Gore Verbinski el responsable de las exitosas Piratas Del Caribe (la ultima entrega dejó mucho que desear) se viene ahora con el bastante viejo icono norteamericano del oeste con Johnny Depp como el indio Toro (no podía ser otro papel) y Armie Hammer, actor poco conocido (La Red Social, J. Edgar), en la piel del llanero solitario. La producción que tuvo un costo de más de 200 millones de dólares lo cual no se nota mucho en pantalla, solo recaudó en suelo estadounidense un poco más de 80 millones de dólares lo que supone un estruendoso fracaso y que algunas cabezas rodaran, al menos que la cinta se recupere en la taquilla internacional, algo difícil para un personaje ya chapado a la antigua y de poco asiento en las masas ajenas a la cultura del lejano oeste gringo. Tal vez por ello es que su director decidió acentuar el peso en la estrella Depp como un Toro estrambótico y lleno de humor negro, mas una historia que se alza como una parodia humorística, en vez de un western épico que fue como nos fue vendido el producto.
Haciendo un análisis frío, sin dejarnos llevar por las emociones de aquellos que parecen que quieren la cabeza de Johnny Depp, quien no ha escogido muy bien sus últimos trabajos, tenemos una pieza que puede tener dos lecturas: Si el señor Verbinski lo que quiso hacer fue una comedia para burlarse de toda la prepotencia blanca histórica y reivindicar al real nativo americano, entonces en cierta medida lo logró, el humor está bien manejado sin llegar a nada extraordinario y la obra cumple su cometido de entretener, pero si su intención era rescatar al personaje y llevarlo a las nuevas generaciones para nivelarlo con un Batman, Spiderman, Iron Man o por parte de Depp con el mismísimo Jack Sparrow entonces la metida de pata es astronómica, porque todos los elementos de la trama estarían bien exceptuando a nada menos y nada más que al llanero solitario, cuyo enfoque en vez de glorificarlo, lo degrada y ridiculiza en pro de que se destaque la estrella Depp, lo que hace que el aura heroica del caracter se vaya al demonio por lo cual es lógico que aquel que esperaba un western a todo trapo salga decepcionado.
Después de verla me inclino por la primera lectura y culpo de su fracaso a una venta publicitaria errática y engañosa.
De la legendaria serie de televisión creada por Gene Roddenberry la cual fue un fracaso en su temporada de transmisión en los 60 para luego en su retransmisión en los 70 convertirse en un icono pop y generar cinco películas con el reparto original y otra serie en los 90 con nuevo elenco, surge esta precuela cinematográfica de los inicios de las aventuras del capitán Kirk y el señor Spock a bordo de la nave Enterprise, la primera cinta de este nuevo enfoque de Viaje A Las Estrellas fue consumada en el 2009 por J. J. Abrams quien venía de realizar la notoria Misión Imposible 3, el éxito comercial pero sobre todo artístico del Star Trek de Abrams se debió al respeto por el espíritu de la serie original y las películas previas mas una correcta selección del casting encabezada por Chris Pine como Kirk y Zachary Quinto como Spock, papeles que originalmente fueron interpretados por William Shatner y Leonard Nimoy respectivamente, lograr que el espectador acepte y hasta se olvide de los interpretes originales ya insertados en el colectivo en esta nueva adaptación es un logro astronómico y más tratándose de los Treekie (fans de Star Treck) conocidos por su devotismo y excentricidades.
El señor Abrams después de haber dejado claro y sin duda alguna con su tercera cinta Super 8 ( homenaje a los inicios de Spielberg) que es un realizador de productos de consumo masivo pero con gran dignidad, llega con la esperada continuación de esta nueva franquicia que hasta el momento se revela como la mejor película de entretenimiento del año y muy pero muy por encima de todas las producciones estrenadas en esta temporada veraniega en donde la mediocridad parece ser el plato fuerte, en ejemplos como Iron Man 3 o Man of Steel.
Viaje A Las estrellas: En La Obscuridad es una épica galáctica de lujo, con un ritmo vertiginoso pero bien comedido, donde la trama y los personajes no son aplastados por el mounstro de los efectos visuales y ojo que aquí hay bastantes, en donde el espectador se convierte en un viajero interplanetario y explora unos mundos fascinantemente ambientados que no hacen referencia a nada que se haya visto antes y para colmo nos regala sorpresas en sus giros que se revelan como delicia para todos los fanáticos y los que conocemos de que va la cosa.
J. J. Abrams es de los pocos que dan ejemplos de lo que debe ser el cine comercial, ese que no importa cuanto nos cueste con tal de que acompañados de las cotufas y el refresco pasemos dos horas memorables que se incrustan en nuestros recuerdos poniéndonos en contacto con la grandeza de antaño Hollywodense de alguna forma ya extinta.
Por algo George Lucas lo considera el primer candidato para ponerse al frente de Star War: Episodio VII.
Quinta adaptación de la obra de F. Scott Fitzgerald de 1925, muchas veces confundida como un drama de romance cuando en realidad es una fuerte crítica al sistema de valores burgués en una de las épocas más prósperas de los Estados Unidos, el primer traslado del libro al formato cinematográfico fue en 1926 con una cinta muda de la cual prácticamente están perdidos los negativos, le seguirían una en 1949 y las más célebre la de 1974 bajo la dirección de Jack Clayton con guión de nada menos y nada más que Francis Ford Coppola y con Robert Redford y Mia Farrow encabezando el reparto, en el 2000 se haría otra adaptación pero para la televisión y finalmente llegamos al 2013 con una versión a manos del australiano Baz Luhrmann responsable de Romeo y Julieta (1996) y Moulin Rouge (2001).
De entrada este Gatsby es el más colosal de todos a nivel de producción, de hecho esta es la cinta con la mejor calidad de imagen que jamás he visto en el cine, se le ven los poros a los actores y como es lógico la iluminación, los tiros de cámara, la puesta en escena y el vestuario son de primera línea, así que no es de extrañar que este Gatsby logre nominaciones en estos rubros en los próximos Oscars y posiblemente se lleve algunos. Aquellos que desconozcan la obra de Fitzgerald o la cinta del 74 saldrán muy complacidos, tan es así que el Gatsby de Luhrmann también es el más exitoso de todos, con mas de 140.000.000 millones de dólares en recaudación solo en suelo estadounidense, ahora bien, hasta aquí llegan las buenas nuevas para este Gatsby que cuando hacemos a un lado toda su parafernalia y entramos en sus entrañas nos da bastante tela que cortar.
Para captar sobre todo a las audiencias juveniles, Baz Luhrmann en los primeros 30 minutos de metraje aproximadamente hasta la aparición del Gatsby utiliza todos los recursos disponibles a su alcance para dejar claro su sello, que ya vimos en sus anteriores trabajos, solo que aquí el exceso es de tal magnitud que luce como un ejercicio egocentrista, la edición y el ritmo en este primer tramo es tan frenética que le es imposible digerir a la audiencia tal cantidad de imágenes que les son mostradas, debido a la obsesión de Luhrmann por impresionar a nivel visual valiéndose de la era Burlesque o de retazos de la estética Fellini descuida en muchas partes la dirección de actores, así vemos a un Tobey Maguire como Nick Carraway sobreactuado hasta mas no poder incluyendo todos los que lo secundan.
Tras aparecer el Gatsby la cinta cambia el código establecido anteriormente, (recordemos que el estilo debe mantenerse de principio a fin al menos que exista un giro justificado) luego deja un tanto al lado lo visual para adentrarse en el núcleo dramático de la historia que es la obsesión del Gatsby (Leonardo Dicaprio) por la dama rica y casada Daisy Buchanan (Carey Mulligan), esta relación es retratada mas como una historia de amor adolescente (cuando sus personajes no lo son) que como el deseo utópico del Gatsby de ser aceptado por la élite a través de Daisy a pesar de su gran fortuna de dudosa procedencia, este complejo de inferioridad que posee debido a sus orígenes humildes está mejor plasmado en la cinta del 74, la cual es mucho más modesta pero le gana terreno ampliamente a la de Luhrmann en el desarrollo del guión y mucho más en el portafolio cínico de una clase social pudiente pero vacía encarnada en Daisy (MiaFarrow), actriz de una fisonomía que dista de los estándares de belleza hollywodenses y que al dotar a su personaje de la psiquis correcta que le fue imprimida respetando el espíritu de Fitzgerald, se convierte en la verdadera villana de la historia, sobre todo en su impecable escena final.
Mientras en su guión Coppola dibuja a Daisy como una caprichosa que actúa por revanchismo a su cornudo marido, la Daisy de Mulligan termina como una víctima perdiendo el foco de reflexión que originalmente tenía el caracter y al cual Jack Clayton si supo sacarle el jugo en una Mia Farrow ambigua ayudada por su enigmático rostro. Leonardo Dicaprio cumple lo encomendado aunque luce muy joven en la piel del Gatsby, personaje que si le calzó como anillo al dedo al legendario Robert Redford.
El espectador es tratado como tonto por medio de los flashbacks para explicar las motivaciones del Gastby, los cuales son innecesarios y lucen como relleno para alargar el metraje, con el agregado de un final sentimentaloide que de alguna forma desvía la intencionalidad crítica de Fitzgerald.
Este intento de Baz Luhrmann de revivir El Gran Gatsby triunfa en cierta medida en lo visual a pesar de su desmedida extravagancia y se cae a nivel argumental en comparación con Romeo y Julieta o Moulin Rouge, antes de verla dese un paseo por la muy superior del 74 y luego este pendiente del breve cameo de Marilyn Manson.
Por primera vez en los cinco años de este blog aparece el mítico realizador Brian De Palma, responsable de clásicos como: Carrie (1976), Vestida para matar (1980), El fantasma del paraíso (1974), Caracortada (1983), Los intocables (1987), Misión imposible (1996) entre otros, este digno deudor del legado Hichtcock perdió su brújula al entrar el nuevo milenio, películas como Misión a Marte, Femme fatale y La dalia negra nos mostraron a un De Palma desgastado con cintas que fueron directamente al basurero y que dejaban la interrogante de que si el director debía retirarse. Para fortuna de aquellos que seguimos el trabajo de De Palma nos es reconfortante ver que el realizador ha vuelto al cine que lo hizo celebre así se trate de un remake de la cinta francesa Crímenes de Amor (2010) ahora titulada Passion enuna co-producción entre Francia y Alemania.
Lógicamente algunas criticas han sido duras con el nuevo trabajo de De Palma, debido a que este desempolva los recursos que lo hicieron famoso, el mas celebre de ellos la partición de la pantalla en dos el cual popularizo en El Fantasma Del Paraíso y Carrie, a pesar de que se reconoce que De Palma no aporta nada nuevo en el campo visual en Passion y en cierta forma se auto-homenajea, la cinta logra su objetivo de entretener sin llegar a la majestuosidad de sus ya clásicos.
Christine (Rachel McAdams) es una poderosa gerente de una multinacional agencia de publicidad, este personaje de sexualidad ambigua entablara en primera instancia una relación que raya en lo lesbico con su subordinada ejecutiva de ventas Isabelle (Noomi Rapace), si bien en un comienzo ambas se muestran como buenas amigas, la ambición desmedida y sin escrúpulo de Christine desencadena una confrontación entre ellas sin limites la cual depara dos giros inesperados mas no sorprendentes y un final en la linea de Carrie y Vestida para matar.
Para los amantes de Brian De Palma les sera grato reencontrarse con el estilo que una vez lo pusiera en el mapa sobretodo al compararlo con sus anteriores fiascos, los mas exigentes despotricaran a una propuesta que podría interpretarse como una parodia de De Palma a si mismo, sin embargo al parecer todos coincidimos en que el dúo McAdams- Rapace funciona, elemento suficiente para visionar la cinta, ya sea para algunos impregnarnos de nostalgia o para otros descubrir a este heredero Hitchcockiano, lo que llevaría a la revisión de sus afamados Films-Sellers.
Parece que el mas poderoso de todos los superheroes no ha contado con buena suerte en su traslado al septimo arte, desde las cuatro secuelas que protagonizo Cristopher Reeve de la cual solo se salva la primera y llegando al digno homenaje a esa serie realizado por Bryan Singer en el 2006: Superman Returns (la mas respetable hasta el momento), el alienigena de Krypton estaba condenado al patio trasero por debajo de otros heroes-cómics tales como Spiderman, Iron Man y por supuesto Batman, así que cuando se anuncio que Cristopher Nolan asumiría la producción del Hombre de Acero bajo la dirección de Zack Snyder (300, Watchmen) las expectativas se tornaron altas al presumirse que posiblemente se tendría un resultado similar a lo artisticamente logrado en The Dark Knight, una vez visionada esta sexta entrega de Superman en la gran pantalla lo que se destaca en primera linea es que Snyder no es Nolan y por ahora esta muy lejos de serlo, si bien se le reconoce sus méritos en lo que a la forma se refiere, en este Hombre De Acero se confirma que el y David S. Goyer responsable del guión tienen problemas con el fondo y la profundización de los personajes, fallas que no se evidenciaron notablemente en los anteriores films de Snyder y que aquí esconde de manera extravagante en el infinito universo de los efectos visuales.
Prácticamente ya todo esta hecho en lo que a efectos por ordenador se refiere y es posible que estemos entrando en una etapa en donde ya no impresionan, Superman llega tarde a este festín ya aprovechado por otros superheroes, por lo tanto la cinta se ve obligada a reciclar todo lo que ya se ha visto en ejemplos como El Día De La Independencia, The Matrix, Star Wars, Transformers y para usted de contar.
En lo que al hecho dramático se refiere Snyder debió tratar de contar sustancialmente lo que plantea la historia: la conjunción de lo relatado en las dos primeras cintas del 78 y 80 con algunos cambios que no alteran en gran medida lo plasmado en los cómics, lo cual hubiese llevado a tres horas de metraje, este cede ante el efectismo y el espectáculo machacando el relato en 140 minutos que no dan a basto para desarrollar los diversos núcleos dramáticos.
Zack Snyder nos presenta a un planeta Krypton mas en la linea de los mundos de Stars War con un Russell Crowe encarnando a un dinámico Jor-El bien alejado del difunto Marlon Brando mas un temible y efectivo General Zod (Michael Shannon) el personaje mas redondo de todo el film y cuya motivación es mejor expuesta, Kevin Costner y Diane Lane como los padres terrícolas de Clark Kent lucen algo desaprovechados a pesar de sus buenas interpretaciones en parte por su apariciones en flashback para acortar la etapa infantil-adolescente de Superman y de alguna forma desligarse de la serie televisiva Smallville, la bella Amy Adams funciona en cualquier sitio donde es colocada así que no es de extrañar que cumpla cabalmente su rol de una Lois Lane con los pantalones bien puestos, Henry Cavill el nuevo Superman no tiene mucho reto por delante en un caracter que depende mas de lo físico, no se le puede pedir mucho matiz a Kal-El que por defecto es bondadoso, noble y que en mayor parte controla su temperamento, sin embargo Cavill calza bien en un hombre de acero mucho mas fornido y veloz que los anteriores.
Quienes esperan un relato oscuro y con vestigios de un dramatismo a lo Shakespeare que apreciamos en El Caballero De La Noche o el acertado contexto épico salpicado de humor de Los Vengadores saldrán defraudados, el intento de profundizar el conflicto de identidad de Kal-El y la amenaza que representa ante los ojos humanos es eclipsado por un derroche de efectos de notoria procedencia (recordemos que el mejor efecto es el que no se ve) y combates interminables que saturan hasta aturdir al menos que usted sea fanático de los vídeo juegos, que es lo que parece ser la propuesta.
No vamos a negar que El Hombre De Acero entretiene pero dista mucho de lo que originalmente nos fue vendido.
Lo que no entiendo todavía es ¿En Krypton también hablan ingles?, a lo mejor la respuesta esta en los cómics.
La ficción es una vía de la cual el autor se vale para manifestar su punto de vista en torno a una realidad que muchas veces es mas perturbadora que el suceso irreal narrado, sin caer en ningún momento en el recurso panfletario la dramatizacion puede enfilar sus baterías en algo que no esta estrechamente relacionado con lo que se esta contando, basta con una sugerencia, una linea aparentemente inofensiva dicha por alguno de sus interpretes para que se muestra la verdadera intencionalidad del mensaje, el cual si es presentado de forma mas abierta pudiera mostrar rechazo debido a lo controversial del mismo, una vez aceptada la trama que subyace en la superficie por parte del espectador le sera mucho mas digerible reflexionar sobre la real intencionalidad de la premisa, posiblemente el publico mas sofisticado logre detectar la linea que funciona como caballo de Troya enunciada por Jude Law cuando le cuenta a su esposa sus teorías en torno al infierno que le ha caído encima.
Efectos Secundarios vendría a ser la tercera pelicula de Steve Soderbergh en menos de dos años, este polifacético realizador que parece no tomarse un descanso nos presenta un efectivo relato lleno de intriga y del mejor suspenso que se vuelve mas inquietante a medida que avanza logrando que la audiencia casi ni pestañee.
Rooney Mara (La Chica Del Dragón Tatuado) interpreta a Emily esposa de un convicto Martin Taylor quien al salir aparentemente reconforta a una abatida Emily, a pesar de su situación económicamente precaria después de vivir en opulencia la pareja parece estar uniendo las piezas rotas dejadas por las andanzas de Martin, inesperadamente Emily comienza a sufrir fuertes episodios de depresión que la llevan a un intento de suicidio chocando su auto contra la pared en un estacionamiento, es aquí cuando entra el psiquiatra Jonathan Banks (Jude Law) el cual se convertirá en su medico tratante, Emily no soporta los efectos secundarios de los antidepresivos recetados por Jonathan cuyos síntomas presentan vómitos y perdida del deseo sexual, al Jonathan cambiar el tratamiento este produce episodios de sonambulismo en Emily los cuales llevaran a trágicas consecuencias.
El mundo de Jonathan sufre un giro de 180 grados ya que su credibilidad como medico sera cuestionada públicamente al punto de ser abandonado por sus colegas y la posibilidad de enfrentar cargos criminales, Jonathan comenzara una infernal cruzada en busca de explicaciones que lo llevaran entre otras cosas a ponerse en contacto con la doctora Victoria ( Catherine Zeta-Jones) antigua terapeuta de Emily y personaje clave en los descubrimientos posteriores que hará Jonathan.
Soderbergh una vez mas dirige con tino a un elenco sobresaliente en una trama sin costuras y de sorprendentes giros imposibles de revelar sin arruinarle al lector su visionado póstumo, en una temporada fílmica floja, llena de cintas las cuales su razón de existir es la búsqueda del preciado dolar, Efectos Secundarios se revela como uno de los pocos oasis en el desierto, una cinta digna de apreciarse y por el momento de las escasas producciones de primera linea en lo que va del año.
Simpatía por Mr. Vengeance, Old Boy, Simpatía por Mrs. Vengeance y Thirst son algunos de los celebres títulos de uno de los grandes cineastas de Corea del Sur, quien no halla visto algunas de las obras de Park Chan-wook y dice llamarse cinéfilo es tiempo de pegar una carrera y conectarse con su filmografia antes de contemplar su primera cinta fuera de su hábitat natural y con actores e idioma anglos.
STOKER esta producida nada menos que por los hermanos directores Ridley y Tony Scott, este ultimo lamentablemente fallecido antes del inicio del rodaje. Haciendo una sinopsis de la temática y el estilo recurrente de Park Chan-wook encontramos que la venganza, el cuestionamiento de la fe y los valores tradicionales familiares mas una gama de personajes cargados de una enorme psicopatía son el sello que definen a este realizador que se empeña de una manera muy elegante en retratarnos una sociedad decadente y al borde del abismo, de allí la gran expectativa al conocerse que su nuevo trabajo seria rodado en ingles y que contaría con la estrella Nicole Kidman entre el reparto.
Una vez visionada la propuesta nos queda cierto sabor amargo en la boca no por que sea deficiente pero quien conoce el manto que rodea las cintas del realizador se encontrara una aceptable historia mas del promedio sin tener el impacto y la trascendencia de sus anteriores películas, posiblemente se deba al guión realizado por el actor-modelo Wentworth Miller (Prision Break) que a pesar de estar bien escrito esta algo alejado de la crudeza a la cual nos tiene acostumbrado el afamado coreano.
Este cuento familiar se centra en un triángulo de bajas pasiones entre India Stoker (Mia Wasikowska, la Alicia de Tim Burton), su madre Evelyn (Nicole Kidman) y Charlie (Matthew Goode) el misterioso tío de India que nunca había conocido y el cual aparece tras la muerte de su hermano viniendo a complicar la ya deficiente relación existente entre madre e hija, a pesar de que un principio la solitaria India ve con desconfianza la llegada de su encantador y carismático tío mientras su madre Evelyn sucumbe a sus encantos a medida que avanza el metraje los genes comunes entre sobrina y tío ambos con tendencia a la psicopatía irán estrechando lazos que van dejando por fuera a la inestable Evelyn, prácticamente a medio camino se va revelando el cuadro psicológico del peligroso Charlie, lo interesante radica en ver si India esta destinada a seguir los pasos de este, aunque ya se da alguna pista en la excelente escena de la ducha.
No hay duda de que una vez mas Park Chan-wook aquí demuestra sus habilidades como director de manera impecable llevando con maestría la tensión en el triángulo de personajes acertadamente caracterizados, con una sobresaliente Mia Wasikowska en su mejor interpretación en la cual con tan solo una mirada percibimos la dualidad en un ser aparentemente reprimido.
Hubiésemos querido algo mas apoteósico para este debut anglosajón de Park Chan-wook, aunque no esta mal es difícil predecir si realizara otros trabajos por estos lares del occidente.
