos de humor típicos de las cintas que habían sido dejados de un lado desde la entrada de Daniel Craig y un final de banquete que nos indica que James Bond retorna a su formato original pero adaptado a este nuevo siglo.
15- MATALOS SUAVEMENTE (USA) Dirección: Andrew Dominik
MATALOS SUAVEMENTE se presenta como una propuesta influida por la narrativa Tarantino y Scorsese, en la superficie se cuenta una trama de mafiosos los cuales organizan partidas de pocker, cuando una de ellas es asaltada se contrata al frió asesino a sueldo Jackie Cogan (interpretado de manera magistral por Brad Pitt) para encontrar a los culpables, eliminarlos y restaurar el orden que ha sido quebrantado.
Esta sencilla historia muy bien contada cinematograficamente donde todos los personajes están bien interpretados, excelentemente dibujados, con unos diálogos que parecen duelos y una tensa calma que hace acto de presencia durante todo el metraje se disfraza como una buena película mas del genero pero que en sus últimos cinco minutos revela su verdadera intención exponiendo hacia donde realmente estaban dirigidos sus cañones.
14- DE OXIDO Y HUESO (Francia) Dirección: Jacques Audiard
Ali (Mathias Schoenaerts) es un aspirante a boxeador sumido en la mas absoluta pobreza, con un hijo de 5 años viven en la indigencia hasta que va a casa de su hermana la cual lo acoje, Ali logra conseguir trabajo como agente de seguridad y en un local nocturno conocerá a Stephanie (Marion Cotillard) hermosa fémina de clase media acomodada cuya profesión es domadora de ballenas orcas de un gran acuario, en uno de los espectáculos la vida de Stephanie da un giro inesperado sufriendo una horrible tragedia la cual la dejara discapacitada, es aquí cuando estos dos seres opuestos son unidos irónicamente por medio de sus particulares tragedias.
Jacques Audiard consagrado por su previa obra UN PROFETA nos trae la historia de dos almas en busca de la felicidad en medio de sus particulares realidades las cuales parecieran no tener luz al final del túnel, una vez mas la bellisima Marion Cotillard nos brinda una memorable actuación que no puede pasar desapercibida, se evidencia que el cine Francés si sabe sacarle provecho a esta fabulosa actriz que lamentablemente en suelo Hollywodense solo ha sido utilizada como interprete de decorado.
COMPLIANCE es la que mas comentarios y polémica ha generado fundamentalmente por su argumento extraído de sucesos ocurridos en una famosa cadena de comida rápida la cual a efectos de la película su nombre y estética han sido cambiados (aunque se sabe que es Mcdonalds), el punto de controversia se genera debido a que la situación increíblemente inverosímil planteada cuesta ser digerida por algunas audiencias como algo acontecido en la vida real, hasta el momento no hay ningún indicio que desmienta lo planteado e inclusive se presentaron alrededor de 30 casos en los Estados Unidos similares a lo visionado en COMPLIANCE, es por eso que su director al inicio del metraje coloca un aviso bien grande que ocupa todo el cuadro: BASADO EN HECHOS VERÍDICOS como para no dejar dudas de que así usted no pueda creer en lo que esta presenciando insolitamente si ocurrió.
La gerente de la franquicia en cuestión recibe una llamada de la policía en la cual se acusa a una de las empleadas de haber robado dinero del bolso de uno de los clientes mientras este hacia su pedido en la caja, se le ordena a la gerente informar a la empleada de la situación y retenerla hasta el arribo de las autoridades, contar mas es un verdadero crimen para aquellos que no han visionado la cinta, solo se puede decir que durante casi la hora y media del metraje usted estará expuesto a un suspenso desesperante como pocas veces se ha visto y cabe destacar que aquí no hay asesinatos, mutilaciones, torturas o algo parecido.
La trama se mete dentro de la campaña por la opción del NO con miras al plebiscito que se realizo el 5 de octubre de 1988 y que pondría fin a la dictadura de Pinochet engendrada y apoyada por los Estados Unidos. La cinta toma inspiración en la obra teatral de Antonio Skarmeta El Plebiscito, Gabriel Garcia Bernal interpreta a Rene Saavedra publicista que vuelve exiliado en México a Chile y mientras trabaja para una prestigiosa agencia publicitaria decide participar por la franja del NO en la cual la oposición solo dispondrá de 27 minutos para difundir y apoyar esa opción, mientras su jefe y dueño de la agencia Luis Guzmán simpatizante oficialista hará lo suyo por la franga del SI, a pesar de esto esta situación no impide el normal funcionamiento de ambos en el aspecto laboral.
11- RUBY SPARKS (USA) Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Los directores de la sensacional LITTLE MISS SUNSHINE nos traen una nueva comedia que a pesar de lo fantástica o inverosímil que pueda parecer hay que tomársela muy en serio en lo que al tema de fondo se refiere: La eterna complejidad en la relación hombre-mujer, en este caso direccionada hacia el punto de vista masculino a través de un joven genio de la escritura CALVIN (Paul Dano) autor de un best-seller a temprana edad y cuya próxima novela es esperada con altas expectativas, sin embargo Calvin quien acaba de tener una dolorosa ruptura amorosa no consigue la inspiración para su nueva obra y la musa vendrá de unos sueños recurrentes en torno a una chica imaginaria por lo que decide plasmarla en papel, así surgirá RUBY SPARKS, lo que no se espera Calvin es que su creación cobrara vida.
10- ANNA KARENINA (Reino Unido) Dirección: Joe Wright
Lo mas atractivo de esta Anna Karenina es su avasallante puesta en escena la cual cuenta con tres nominaciones al Oscar en los renglones de: Dirección de Arte, Vestuario y Cinematografía aparte de otra nominación por su partitura original para un total de cuatro postulaciones, Joe Wright combina de forma brillante una narración que exalta lo teatral e inclusive evoca al musical sin llegar de lleno a meterse en su piel , la mayoría del metraje fue filmado en un teatro el cual ante las narices del espectador cambia radicalmente su ambientación escénica algunas veces en planos secuencias dependiendo del hilo dramático, sin embargo la propuesta ofrece en ocasiones secuencias en exteriores, el surrealismo es otra parte fundamental de esta muy bien lograda fusión de formas cinematográficas en donde Wright nunca llega a ubicarse del todo en una de ellas y que por momentos se le van por encima al relato en cuestión pero es tal el nivel de belleza y coloridad de cada fotograma que este detalle pasa desapercibido ante lo hipnótico de lo visionado.
9- LAURENCE ANYWAYS (Canadá) Dirección: Xavier Dolan
Si bien es cierto que Dolan tiene una enorme influencia Wong Kar Wai pero sobre todo de Pedro Almodovar esto no desmerece para nada el resultado de sus trabajos sobre todo de esta singular LAURENCE ANYWAYS, a pesar de tomar de Almodovar mucho de su estética colorida y su inclinación por personajes renegados y bizarros se nota que Dolan cada vez mas esta en la búsqueda de un lenguaje y código propio que no tardara en perfeccionar en un futuro inmediato.
Dolan plantea un melodrama de una pareja plenamente feliz hasta que Laurence (Melvil Poupaud) le confiesa a Fred Belair (Suzanne Clement) la inclinación que siempre tuvo por convertirse en mujer y que ahora ya en sus 30 ha decidido llevar a cabo, curiosamente Laurence no es homosexual y esta profundamente enamorado de Fred pero esta a pesar de también amarlo le es difícil aceptar el proceso de transexualidad de Laurence y perderlo como hombre además de las complicaciones sociales que tienen que afrontar como pareja.
La escalada de agresiones y fanatismo expresada en la cinta por parte del pueblo Irani en torno al derrocamiento del Sha obedece a una lógica de una nación víctima de una salvaje violencia promovida y amparada por los intereses estadounidenses sobre el petróleo, en este punto un grupo de estudiantes irrumpen en la embajada gringa tomando como rehenes a todo su personal pero 6 de ellos logran escapar y consiguen refugio en la embajada de Canadá.
El nuevo gobierno Irani instalado propone un intercambio del personal de la embajada por el Sha, como es costumbre la prepotencia de los funcionarios de U.S.A. es de tal magnitud que se niegan a entregar al nefasto personaje ya moribundo poniendo en peligro la vida de mas 40 seres en cautiverio, la C.I.A. al conocer del paradero de los seis diplomáticos que lograron huir se propone hacer una operación de rescate, es aquí donde entra el agente Tony Mendez (Ben Affleck) con un plan tan descabellado que tal vez sea el único que logre funcionar.
7- PIETA (Corea Del Sur) Dirección: Kim Ki-Duk
Pieta se presenta como una clara critica al capitalismo personificada en un hombre sin escrúpulos que se encarga de la cobranza y recolección de dinero para su explotador jefe prestamista, en una atmósfera claustrofobica, pobre y endurecida por su naturaleza industrial este personaje va de familia en familia sin importarle sus necesidades o dolencias a exprimirle lo poco que tienen en una deuda interminable producto de unos intereses que van en progresivo aumento, si el deudor no cancela su deuda tendrá que sacrificar su cuerpo en pos de que el acreedor obtenga el dinero a través del seguro por incapacidad.
La vida del infame cobrador dará un vertiginoso giro cuando aparezca una mujer que dice ser la madre que lo abandono y que busca su perdón, en un comienzo este la rechaza pero a medida que avanza el metraje la vulnerabilidad y falta de afecto del hombre irán invirtiendo los roles en un hijo que emocionalmente se desmorona desarrollando una relación de dependencia y una madre que se fortalece y se impone de una forma sutil manipulando la situación hacia un sendero oscuro e inesperado.
6- LA NOCHE MAS OSCURA (USA) Dirección: Kathryn Bigelow
Con 5 nominaciones al Oscar incluyendo Mejor Película La Noche Mas Oscura se ha convertido en la cinta mas polémica y controversial del 2012, su directora ganadora del Oscar por el ya clásico The Hurt Locker recrea el trabajo de inteligencia de años y la posterior supuesta operación de captura del hombre mas buscado por U.S.A, Osama Bil Laden, digo supuesta por que en torno a la operación solamente hay declaraciones oficiales, hasta ahora el departamento de estado no ha mostrado a la luz publica una prueba contundente del asesinato del famoso terrorista por lo que es lógico que se siembre todo un hermetismo en torno al hecho, como es usual habrán personas que darán como cierto todo lo dicho por el gobierno estadounidense así como gente incrédula y con razones de peso frente al hecho, ya que es costumbre por parte de los gobiernos y sobre todo de U.S.A de construir toda una mentira mediática en pro del avance de la gran potencia en beneficio de sus intereses económicos, pero dejando a un lado lo político Kathryn Bigelow nos regala una película digna, sincera, sin ningún tipo de estereotipos ridículos Hollywodenses y se para en todo el centro ofreciendo una obra que abre una brecha para que el espectador piense y medite sobre ella.
5- AMOUR (Francia / Austria) Dirección: Michael Haneke
Amour es un retrato profundamente intimo de un matrimonio de profesores de música jubilados, George (Jean Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva nominada al Oscar) ya en sus ochenta se enfrentan a una terrible enfermedad que va dejando progresivamente en estado paralitico a Anne, no hay una sola escena melosa en todo el metraje ni algo que produzca algún tipo de intento de sacar una lágrima en el espectador, el interés de Haneke es mostrar el padecimiento que todo ser humano experimentara cuando entre en la vejez y de esta forma meternos en la piel algo que nos llegara a todos y de lo cual nos hacemos la vista gorda, Amour conmueve ya que el sufrimiento que presenciamos de Anne y un George que esta allí apoyando a su compañera de toda la vida y que se encuentra impotente ante el deterioro de su esposa nos obliga a vernos a nosotros mismos, a nuestras familias ya sean abuelos o tías y si los perdimos evaluamos si fuimos lo suficientemente solidarios y comprensivos.
4- EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE (USA) Dirección: Cristopher Nolan
El Sr Nolan nos brinda una propuesta totalmente diferente a su antecesora, este ultimo capitulo esta muchísimo mas entrelazado con la primera entrega BATMAN BEGINS al punto de que aquellos que no vieron la segunda y si la primera entenderán las conexiones, mientras ironicamente los que no vieron la primera quedaran un tanto despistados. Nolan demuestra una vez mas sin duda alguna que es uno de los mas grandes directores contemporáneos y arquitecto del nuevo cine de acción y ficción (Memento, Inception) y cierra su visión del héroe encapuchado a lo grande con mucha inteligencia y elegancia dejando abierta una ventana para que tal vez otro director continué la historia aunque le sera sumamente difícil igualar o superar el legado dejado por el celebre realizador.
3- INTOCABLE (FRANCIA) Dirección: Eric Toledano y Olivier Nakache
Lo destacable de la historia es en primera linea las excelentes interpretaciones de sus dos protagonistas por otro lado el acertado manejo del argumento por parte de los directores sin en ningún momento llevarla por senderos de sentimentalismos o influir lastima en el espectador dada la condición de discapacidad de Philippe, al contrario los dos caracteres son tratados de igual a igual borrando sus diferencias físicas y sociales y es el punto en donde descansa la premisa de la historia: todos somos iguales en lo que a ser humano se refiere sin importar el entorno económico o cultural, al final estamos conectados y tenemos el mismo anhelo, la búsqueda de la felicidad.
Tarantino pone de nuevo todos los elementos esenciales para una película que no dejara indiferente a nadie, el realizador sera una vez mas glorificado por sus seguidores y atraerá nuevos adeptos que se encargaran de mitificar su leyenda, solo el es capaz de construir esos diálogos punzantes, vigorosos que tienen mas adrenalina que la acción mas frenética que usted haya visto (ojo los que les gusta la acción y la sangre no saldrán defraudados), solo el podía crear una escena hilarante que contiene la mejor y mayor burla que se le haya hecho al Ku Klux Klan. Las aventuras del esclavo convertido en cazarecompensas en busca de su esposa vendida al mas bajo precio como castigo por su intento de fuga es el mejor Western desde la ganadora del Oscar Los Imperdonables en 1992 y eso es ya bastante que decir.
1- THE MASTER (USA) Dirección: Paul Thomas Anderson
Retorna el gran Paul Thomas Anderson después de su avasallante Petroleo Sangriento, lo hace con una propuesta polémica sobre todo para la comunidad Hollywodense debido a que esta toma inspiración del fundador de la cienciologia, culto del cual son adeptos una gran cantidad de celebridades de la industria del cine, de allí su paso casi desapercibido en los Oscars donde solo fueron nominados sus actores principales.
Paul Thomas Anderson no se enfoca en criticar a la cienciologia la cual nunca es nombrada, lo que hace es una radiografía de las sectas a través de la relación de dos hombres opuestos. Joaquin Phoenix (en la mejor actuación masculina del 2012) encarna a Freddie un hombre marcado por la guerra, alcohólico y con una libido enfermiza, este ser sin rumbo que no logra encajar en ningún estrato social por asares del destino conocerá a Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) un líder carismático que por medio de sus escrituras ha construido una nueva forma de concebir la religión ganando gran cantidad de seguidores lo que lo ha llevado a formar una organización la cual va en indetenible asenso.
De una manera brillante e inscrito en el mas selecto y depurado cine de autor Paul Thomas Anderson desnuda este relato de amistad imposible de dos hombres que se aprecian de eso no hay duda, pero que están en polos opuestos lo cual Lancaster resume brillantemente cuando le dice a Freed: "Cuando tu y yo reencarnemos en otra vida, seremos fervientes enemigos".
El pupilo de Spielberg que nos trajo la inolvidable Forrest Gump y otras conocidas producciones como: Volver Al Futuro, Contacto, El Naufrago, siguiendo la linea del mas tradicional cine Hollywodense se viene con un drama cuyo epicentro es la ética y la moral. El Vuelo debe mas su dos nominaciones a los Oscars (Mejor Actor y Guión) por su temática planteada que a sus méritos artísticos, esto no quiere decir que la propuesta no tenga valía, Zemeckis ha demostrado que sabe hacer buen cine de entretenimiento pero exceptuando a Forrest Gump el realizador estadounidense peca de tener una concepción entubada al momento de hacer películas que si bien no se niega que son muy disfrutables la mayoría de ellas desaparecen de la memoria colectiva por tener sus cimientos en las formas típicas y conservadoras de hacer cine de la industria mas grande del mundo que yace en su país.
Se reconoce que en El Vuelo Zemeckis da un paso adelante y trae una propuesta dirigida al publico adulto saliéndose del target del cine familiar al que nos tiene acostumbrados, ya había hecho algo así con la cinta de suspenso Lo Que La Verdad Esconde pero en El Vuelo llega a mostrar hasta desnudos en sus primeros minutos de metraje, algo atípico en la filmografia del realizador.
De nuevo un excelente Denzel Washington encarna a un piloto de aviones comerciales (Whip) adicto al alcohol y las drogas que tras una falla mecánica en uno de los vuelos le salva la vida a la mayoría de los pasajeros abordo en un aterrizaje casi imposible en una zona rural (lo mejor logrado de la película), este hecho convierte al capitán en un héroe nacional pero a medida que progresan las investigaciones en torno al accidente van quedando al desnudo las adicciones de este personaje que dejarían en entredicho su heroísmo y podrían llevarlo a la cárcel.
La cinta denuncia una problemática que se ha vuelto común sobre todo en U.S.A, los pilotos que conducen aviones de pasajeros en estado de embriaguez o bajo los efectos de las drogas, el personaje de Washington se niega a aceptar su enfermedad la cual ha ido poco a poco afectando de forma aguda no solo todos los ámbitos de su vida si no también su entorno. Si el objetivo de Zemeckis era crear conciencia o hacer catarsis en el espectador todo se disipa al redimir al personaje central empeñado en no despojarlo de su carácter heroico, otro realizador mas sagaz hubiese hecho una verdadera anatomía de la adicción y le sacaría el jugo por ejemplo a la relación de Whip con Nicole (Kelly Reilly) otra adicta la cual se esmeran en presentárnosla para luego desaparecer de un plumazo convirtiéndola en un personaje prescindible en una clara falla de guión para colmo nominado al Oscar.
De no ser por las buenas interpretaciones de su elenco con Denzel a la cabeza y la vertiginosa escena del accidente la propuesta hubiese ido directo al basurero debido a un Zemeckis que sabe dirigir pero que no quiere o no puede librarse de los condicionamientos del cine comercial, haciendo que esta cinta solo aspire a ser una historia entretenida mas del montón.
Durante el 2012 tres cintas sobre el cuento de Blancanieves se realizaron, las dos primeras de factura Hollywodense, por un lado la pésima comedia Mirror Mirror con una insípida Julia Roberts como la malvada bruja y por el otro Blancanieves Y El Cazador enuna tónica mas épica y oscura con Kristien Stewart y Charlize Theron. Pero sin duda la que deja muy por detrás a las antes mencionadas es la adaptación proveniente de tierras españolas a cargo de Pablo Berger. Ciertamente la propuesta se inspira en la oscarizada El Artista lacual puso de nuevo en el mapa al olvidado cine mudo, todo lo relacionado con la primera forma de cine narrativa se encuentra en esta hispana Blancanieves, un sobrio blanco y negro, correcta ambientación de la época y por supuesto los característicos intertitulos.
Lo interesante de esta visión de Berger es su traslado a la idiosincrasia Española, Blancanieves es hija de un afamado torero quien queda incapacitado tras una corneada en una faena taurina y para colmo simultáneamente su esposa muere al dar a luz a la bella heroína, estos eventos son aprovechados por la enfermera que atiende al minusválido torero la cual logra esposarlo en interés de conseguir su fortuna. Una excelente Maribel Verdu sera la encargada de dar vida a la malvada madrastra en un rol que sin duda es el epicentro y el alma motora de la mayoría de los sucesos que se desencadenan en la trama, este aproximamiento posiblemente el mas sórdido que se halla hecho al personaje es el principal ingrediente que hace que esta propuesta marque un punto y aparte no solo de las dos cintas estadounidenses estrenadas el mismo año, si no también la ubica como uno de los mas logrados largometrajes basados en el cuento de los hermanos Grimm.
Otros elementos que hacen imperdible su visionado es su carácter melodramático, su alejamiento de cualquier atmósfera fantástica, la eliminación del príncipe azul y su final dual e inusual.
Holy Motors es un fuerte y completo homenaje al cine como expresión artística, los que están acostumbrados al cine institucional se quedaran totalmente perdidos ante una propuesta que huye de la narrativa convencional y aboga exclusivamente por el intelecto y los sentidos, lo emocional queda desterrado ante una obra provocadora que invita al espectador a reflexionar dentro de los parámetros del cine mismo. La secuencia inicial en donde un histrionico Denis Lavant se despierta en una habitación que al abandonarla se nos revela que esta dentro de un cine y llena de unos hipnóticos espectadores, marca la pauta de todo lo que vendrá después, el personaje de Levant nos guiara por una odisea de cine reflexivo en donde esa audiencia en sus butacas somos nosotros, lo cual nos condiciona a estar en conciencia de que esto es una película y que en ningún momento saldrá de esos limites para pretender decirnos que lo que vemos es real, de lo cual si se esmera en hacernos creer el cine institucional.
Vemos como este personaje aborda una inmensa limusina la cual se pasea por toda París y funciona como camerino rodante para los distintos personajes y dramatizaciones que le son encomendadas, pudiera interpretarse que el director aunque no de manera explicita es el amo y patrono de este individuo que debe transformarse en mendigo, demente, asesino, anciano, benebolo padre y una serie mas de vastos personajes arropados por la manta del surrealismo urbano. Lo que se puede concluir de lo presentado por Leos Carax es un paseo nostálgico por las distintas posibilidades tanto interpretativas como narrativas del séptimo arte bajo una óptica melancólica que denuncia la perdida de la esencia del cine en pos de la industrialización y el comercialismo mas descarnador.
Holy Motors se une a esa gama de cintas que no pueden ser comprendidas en un primer visionado y por lo tanto amerita siguientes revisiones en la cual en cada una de ellas se van descubriendo capas y detalles que la hacen una obra en constante dinamismo.
