KABOOM De Gregg Araki

¿Se puede hacer un Tenneager Movie (película de adolescentes) con un surrealismo digno de un Luis Buñuel o David Lynch? Gregg Araki responde cinematograficamente SI con su ultima entrega KABOOM, este director se ha dedicado a realizar películas juveniles cuyos repartos están conformados por actores de gran atractivo físico y explotar de una manera inteligente su

sexualidad, cintas como Maldita Generación o Esplendor son algunas de sus firmas que ejemplifican el estilo adoptado por Araki, se puede acusar de exceso de narcisismo al trabajo de este realizador pero al ver sus propuestas nos encontramos con personajes muy bien construidos y tramas que exponen los anhelos, frustraciones y temores de esa etapa crucial de la vida de todo ser humano.

Explicar la trama de Kaboom es algo complejo al igual que una

cinta de David Lynch, Smith es un joven bisexual que por un lado esta obsesionado con su compañero de cuarto y por el otro tiene recurrentes pesadillas alucinantes, la historia tomara un giro cuando Smith regresando de una fiesta hacia su habitación una chica perseguida por unos hombres con mascaras de animales le pide ayuda, esto desencadena una serie de hechos exquisitamente traídos de los cabellos en los cuales Smith presume que es parte de una conspiración armada por todo el pueblo.

Kaboom engancha desde el primer momento con una estética sensacional , unos diálogos frescos, directos, llenos de un humor picante enmarcados en el alto contenido sexual hedonista de la trama, si a esto le unimos la forma narrativa principalmente influida por David Lynch obtenemos un cóctel explosivo que desemboca en una de las realizaciones mas originales del 2010.

Gregg Araki ha recibido excelentes criticas por este ultimo trabajo dado que logra amalgamar varios géneros de manera coherente y presentarnos algo novedoso imposible de clasificar.

Evidentemente habrá audiencias que no les sera fácil digerir el concepto planteado por Araki lo que no quita que puedan disfrutar de la obra, citando nuevamente a un estimado profesor "A todos nos gustan los helados y para eso no hace falta entenderlos".

Para los cinefilos excesivos como yo traten de visionar algunas de las películas de Araki y por supuesto de David Lynch antes de ver Kaboom y asi entrar en sintonia con el mundo que nos presenta el cual es 100% fascinante.

9.4/10

Trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=DzmQUQdgGi8&feature=related

alf_cols@hotmail.com

13 ASSASSINS (13 ASESINOS) De Takashi Miike

EL LEGADO DE KUROSAWA

 

Takashi Miike es el director Japones mas prolifero que he presenciado, el hombre llega a filmar hasta tres películas por año abarcando una variedad de géneros como pocos lo han hecho, desde el terror de los clásicos Audition y Una Llamada Perdida pasando por el Gore sátiro de la influyente Ichi The Killer, el surrealismo a lo Lynch de la fabulosa Gozu e incluso cintas juveniles como Zebraman o Yatterman algunas basadas en cómics, no niego que del inmenso catalogo de este notable director algunas de estas producciones no sean del todo satisfactorias pero es innegable la huella e influencia que ha dejado su estilo visual unido a la crudeza de sus relatos.

Ahora nos presenta su nueva cinta que es un remake del

clásico de 1963 del mismo nombre y que fuera dirigido por Elichi Kudo la cual esta fuertemente influida por la obra mas reconocida del maestro Akira Kurosawa el mejor director Japones de todos los tiempos, me refiero a los 7 SAMURAIS, su legado es tan enorme que los Westerns tanto Estadounidenses como Italianos implantaron la visión que plasmo Kurosawa, de allí salio 7 Hombres y Un Destino con Yul Brynner y Steve Mcqueen versión Hollywoodense de Los 7 Samurais llevada al Western y George Lucas se inspiro en Kurosawa para la creación de sus Jedis en las sagas de Star Wars.

13 asesinos es la historia basada en hechos reales ocurrida en el siglo XIX de un grupo de hombres que se aventuran en una misión suicida para asesinar y derrocar al lord Narits Sugu quien acosta de su posición comete todo tipo de atrocidades incluyendo violaciones y descuartizaciones, durante el metraje de la cinta veremos el reclutamiento de los 13 caracteres que emprenderán la cruzada adentrándonos en su humanidad y las motivaciones que los llevan a emprender tamaña empresa, Takashi Miike va poco a poco subiendo la expectativa y tensión del relato hasta llegar al clímax en donde nos deleitaremos con una batalla épica de 40 minutos de estos 13 guerreros enfrentados a un enorme ejercito en una secuencia de acción envidia de cualquier realizador norte americano que nos hallan ofrecido obras épicas de gran magnitud.

El sello de Takashi Miike esta presente en toda la obra, agresiva, visceral pero perfectamente enmarcada y justificada dentro de una trama que nos lleva a la reflexión y como el mismo Takashi Miike declaro en su muestra en el festival de Venecia, "espero que los jóvenes japoneses reflexionen al ver esta película sobre el pasado reciente, 50 o 100 años atrás y piensen en lo diferente que era Japón respecto a lo que es hoy".

Extraordinarias cintas como estas demuestran el legado que para futuras generaciones dejan grandes realizadores como Akira Kurosawa, cuyo mejor homenaje es no imitarlos si no absorber el conocimiento que plasmaron y llevarlo a un propio lenguaje cinematográfico.

10/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=u_ILO2RWhEw

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EL CISNE NEGRO (BLACK SWAN) De Darren Aronofsky

DE BERGMAN A ARONOFSKY

 

En 1966 Ingmar Bergman daría una de las obras mas importantes del séptimo arte: PERSONA, el director Sueco aparte de romper el esquema narrativo cinematográfico introdujo elementos del cine de terror en una historia dramática

haciendo una cinta imposible de clasificar dentro de un genero, la idea de esta propuesta novedosa era transmitir a la audiencia la angustia y el pánico que experimenta una mujer que sufre de trastorno de la personalidad, lo brillante de PERSONA es que Bergman utiliza dos mujeres que llevan solas prácticamente toda la cinta y al final nos deja con la incógnita de cual de las dos era la autentica y cual producto de la inmaginacion, después con LA HORA DEL LOBO Bergman utilizaría nuevamente el recurso pero en un contexto diferente, presenciar el proceso degenerativo de un pintor hacia la locura, luego de Bergman imponer un nuevo estilo de contar una historia otro que seguiría

sus pasos pero con su propio sello personal fue Roman Polanski

especialmente en la cinta EL INQUILINO (1976) la cual el mismo protagonizara interpretando a un hombre que alquila una habitación en donde su anterior ocupante femenina se lanza por la ventana quedando como una momia cubierta de yeso en la cama de un hospital y nos muestra como las mismas circunstancias que llevaron a la mujer a tal acto se van reproduciendo en la figura del personaje de Polanski en donde no sabemos si el espíritu de la mujer se apodera de la mente del nuevo ocupante o es un delirante quiebre emocional del individuo.

Cito estos dos autores ya que El Cisne Negro tiene influencias de Bergman y Polanski pero sin en ningún momento imitarlos, al contrario Aronofsky les hace un gran homenaje al hacer una obra que tiene gran valía por si sola y esta a la altura de las antes referencias mencionadas.

Aronofsky nos trae su quinta película mas en la onda de su excelente y surrealista Requiem Por Un Sueño (2000), El Cisne Negro derivo de un proyecto que originalmente iba a ser una historia de amor entre una bailarina clásica y un luchador libre, dos mundos que para el director son iguales de duros, pero al final decidió hacer dos cintas separadas, la primera The Westler (El luchador) con un excelente nominado al oscar Mickey Rourke y ahora la que nos trae a esta reseña.

Natalie Portman (Nina) interpreta a una joven bailarina presionda en un principio por conseguir el papel estelar del espectáculo y después que lo logra la inseguridad se apodera de ella al ver como enemiga a una de las interpretes del reparto (Mila Kunis) la cual no sabemos si es real o producto de su inmaginacion, también se encuentra el director del Ballet (Vicent Cassel) sumamente exigente con Nina por ser la figura estelar y la cual sentirá emociones encontradas por el, completan el cuadro la madre de Nina, bailarina frustrada y sumamente posesiva, estos tres personajes serán factores claves en el espiral de locura en el cual se sumergirá Nina.

La actuación de Natalie Portman es descomunal, no hay duda que se llevara el Oscar, todas las demás nominadas están a kilómetros de distancia de ella, la variedad de gestos y emociones que conjuga la Portman al interpretar a una bailarina llena de complejos y reprimida sexualmente mientras su verdadero yo escondido lucha por emerger es de un registro actoral difícil pero difícil de lograr y ella lo consigue a la perfección, es la mejor interpretación femenina que he visto en años, de seguir así podría convertirse en la próxima Meryl Streep, la dirección de Aronofsky es precisa y cuidada en todos los detalles, los elementos de terror y suspenso acompañados en momentos de acertados efectos visuales pasan a ser otra coreografía mas en donde el performance va in crescendo hasta llegar al cierre sublime del espectáculo.

El Cisne Negro es la mejor cinta de las 10 nominadas al Oscar pero la academia generalmente no se inclina por trabajos experimentales y osados de este tipo, lo mas seguro es que la vencedora sea La Red Social otra excelente película que se amolda mas al gusto de la comunidad del Oscar, de todos modos ya El Cisne Negro tiene su sitial de honor entre las mejores de todos los tiempos. .

PUNTUACIÓN: 10/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=5jaI1XOB-bs

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BALADA TRISTE DE TROMPETA De Alex De La Iglesia

LA BALADA DE RAPHAEL LLEVADA AL GORE

 

El titulo de la ultima cinta de Alex De La Iglesia pertenece a una canción del famoso Raphael la cual interpretaba vestido de payaso, con ese tema y la ambientación de la historia en la era Franquista, Alex monta esta sátira Gore del mundo del circo en torno al triángulo amoroso entre dos payasos y una preciosa trapecista.

De La Iglesia es otro que se ama o se odia, entre su filmografia encontramos cintas como: El día de la bestia, La comunidad, Perdita Durango o Crimen ferpecto, la onda de este realizador es hacer cine de entretenimiento pero del bueno y allí radica que un grupo de conservadores intenten marginarlo, lo que no pueden ocultar es que el director tiene su sello personal: Personajes grotescos, comedia negra y un exquisito morbo por la violencia y el sexo, Alex se defiende afirmando que el cine no tiene porque tener siempre moralidad, es cierto el arte es libre y esta en parte para provocar los sentidos de quien mira lo expuesto, cuando un artista comienza a ser controlado y se le dice que es lo que debe o no mostrar el arte muere así de sencillo, por lo tanto si a un espectador no le gusta algo (que es totalmente valido) simplemente retírese al menos que su critica en el caso del cine sea por el mal empleo de las formas cinematográficas pero no por el contenido.

La trama se inicia en la infancia de Javier (Carlos Areces) hijo de un payaso de circo que presencia como su padre en pleno espectáculo es reclutado por el ejercito en el auge de la guerra civil española y así mismo vestidos con su indumentaria de espectáculo son lanzados al combate feroz en la mejor escena de la cinta con sangre y mutilaciones por dondequiera, ver al padre de Javier vestido de payaso con dos ametralladoras en mano encabezando esta

carnicería surrealista nos da el preludio de que lo que seguiremos viendo no defraudara.

Antes de morir su padre, Javier recibe el ultimo consejo que lo marcara de por vida:"tu nunca podrás ser el payaso alegre, no sabes hacer reír a los niños siempre seras el payaso triste, al menos que desates la venganza".

Y así mediante una utilización excelente de imágenes y películas de archivo se nos contextualiza ya en los 70's en donde Javier adulto trabaja en un circo como el payaso triste es allí donde

conocerá a dos personajes que le darán un giro a su vida, por un lado la hermosa trapecista Natalia (Carolina Bang) de la cual Javier automáticamente se enamora y su novio Sergio (un estupendo Antonio de la Torre) como el mejor payaso del circo pero irónicamente un borracho despreciable, violento que no tiene ningún reparo en darle palizas a Natalia, sin embargo Natalia se sentirá atraída por la obscuridad de este y al mismo tiempo por la inocencia de Javier, este triángulo se ira intensificando y la batalla por Natalia llegara a niveles extremos.

La cinta es de las producciones mas imponentes que he visto en película española alguna, la dirección de arte, el vestuario (ganadores del Goya) y un montaje sensacional, dinámico (excelentes los créditos de apertura) unos efectos visuales muy convincentes unidos a las excelentes interpretaciones de todo el elenco hacen de esta comedia negra gore tal vez la mejor cinta española del 2010, a pesar de los conservadores que reniegan del cine de Alex De La Iglesia, bueno que se estrellen sus cabezas contra la pared.

9.5/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=Ura85FQoUl4

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ENTER THE VOID de Gaspar Noe

LA REVUELTA DE GASPAR NOE

 

El director argentino radicado en Francia nos presenta su alucinante tercer largometraje, el primero Solo Contra El Mundo (1998) nos introdujo en la mente de un Psicópata con un desprecio por la vida y la humanidad manifestados de forma radical con una violencia desgarradora, Gaspar nos trajo una propuesta provocadora y retadora en la cual al iniciarse la cinta alertaba a la audiencia que tenía 30 segundos para dejar de ver la película o quedaban bajo su riesgo ante lo que iban a presenciar.

Pero fue en el 2001 cuando Gaspar Noe adquirió fama mundial con la ya cinta de culto IRREVERSIBLE con la espectacular Monica Bellucci, cinta que se iniciaba brutalmente desde su desenlace e iba retrocediendo hasta llegar al principio, la famosa escena de la brutal violación de la Bellucci en tiempo real con una cámara fija durante 10 minutos, que provoco que mucha gente abandonara la sala es ya toda una leyenda en la historia del septimo arte.

Lo de Gaspar es impactar al espectador tanto en sus propuestas visualmente desafiantes como en sus temáticas crudas que exploran sin ningún

tipo de concesión el lado mas obscuro del ser humano que se encuentra en todos nosotros latente pero que tratamos de hacernos la vista gorda e ignorarlo, pero ahí esta Gaspar para recordarlosno y restregárnoslo en nuestra cara, por eso con el no hay medios tintes o se odia o se ama, en lo que si coinciden todos y no se lo pueden negar es que es un extraordinario cineasta que busca mostrarnos algo que antes no hayamos visto y lo logra con creces con su ultima magna producción ENTER THE VOID.

Por un lado esta vez Gaspar abandona en cierta medida la violencia con la que se dio fama en sus dos anteriores obras pero se crece en cuanto a la radicalizacion de su propuesta destinada a romper las formas narrativas cinematográficas conocidas en su empeño de mostrar algo trascendental e innovador y vaya que lo logra, desde que se inicia la obra con su ya sello de presentar los créditos

como si fueran disparos dirigidos al espectador, el manejo de la cámara, la estructura narrativa y un delirante montaje funcionan para situar a la audiencia en la piel de un traficante y drogadicto desde la exótica ciudad de Tokyo en primera persona, la cámara se ubica en una constante subjetiva y espectaculares tomas cenitales, somos los ojos del personaje y voy mucho mas allá tal vez Gaspar nos convierte en los protagonistas de la historia ya que quienes experimentaremos todo este viaje psicodelico y surrealista somos nosotros. Explicar la trama de esta impresionante historia es como tratar de describir un cuadro de Picasso sin verlo, lo único que queda es verla, ¡véala!, si le sirve de consuelo cercanos a los primeros 20 minutos de haberse iniciado la cinta en una conversación entre el personaje principal (o usted) y un amigo se rebela de que va a tratarse el viaje que poco después se iniciara, lo que queda es relajarse, despojarse de sus creencias religiosas y sumergirse en la vertiginosa

imaginaria de Gaspar Noe.

Que tenga un buen viaje.

10/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=lI89ovR36r0

alf_cols@hotmail.com

LET ME IN (Déjame Entrar) de Matt Reeves.

DEL BEST-SELLER A LA GRAN PANTALLA

 

El best-seller mundial del sueco John Ajuide Lindquist fue llevado por primera vez al cine en el 2009 en su tierra natal por Tomas Alfredson, la cinta fue todo un éxito ganando varios premios en diversos festivales, en mi lista de las 30 mejores del año antepasado Let The Right On In quedo entre las 10 mejores, me sorprende que Hollywood al siguiente año halla hecho su versión

que es tan valida como su antecesora debido al enfoque diferente que le dio Matt Reeves, ambas conservan la misma emotividad de la historia de amor entre dos niños,uno humano, la otra vampira, las actuaciones de los niños en ambas son extraordinarias ya que en esta ultima se le da un matiz diferente a sus personalidades lo cual hace difícil escojer cual de las dos es mejor, lo que si es cierto es que la niña sueca por sus rasgos físicos ambiguos lucia mas atemorizante, para compensar eso esta nueva versión es mucho mas terrorífica y el suspenso de mucha mas intensidad, de lo que peca esta y no la sueca es la utilización de efectos visuales un tanto rudimentarios para congraciarse un poco con el tipo de efectismo al que están acostumbrados en U.S.A, afortunadamente es poco y honestamente no afecta en lo absoluto a la cinta como un todo.

Donde si supera esta ultima a la sueca es que por contar con mas recursos el trabajo a nivel de fotografía y de musicalizacion es excelente reforzando los momentos de suspenso y de clímax.

Reeves aprovechando que la historia se desarrolla en lo 80's utiliza el contexto de la era Reagan (a quien vemos en televisión con sus hipócritas discursos) para criticar la falta de tolerancia y el excesivo prejuicio racial y religioso por aquel que se muestra diferente a lo establecido por una sociedad ultra conservadora.

Let Me In se revela como una verdadera sorpresa ante una cinta predecesora que parecía

imposible de igualar, si se lo propone el Sr. Matt Reeves puede seguir por buen camino.

9.4/10

Ver Trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=reRRAEVHq8E

MILLENNIUM 3 De Daniel Alfredson

La trilogía Millennium del best-seller de otro sueco Stieg Larsson quien nunca vio el inmenso éxito de sus novelas ya que murió

antes de que fueran publicadas finaliza con esta tercera entrega

en donde se lleva a cabo el juicio de la heroína Lisbeth Salander mientras su amigo y editor en jefe de las publicaciones MILLENNIUM Mikael Blomkuist para sacarla de una condena que la lleve de vuelta a un hospital Psiquiátrico (en donde de ñiña fue abusada y torturada por el mismo medico que se encuentra en el juicio esperando que caiga nuevamente en sus manos) ira descubriendo y revelando toda una red de

corrupción que llega a las mas altas esferas del poder en donde Salander es una pieza importante que debe ser silenciada.

La adrenalina y el suspenso de esta carrera contra el reloj de Mikael para salvar a Lisbeth son de pronostico reservado, solo puedo decir que las obras de Larsson es de lo mejor que se ha escrito en lo que al genero negro detectivesco se refiere, este cierre con broche de oro de la versión Suiza del Best-Seller, nos prepara para la versión norte americana a cargo de nada menos y nada mas que David Fincher, firme candidato a llevarse este año el oscar al mejor director, estoy seguro que su visión de la obra no nos defraudara.

8.5/10

Ver Trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=rEJ9s4O96_w

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TRUE GRIT (TEMPLE DE ACERO) De Joel y Ethan Coen

EL BLOCKBUSTER DE LOS COHEN

 

Los legendarios hermanos Coen han sido amados y venerados tanto por la critica y comunidad cinematográfica mundial,así

ganaron Cannes con Barton Fink y el Oscar con No Es

Pais Para Viejos, True Grit viene a ser la cuarta cinta de los Coen nominada a Mejor Película de un total de nueve postulaciones, ninguno de sus largometrajes había recaudado la cifra mágica para Hollywood de los cien millones de dolares (los Blockbusters) y es irónicamente que lo hacen con Steven Spielberg de productor ejecutivo, padre de los Blockbusters con la cinta que le diera fama mundial y primera en llegar a esa cifra en 1975 TIBURÓN.

¿Acaso los Coen se vendieron con su éxito que lleva recaudado tan solo en U.S.A mas de 160 millones de dolares? no lo creo su sello personal sigue estando de pie en esta versión de la novela de Charles Portis y que fue ya llevada a la gran pantalla en 1969 con John Wayne a la cabeza dándole su único Oscar al mejor actor ya entrando al ocaso de su carrera, papel que hoy interpreta Jeff Bridges como el borracho comisario Rooster.

Esta nueva versión de los Cohen del libro mas no de la antigua película, supera en todos los aspectos a su predecesora, comenzando por el trabajo de dirección de arte y por supuesto de cinematografía, en el renglón actoral todo el elenco realiza un trabajo mas convincente comenzando por el propio Bridges ganador del oscar el año pasado y compitiendo nuevamente en la categoría de Mejor actor por este papel que para el dolor de los fanáticos de John Wayne lo rebasa y con creces, la niña Hailee Steinfeld nominada al oscar como mejor actriz de reparto surge como una autentica revelación como Mattie Ross la valiente chiquilla que busca justicia por el asesinato de su padre a manos del cobarde Tom Chaney (Josh Brolin) y que contrata a Rooster para que lo capture, completan el reparto Matt Damon como Labouef, el ranger quien también anda a la caza de Chaney uniéndose a Rooster y Mattie en su cruzada por las grandes praderas del lejano oeste.
True Grit es una perfecta cinta de entretenimiento pero hecha con la mística de los Cohen, no es de sus mejores obras pero es un buen Western que sera del disfrute de todas las audiencias.

8.4/10

TRAILER:

http://www.youtube.com/results?search_query=true+grit+trailer&aq=4

alf_cols@hotmail.com

EL INFIERNO de Luis Estrada

¡ MÉXICO LINDO Y QUERIDO!

 

Es satisfactorio ver el inmenso avance del cine latinoamericano el cual a estas alturas no tiene nada que envidiarle a lo que nos llega desde Hollywood ni al ya consagrado artisticamente

Europeo , se ha conseguido hacer que nuestras propias

temáticas y realidades sean comprendidas y aceptadas mundialmente, ir de lo local, lo autóctono a lo universal, esto nos lleva a la excelente cinta EL INFIERNO de México que junto al HOMBRE DE AL LADO de Argentina son la mejores realizaciones del 2010 en lo que al cine del mal llamado tercer mundo Americano se refiere.

Esta inteligente comedia repleta de un humor negro y ácido no deja de hacernos reír, impactar por su crudeza y lo mas importante reflexionar, por que debajo de todo esa comicidad emerge una critica a la violencia surgida en México por el narcotrafico, como esta corrompe todas las esferas de poder y lo mas duro como se evidencia un callejón sin salida debido a los altos niveles de pobreza, donde la única manera de sobrevivir es siendo participe de alguna forma de este polémico negocio que mueve miles y miles de millones de dolares.

Benny Garcia (Damian Alcazar) después de haberse ido clandestinamente 20 años a los Estados Unidos finalmente es deportado, al regresar a su pueblo natal se entera de que su hermano se unió a las filas del narcotrafico para luego ser asesinado y dejar desamparados a su único hijo y mujer quien ejerce de prostituta en una taberna, Benny jura ante la tumba de su hermano cuidar de su sobrino, en el proceso este se enamora de la ex de su hermano y al darse cuenta que no tiene suficiente dinero para sacar adelante a los dos se une con su mejor amigo de la infancia quien es la mano derecha de uno de los capos mas grande del pueblo y comienza a trabajar para la narcofamilia disparatada, sangrienta pero divertidisima.

Benny a medida que va ganado grandes cantidades de dinero se ira perdiendo en ese

sórdido mundo que para colmo se encuentra en pie de guerra entre los dos capos hermanos que se disputan el poder.

Absolutamente todo el elenco es de un nivel profesional asombroso, sus interpretaciones unidas a sus rasgos físicos nos hacen dudar si son actores o se están interpretando así mismos lo que prueba que no hace falta incluir modelos,

misses o galanes de turno para que una historia sea atractiva, si no actores de verdad con la capacidad de crear la ilusión de que lo que presenciamos es la realidad.

Las situaciones cómicas que abundan en la película, excelentes diálogos llenos de dialéctica

típica Mexicana y los personajes caricaturescos en forma de burla surgen aunque parezca mentira de una realidad inverosímil y surrealista, por eso fue acertadisimo el camino de la sátira

humorística escogida por Luis Estrada.

No exagero al decir que El INFIERNO es la mejor comedia latinoamericana que he presenciado, dos horas y media de entretenimiento puro pero con sentido común, ya es hora que nuevamente redescubramos nuestro cine hispano y de seguro muchos se sorprenderán con joyas como estas.

¡QUE VIVA MÉXICO, ORALE!

9.5/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=suJTY94dH1I

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YO SOY AMOR (I AM LOVE) de Luca Guadagnino

EL HEREDERO DE LA COSA NOSTRA

Dos de los mas grandes directores italianos Luchino Visconti (El Gatopardo) y Michelangelo Antonioni (Blow Up) han sido condensados y redimensionados de una manera asombrosa por Luca Guadagnino a quien la critica señala con su ultima cinta I AM LOVE como heredero de la genealidad de estas dos grandes leyendas, un soberano cumplido para cualquier director, al ver esta imponente obra no podía estar mas de acuerdo con esa aseveración, el señor Guadagnino amenaza en convertirse en un genio del séptimo arte de su generación si sus próximas propuestas logran la perfección de I AM LOVE.

Se nos presenta la historia de una familia burgués en donde la actriz británica Tilda Swinton (en una espectacular interpretación superior a la que la hizo merecer el Oscar por Michael Clayton) nos deleita como Emma una esposa y madre atrapada en un mundo frívolo el cual lo único que le ofrece es comfort en sacrificio a sus aspiraciones personales las cuales nunca son mencionadas pero el espectador las intuye a través de las expresiones de la magnifica Swinton las cuales nos revelan que algo anda mal.

La historia dará un giro cuando esta conoce a un amigo de su hijo el cual es un excelente chef Antonio, con sus exóticos platos comenzara a despertar la pasión en una mujer que tenia este tipo de deseos reprimidos por mucho tiempo, por otro lado su hija también se revelara

comenzando una relación homosexual, quien representa la parte conservadora es su hijo quien se niega a que el negocio familiar textilero heredado del abuelo sea absorbido por una transnacional con el consentimiento de su padre y así romper la tradición de esta dinastía. Estas tres situaciones se fusionaran llevándonos al clímax de este gran melodrama.

Guadagnino estimula todos los sentidos del espectador y así absorberlo sin manera de escape:

- A través de la vista se detalla el lujo y las costumbres de la burguesía, es aquí donde se ve la gran influencia de Visconti quien con gran majestuosidad retrataba a las altas clases sociales para desde allí discernirla y criticarla, se nos muestra una fotografía de textura opaca con una posible doble intención hacer atemporal el relato y homenajear a la época de oro del cine italiano de los 50, 60 y parte de los 70, así como utilizar zoom rápidos, tomas fueras de foco en donde suceden situaciones trascendentales como la primera vez que el chef en su plantación de hortalizas besa por primera vez a Emma.

- Lo antes expuesto a nivel de fotografía nos lleva al tacto que se complementa con el romance de Emma y Antonio, las escenas de amor son de una elegancia y erotismo magnetizantes a pesar de que Tilda Swinton no es del prototipo de belleza estándar, ya el director se ha encargado previamente de preparar el terreno haciendo de estas escenas memorables, excelente cuando hacen el amor a campo abierto con close up de sus cuerpos y tomas de los pequeños animales y el hábitat natural que los rodea, es en el manejo de la cámara en donde radica la influencia de Antonioni.

- El olfato y el gusto se manifiestan por medio la comida la cual es captada y tratada de tal manera que prácticamente olemos y degustamos cada

plato que aparece lo cual se evidencia en la sublime secuencia en la que Emma entra en éxtasis en el restaurante de Antonio con un exquisito manjar elaborado por el mismo, la forma como se muestra como Emma alcanza un orgasmo

gastronómico bajando la intensidad de la

iluminación del resto de las personas y aumentando la de ella con un rojo intenso hace agua en la boca del mas apático visionador.

- Y finalmente el oído con una elocuente banda sonora que pasa a ser un personaje mas del relato compuesta por John Adams , el cual nos recuerda a Hithchcok donde en sus films la música

reforzaba con gran atino los momentos pre-dramáticos y alcanzaba proporciones celestiales ya en el furor de los mismos.

En el espectador quedara juzgar si estuvo en presencia de un trágico melodrama o una propuesta que utilizando los mismos recursos clásicos del genero nos revela un cambio de paradigma .

I AM LOVE es una de esas magnas obras que comienzan a divulgarse poco a poco y al final terminan convirtiéndose en grandes referencias cinematográficas, si usted es amante del cine en su expresión artística en estado puro, esta es una obra imprescindible.

PUNTUACIÓN: 10 /10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=UUXEAhJb O0

alf_cols@hotmail.com

UN PROFETA DE Jacques Audiard

Un joven Frances de ascendencia Arabe con tan solo 19 años interpretado por Tahar Rahim ingresa a la cárcel por supuestamente atacar a un policía, la cinta violenta y cruda muestra como este ser en un principio inocente y analfabeta es reclutado forzosamente por la mafia Corsa que opera dentro del presidio de la cual recibe humillaciones y desprecios por su origen, sin embargo a través del tiempo este se ganara la confianza de su máximo líder por su rápido aprendizaje, debido a un beneficio que se le otorga de salidas controladas al exterior se convertirá en el enlace del anciano capo en sus negocios por la imposibilidad de este salir, lo cual sera aprovechado por su pupilo.

Ganadora del festival de Cannes 2009, este relato Francés muestra un mundo donde la única forma de sobrevivir es devorarse unos a los otros con un sistema penitenciario corrupto que se convierte en una universidad de la criminalidad de donde este joven se gradúa Honoris Causa además de exponerse la xenofobia como gran problema que afronta la nación Francesa de gran inmigración sobre todo de los países Árabes.
Todo el reparto es de un altísimo nivel interpretativo infundiendo temor en el espectador quien presencia un desfile de brutales criminales, pero en este universo cruel y sórdido irónicamente el que se muestra mas inofensivo es al que hay que tenerle mas miedo.

7.5/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=-MD7JA4BeOU


WINTER´S BONES DE Debra Granik

Otra cinta que nos presenta una realidad que queremos ver
de lejitos desde la pantalla es Huesos de Invierno, ganadora del SUNDANCE festival y con cuatro nominaciones al Oscar incluida Mejor Película, el largometraje independiente (no proveniente de los grandes estudios) mas alavado del 2010 narra la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence, nominada al oscar como mejor actriz) una adolescente de 17 años obligada por la desaparición de su padre a convertirse en cabeza de la familia y cuidar de sus dos hermanos menores y una madre practicamente discapacitada, el colmo llegara cuando es notificada de que la familia perderá todo debido a que su padre inmerso en asuntos turbios hipoteco la propiedad como pago de la fianza de libertad, Ree recorrerá los desolados, fríos y atemorizantes parajes de una de las zonas mas pobres de Misuri en busca de su progenitor o en el peor de los casos de su cadáver para así impedir que la familia quede sin techo.

La mayoría de los personajes que irán apareciendo emanan un aura de intimidacion, desconfianza y rudeza influenciados por el duro entorno en que viven destacando Teardrop (John Hawkes también nominado como mejor actor secundario) tío de Ree y hermano de su padre quien a pesar de mostrarse en un principio siniestro se ira redimiendo en el transcurso del metraje ayudando a su sobrina a encontrarlo. La verdadera revelación actoral se da en la figura de Ree Dolly con una joven Jennifer Lawrence dando una clase magistral interpretativa de mujer rural y de fuerte temple que no descansara a pesar de todas las adversidades a decifrar el misterio detrás de la desaparición de su padre, bien merecida su nominación pero hasta ahora su verduga ha sido Natalie Portman, esperemos que pasa en los Oscares.

Huesos de Invierno se adentra en lo mas profundo de los Estados Unidos y nos muestra como una cachetada esos miles de seres en desgracia que mediaticamente se pretenden ocultar pero que están allí latentes a pesar de que no quieran reconocerlos.

7.7/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=RVshICCmlIE
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I SAW THE DEVIL (YO VI AL DIABLO) De Kim ji-Woon

SI EL DIABLO ES ASÍ, ¡QUE VENGA!

 

Después de habernos regalado una obra maestra como lo fue A Tale Of Two Sisters (Un cuento de dos hermanas), Kim ji-Woon vuelve a entregarnos una cinta monstruosa como lo es I Saw The Devil, aquí no hay ni segundos de desperdicio durante sus casi dos horas y media de metraje los cuales parecen que fueran menos debido a lo impactante, trepidante y emocionante de la historia que el espectador queda totalmente hipnotizado.

Escalofriante, sangrienta, sin concesiones y hasta en algunos puntos conmovedora son otros calificativos para esta ya automáticamente cinta de culto la cual no tengo la menor duda que Hollywood ya este maquinando su respectivo remake.

La trama es un duelo espectacular entre un asesino en serie interpretado por Choi Min-sik (el mismo de otra clásica cinta Coreana Old Boy) versus Lee Byung-hun como el policía que busca vengar la muerte de su prometida a manos de este.

La caracterización de Choi Min-sik es de las mas memorables que se hayan visto en la galería de psicópatas del celuloide cinefilo, al nivel de un Hannibal Lecter o el temible Javier Bardem en No es País Para Viejos, aunque el personaje de Min-sik se diferencia de los dos anteriores de temperamentos friós y calmados en que este es volátil, esquizofrenico y sádico violador.

Lo destacable es como a medida que avanza la historia tanto los asesinatos del perturbado homicida como la venganza que vierte sobre este el policía que abarca la mayoría de la película son ambos brutales y desquiciantes en donde el vengador abandona su humanidad para convertirse en un monstruo que se enfrenta a otro sin percatarse de las nefastas consecuencias que repercutirán en el y su entorno.

Toda la ultra violencia en I Saw The Devil esta plenamente justificada y nos damos cuenta de esto en su desenlace que la redime y nos hace ver que presenciamos una pieza totalmente blindada.

PUNTUACIÓN: 10/10

Para ver el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=nY5Fq68To0E

alf_cols@hotmail.com

NEVER LET ME GO De Mark Romanek

De Inglaterra nos llega la adaptación del libro del japones Kazuo Ishiguro, la ciencia ha avanzado a tal nivel que somos capaces de crear clones cuyo objetivo es que donen sus órganos a la humanidad con el fin de aumentar la expectativa de vida, ¿Pero estos clones no son humanos

también?, respiran, comen, piensan, sufren, aman, pero todo esto parece no importarle al resto que en su afán de erradicar su penuria individual sacrifican a otros.

Estos clones son colocados desde pequeños en institutos especiales en donde es controlada estrictamente su salud para que cuando lleguen a la adultes comiencen a donar poco a poco sus órganos hasta la llegada de la muerte.

La trama se centra en tres amigos que desde la infancia han sido preparados para esto y como afrontan este fatídico destino en total sumisión y prácticamente aceptando que su sacrificio representa algo extraordinario por el bien colectivo.

Encabezan esta conmovedora historia Carey Mulligan nominada al Oscar por An Education,

Andrew Garfield de La Red Social y Keira Knightley mejor conocida por Piratas del Caribe.

8/10

EL MAL AJENO De Oskar Santos

Producida por Alejando Amenabar director de Los Otros,Tesis y la oscarizada Mar Adentro, esta cinta Española nos presenta a un medico (Eduardo Noriega) que ha perdido total sensibilidad por los pacientes hasta que uno de ellos la colombiana Angie Cepeda cae en coma por tratar de suicidarse con píldoras y estando embarazada,su pareja culpara al medico por lo acontecido y le disparara en el estacionamiento del hospital, cuando este despierta se encuentra en perfecto estado y recibe la noticia de que su atacante se suicidó.

Mientras realiza su labor diaria se da cuenta que sus pacientes mejoran inexplicablemente incluyendo la salida en estado de coma de Angie Cepeda, Noriega descubre que este fenómeno

se da con tan solo tocar sus pacientes, lo que sigue a continuación en gran parte no se puede

revelar solo acotare que el medico emprende una cruzada por un lado para conseguir respuestas de como adquirió este don y por el otro que este tiene un condicionamiento difícil de aceptar por cualquier ser humano y que conlleva a voltear la mirada y sensibilizarse por EL MAL AJENO.

7.8/10

alf_cols@hotmail.com

WELCOME TO THE RILEYS de Jake Scott.

Disneyland, American Idol, MTV son algunos de los símbolos que identifican a la nación mas poderosa del mundo y que los medios televisivos reflejan como una nación prospera, llena de felicidad o sea el famoso American Dream, afortunadamente el cine sobre todo el independiente ha servido para mostrar que no todo es como lo pintan las grandes corporaciones mediáticas y que en la tierra del Tio Sam hay miseria, sufrimiento pero mas grave aun el quiebre de la familia como base de una sociedad.

Welcome to the Rileys es la historia de un matrimonio atormentado por la perdida de su única hija con una Melissa Leo (nominada al oscar por The Fighter) como una esposa recluida a voluntad propia en su casa, desconectada del mundo exterior y un esposo James Gandolfini (Los Sopranos) quien se resiste a ser complice del calvario de su mujer.

En un viaje para una convención en Nueva Orleans lugar emblemático lleno de tragedia, miseria y una de las ciudades mas peligrosas del mundo, Doug (Gandolfini) decide entrar a un bar de bailarinas exóticas donde conocerá a Mallory (Kristen Stewart) quien danza en el lugar ademas de ser prostituta con tan solo 16 años, Mallory le hará recordar a su extinta hija para lo cual este le pide mudarse a su maltrecha morada a cambio de pagarle 100 dolares diarios por su estadía.

Doug llama a su esposa dándole la noticia de que se

quedara allá por tiempo indefinido lo que hará

que esta sin saber manejar por fin salga de su auto-encarcelamiento y emprenda un viaje hacia Nueva Orleans en busca de el.

Doug cuidara de Mallory sin juzgarla o tratar de sacarla del mundo de prostitución y drogas en el cual esta sumergida, la relación de afecto padre e hija no explicita entre estos dos seres desolados funciona como anillo al dedo y logra cautivar al espectador sin en ningún momento caer en sentimentalismos baratos.

Los tres actores principales son sólidos en sus roles pero cabe destacar a Kristen Stewart en una interpretación bastante alejada de lo que estamos acostumbrados a verla en las sagas Twilight.

Welcome to the Rileys es una película sencilla, dura pero sincera que expone desde una perspectiva intimista de los personajes los Estados Unidos que casi no se muestra pero que existe y palpita a pesar de la desidia de aquellos que pretenden esconderla.

Con un desenlace que evade el happy end y también lo trágico Welcome to the Rileys fue una de las mejores del 2010 así traten muchos de ignorarla.

8.4/10

alf_cols@hotmail.com

THE KIDS ARE ALL RIGHT (LOS MUCHACHOS ESTÁN BIEN) de Lisa Cholodenko

Una feliz familia cuya cabeza son dos mujeres gays (Annette Bening y Julianne Moore) entra en crisis cuando sus dos hijos concebidos por inseminación artificial deciden ir en busca de su padre biológico donante del esperma (Mark Ruffalo) que fue depositado en los respectivos úteros de ambas mujeres.

Si esta comedia de una moderna familia es vista desde ese sutil punto de vista sera del agrado de la mayoría de sus espectadores, la única razón por la que creo fue nominada a Mejor Película al Oscar de este año es por plantear la importancia de la familia y que esta puede ser igual de funcional que una heterosexual con lo cual estoy de acuerdo, pero si se profundiza dentro de la propuesta encontraremos ciertas costuras y bien marcadas.

Se nos muestra una familia de padres gays que viven

armónicamente con su entorno social, ¿Por favor díganme en donde esta ubicado ese sitio?, en la cinta no se dice y conociendo lo ultra conservadora que suelen ser las comunidades estadounidenses me parece que la situación planteada aquí es producto de una ficción al nivel de Harry Potter.

La mayoría de los personajes heterosexuales son presentados como figuras amenazantes inclusive desde que comienza la cinta cuando vemos al hijo varón patinando con su prácticamente psicópata amigo y la breve aparición del violento padre de este o la amiga de la hija Mia Wasikowska (la Alicia de Tim Burton) la cual todo el tiempo habla de sexo dando a entender que es una potencial

promiscua pero la corona se la lleva Mark Ruffalo el padre biológico de ambos, inestable emocionalmente y que tiene un romance poco creíble con Julianne Moore siendo esta gay para colocar esta relación heterosexual como un peligro a la armonía de la familia, la directora Cholodenko defendiendo los derechos de la comunidad gay cae en el error de llenar de prejuicios, clichés (las dos protagonistas visten casi como hombres) y valores morales la anécdota que funciona a lo inverso de igual forma como esas historias conservadoras en donde los homosexuales son un virus a la "correctamente"sociedad heterosexual.

Si se pasan por alto estos detalles a mi juicio importantes, la cinta funciona como entretenimiento y con buenas interpretaciones sobre todo de Mark Ruffalo, en cuanto a Bening y Moore no convencen como pareja y mucho menos excitándose viendo pornos gays masculinas.

7.5/10

EL DISCURSO DEL REY De Tom Hooper.

Tras abdicar Eduardo VIII a la corona, Albert (Colin Firth) su hermano menor se convierte en Jorge VI de Inglaterra pero tiene un pequeño problema es tartamudo, esto desvelara la baja autoestima de un monarca que cree no poder con la responsabilidad que ha caído en sus hombros, incapaz de poder dirigirse a las masas su esposa la reina Elizabeth (Helena Bonham Carter) buscara auxilio de donde menos se espera, aquí entra el plebeyo Lionel (Geoffrey Rush) quien bajo unos métodos nada convencionales lo ayudara a que supere su discapacidad, reconozca su potencial y carisma de líder que esconde sobre todo en tiempos donde los vientos de guerra soplan en la figura de Adolfo Hitler.

La base del Discurso Del Rey es la amistad de estos dos hombres que provienen de mundos y estatus sociales diferentes y como ante la adversidad somos iguales, esta no distingue color, raza, religión o clase social.

En el plano actoral Firth, Rush y Carter tres veteranos actores lucen esplendidos en sus interpretaciones, merecidas sus nominaciones al Oscar en donde Firth prácticamente se ve imbatible, la puesta en escena cuidada en el mas mínimo detalle mas una fotografía cuyo eje son tomas con lentes gran angulares que deforman las imágenes mucho mas si están en primer plano

con el fin de acentuar la ironía de una élite en apariencia perfecta y el ingrediente de comicidad en la historia y sus personajes.

El discurso del rey es una gran producción, magníficamente interpretada de eso no hay duda, sin embargo no impresiona y creo que son de esas buenas cintas que se olvidan con el paso del tiempo al igual que Gente Ordinaria (1980), Carros de Fuego (1981) o África Mía (1985), todas ganadoras del Oscar a la Mejor Película pero sin incidencia en las nuevas generaciones de realizadores.

8/10

AFTERSHOCK de Feng Xiaogang.

Girando hacia Asia bajo una nación con un sistema político totalmente diferente al Ingles nos encontramos con esta monumental

superproducción china con un presupuesto de mas de veinte

millones de euros convirtiéndose en la segunda cinta mas taquillera en la historia de esa nación y la primera en proyectarse bajo el sistema IMAX. Aftershock se basa en el libro de Zhang Ling que cuenta la epopeya de una familia victima del devastador terremoto en el año 1976 ocurrido en Tangshang comunidad básicamente obrera, la tragedia es presentada en los primeros 15 minutos con unos asombrosos efectos visuales dignos de Hollywood con un realismo y crudeza pocas veces visto, allí una madre después de morir su esposo aplastado deberá escoger entre sus dos hijos atrapados en los escombros cual de ellos deberá ser rescatado en

una situación extrema entre la espada y la pared.

Lo que vendrá a continuación son las vivencias y diferentes giros en la trama (los cuales me reservo) de esta familia en un periodo de 32 años, marcada por aquella temible decisión.

La obra es un melodrama con todos los elementos de este tipo de historias, así que aquellos con tendencias a las lagrimas véanla con sus respectivos pañuelos. Feng Xiaogang hace incapie en subrayar el patriotismo hasta en la China de Mao Tse-Tung, tal vez por eso mas el exceso dramático con la explicita intención de conmover la cinta no quedo entre las cinco nominadas al oscar del 2011 como Mejor Película en habla foránea, aunque Xiaogang no estuvo de acuerdo en que esta fuera postulada por su país a los Oscar ya que para el esta obra estaba dedicada exclusivamente a las audiencias chinas que si se identificarían con lo allí planteado, viendo el éxito de la misma queda justificado.

A pesar de todo lo que se le pueda criticar a esta propuesta, sus algunas actuaciones subidas de tono y su largo metraje algo lento pero intimista, no se puede negar que engancha desde el primer momento quedando uno a merced de esta.

8.4/10

alf_cols@hotmail.com

EL HOMBRE DE AL LADO De Mariano Cohn y Gaston Duprat

Excelente comedia negra argentina reconocida con varios premios internacionales incluyendo su nominación a los Goya, narra la historia de un exitoso arquitecto de clase media alta Leonardo sólidamente encarnado por Rafael Spregelburd, este vive con su esposa e hija adolescente en una hermosa casa patrimonio arquitectónico de Argentina, la aparente vida perfecta de este hombre se vera amenazada cuando aparece su vecino Victor (un incomparable Daniel Araoz) el cual vive en un apartamento de un edificio ubicado al lado, este tumba una pared para construir una ventana con mira a la casa ya que desea que entre un poco de luz de sol a lo cual se opone Leonardo y su esposa alegando que estaría invadiendo su "privacidad" cuando lo que queda expuesto son las diferencias sociales y culturales entre Leonardo y Victor uno refinado,

prepotente y clasista mientras Victor es lo opuesto. La disputa por la ventana y los intentos de Victor de entablar amistad con Leonardo servirán como catalizador para mostrar la dura realidad que se esconde en la vida del arquitecto.

Leonardo es un individuo dominado por su esposa, con una hija que no le habla, no emite palabra alguna y siempre esta bailando con unos audífonos, (importante el detalle de poner un retrato del che en su cuarto),

irónicamente Victor si logra hacer conexión con ella desde su ventana con unos performance teatrales por medio de sus manos.

Los complejos e ideas preconcebidas de Leonardo

debido a su condición burges harán difícil el acercamiento entre estos dos seres que estando uno al lado del otro representan dos mundos apartes.

Con un texto brillante lleno de diálogos irónicos mas un manejo hábil por parte de los directores de la comedia en este caso obscurisima con pinceladas dramáticas y lo mejor de todo su final sorprendente convierten a El hombre de al lado en tal vez la mejor cinta latinoamericana del 2010.

¡No deje que se la cuenten, véala!

9/10

alf_cols@hotmil.com

LE CONCERT (EL CONCIERTO) De Radu Mihaileanu.

Cinta francesa estrenada a finales del 2009 y a nivel mundial el año pasado, llego a estar nominada a 8 Cesares (Oscar Francés) y este año al Golden Globe como Mejor Película en idioma foráneo.
Bajo el esquema narrativo de la comedia se nos cuenta la historia de el ex-director de orquesta Andrei quien se encarga de limpiar las instalaciones del teatro del BOLSHOI (orquesta rusa) por perder su prestigiosa posición 30 años atrás por negarse a sacar de la misma a músicos judíos.
Ahora a Andrei se le presenta la oportunidad junto con sus antiguos compañeros de engañar al director del Bolshoi y tocar en el prestigioso teatro Francés CHATELET de París, la comicidad se da por una parte debido a que Andrei para completar la orquesta recluta unos desordenados y disparatados músicos gitanos, en el plano político su ex-manager Ivan Gavrilov responsable de arruinar la brillante carrera de Andrei por pedido del mismo se encarga nuevamente de manejar la orquesta pero Ivan comunista consumado continua añorando los viejos tiempos de la gran Unión Soviética sin percatarse que el mundo ha cambiado, además se le agrega el choque cultural entre la idiosincrasia de los Rusos y Franceses todo esto con un humor inteligente y elegante.

Pero la pieza clave para el emotivo desenlace de la historia se encuentra en Melanie Laurent, (la revelación de los Bastardos sin Gloria de Tarantino) la cual interpreta a una prodigiosa violinista Francesa la cual Ivan ha solicitado específicamente como solista para el perfomance en la Chatelet. La cinta en sus dos horas de duración se va armando para llevarnos al cierre con broche de oro con la actuación de la orquesta en donde hasta aquel que no le guste la música clásica caerá rendido ante la conjunción de emociones y factores dramáticos que se ensamblan al compás de las notas escritas por CHAIKOVSKY.
Recomendación: Coja aire o tenga un pañuelo.

8.2/10

CATFISH De Henry Joost y Ariel Schulman.

En el 2008 estos dos cineastas deciden documentar la amistad que por Internet tiene Nev hermano de Ariel con una niña Abby, ambos nunca se han visto la cara, Nev de profesión fotógrafo es impresionado por las pinturas que les manda Abby de sus fotografías sobre todo de bailarinas, la niña es un prodigio del lienzo por lo que la relación se va intensificando, Nev ira conociendo a través de las redes sociales sobre todo por Facebook a los familiares de Abby pero en especial a su hermana mayor Megan, una escultural mujer bailarina además de compositora y cantante, se establece una conexión entre ambos con gran potencial de romance, un día Nev y los dos directores escuchando las canciones que Megan le manda descubren que estas pertenecen a otra persona y que es muy posible que ni siquiera ella sea la voz interprete, por lo cual Nev con el dúo de documentalistas indagan mas en Megan decidiendo hacerle una visita sorpresa en la granja donde vive para por fin conocerla personalmente.

Hasta aquí puedo contarles, para algunos la trama es demasiada perfecta y por ende debe tener un guión detrás de ella, sus realizadores sostienen que lo ocurrido es cierto y quedaron tan atónitos con la verdad al igual que los que la han visto, solo les diré que en esta cinta experimentaran tres emociones:

1- Una divertida historia real de un hombre que entabla una curiosa amistad con una niña y su hermana sin nunca verse cara a cara solo por fotos a través de Internet.

2- El mejor suspenso al mejor estilo de Hitchcock mientras el trió trata de resolver el enigma detrás de esta peculiar amistad.

3- Un final con broche de oro conmovedor y de gran reflexión.

Una cinta con todos esos elementos es sencillamente imprescindible, véala y no permita por nada del mundo que se la cuenten.

9/10

alf_cols@hotmail.com